正版音乐剧重唱教程二赵梅谭洁西南师范大学出版社全新教材9787562174974 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵梅，谭洁，袁婷婷 著

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• 音乐剧
• 重唱
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• 赵梅
• 谭洁
• 西南师范大学出版社
• 9787562174974
• 正版
• 全新

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出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562174974

商品编码：29684840763

页数：186

图书基本信息
书名：	音乐剧重唱教程（二）
丛书名：	21世纪音乐教育丛书
作者/主编：	赵梅, 谭洁, 袁婷婷
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562174974
出版年份：	2016年3月1日

版次：	第1版
总页数：	186页
开本：	16
图书定价：	28元
实际重量：	440g
新旧程度：	正版全新

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《21世纪音乐教育丛书:音乐剧重唱教程(二)》由赵梅，谭洁，袁婷婷编著，西南师范大学出版社出版。

一、《吻我，凯特》 

（一）二重唱《神奇吧》 
（二）四重唱《汤姆、迪克和哈利》 
二、《象棋》 
（一）四重唱《优雅与和平的典范》 
（二）二重唱《山间二重唱》 
（三）二重唱《你和我》 
（四）二重唱《我如此了解他》 
三、《阿依达》 
（一）二重唱《魅力闪过》 
（二）四重唱《不是我》 
（三）二重唱《精致生活》 
（四）三重唱《咫尺天涯》 
（五）二重唱《寄语辰星》 
（六）二重唱《有其父必有其子》 
四、《妈妈咪呀》 
三重唱《奇克提塔》

《音乐剧重唱教程（二）》主要选择欧美具有代表性的、其他教材还未收录的经典剧目，如《吻我凯特》《棋王》《阿依达》《妈妈咪呀》。每首曲目都是作者精心整理、改编、提炼后的呈现，具有较高的教学价值和普及意义。同时，每首曲目还附有作品简介、故事梗概、演唱提示、重难点注解等内容，以帮助使用者对作品能有深刻的理解和领悟，是教师、学生及音乐剧爱好者学习的好教材。

音乐的力量：精选世界经典歌剧咏叹调赏析与实践 一、导言：跨越时空的艺术之声 本书旨在为热爱歌剧艺术的读者和学习者提供一个深入探索世界经典歌剧咏叹调的平台。我们深知，咏叹调作为歌剧的灵魂，不仅是角色情感的集中爆发点，更是作曲家音乐语言和戏剧思想的精妙体现。本书不侧重于基础的发声技巧训练，而是聚焦于对已形成之曲目的深度理解、艺术处理和审美鉴赏。我们将带领读者穿越巴洛克、古典主义、浪漫主义直至近现代的音乐长河，感受不同时代风格的交织与碰撞。 本书的结构设计旨在平衡理论的深度与实践的可操作性。每一章节都围绕一部或一组重要的歌剧作品展开，力求在提供扎实历史背景和文本分析的同时，引导读者关注其音乐结构、旋律线条、和声语言的独特性，从而真正“听懂”和“唱好”这些不朽的篇章。 二、巴洛克与早期古典主义的辉煌：情感的理性与华彩的张力 (约350字) 本部分聚焦于亨德尔、莫扎特等早期大师的代表作。在巴洛克时期，咏叹调往往带有强烈的炫技色彩（Da Capo Aria 结构），但其背后蕴含的却是对情感精确的划分与表达。我们将详细剖析亨德尔歌剧中，如《朱利叶斯·凯撒》中的“温柔的魅影”（V’adoro, pupille），如何通过装饰音的运用，将爱慕与犹豫这两种复杂的情感细腻地交织在一起。 进入古典主义早期，莫扎特的作品展现了歌剧音乐前所未有的戏剧性统一。以《费加罗的婚礼》中的“轻舟已过万重山”（Non più andrai）为例，本书将分析其回旋曲式结构如何烘托出人物从忧虑到重获信心的心路历程。我们不会详述如何进行音准训练，而是着重探讨：如何通过对节奏的微妙处理，体现出苏珊娜的机智与活泼？如何利用对位手法中的声音线条，来彰显歌剧场景的复杂性？ 此外，我们将探讨早期咏叹调中对“情绪单元”的划分。这些作品要求演唱者具备清晰的戏剧逻辑，理解作曲家在特定乐段中对表情术语（如 Affettuoso, Allegro ma non troppo）的精准要求，而非仅仅依靠嗓音的力度变化来推动。 三、浪漫主义的激情与人性深度：心灵的史诗 (约500字) 浪漫主义时期是咏叹调艺术的黄金时代。威尔第、普契尼、瓦格纳等巨匠将人类最深沉的爱、恨、嫉妒与牺牲，注入到宏大而又极富个人色彩的旋律之中。 对于威尔第，本书将重点解析他晚期作品中对“主导动机”和“场景式咏叹调”（Scena ed Aria）的处理。例如，《弄臣》中的“女人善变”（La donna è mobile），我们探讨其看似轻快旋律下隐藏的讽刺意味，以及在快速的切分节奏中，如何保持声线的连贯性与戏剧的张力。对于更深沉的作品，如《奥赛罗》中的“耶！大海”（Niun mi tema），我们将分析威尔第如何通过不断下行的旋律线条和对和声的模糊处理，描绘出英雄临终前的孤独与幻觉。 普契尼的咏叹调则更强调歌唱的“自然性”与“叙事性”。在《波希米亚人》的“冷酷的冬日”（Che gelida manina）中，我们不谈如何解决高音的换声点，而是关注鲁道夫的羞涩、笨拙与爱恋如何通过旋律的起伏和伴奏的细腻衬托得以展现。如何处理普契尼对“呼吸感”的强调，使之听起来更像情感的自然流露，而非刻意的雕琢，是本节的重点探讨方向。 相较于意大利美声学派的直抒胸臆，瓦格纳的“无尽旋律”（Unendliche Melodie）提出了另一套挑战。本书将简要介绍其“主导动机”理论对咏叹调结构的影响。虽然瓦格纳的作品在实践中往往被视为“唱段”而非传统意义上的“咏叹调”，但理解其如何通过管弦乐的铺陈来支撑人声，对于理解近现代歌剧语言至关重要。 四、二十世纪及当代的探索：风格的解构与重建 (约350字) 进入二十世纪，随着音乐语言的多元化，咏叹调的形态也发生了显著变化。勋伯格、斯特拉文斯基乃至当代作曲家，开始解构传统的美学标准，将更多的无调性、自由调性和节奏复杂性引入歌剧。 本书将选取一些具有代表性的二十世纪咏叹调进行分析。例如，在探戈、爵士等元素融入的歌剧中，咏叹调如何利用非传统的音阶和节奏型来塑造人物？我们关注的是，在打破传统旋律美学之后，作曲家如何依然通过独特的音色对比和戏剧性的停顿，抓住观众的注意力。 对于当代歌剧，挑战在于如何理解和呈现那些可能缺乏传统“悦耳”旋律的段落。我们将讨论，在这种情况下，演唱者需要更深入地扮演“戏剧演员”的角色，将注意力从“唱得美”转移到“说得真”——即声音的质感、清晰的文本传达以及对极度不安或疏离情感的准确把握。 五、结语：超越技巧的艺术追求 (约300字) 本书的最终目标是培养读者一种整体的、以戏剧为核心的艺术观。我们相信，任何伟大的咏叹调演绎，都必须建立在对文本的深刻理解、对作曲家时代背景的洞察，以及对角色内心世界的百分之百投入之上。 我们刻意避开了详细的呼吸支持、共鸣腔位调整等基础技术性内容，因为这些是其他专业教材的核心。本书的价值在于构建一座桥梁，连接起演唱者已有的技术能力与舞台上所需的广阔艺术视野。它鼓励读者将每一次练习都视为一次“小型排练”，不断地在“模仿”与“创新”之间寻找属于自己的声音哲学。通过对这些世界级声乐遗产的深入剖析，我们期望每一位读者都能在这浩瀚的音乐海洋中，找到属于自己的那片灯塔，最终实现技术与艺术的完美融合，使歌剧咏叹调的魅力得以永续传承。

评分☆☆☆☆☆

作为一名指导青年教师，我一直在寻找能够平衡理论深度和课堂实用性的教材来配合我的教学工作。这本书无疑填补了这一空白。我将书中关于“舞台调度与声音定位”的部分作为期末考核的重点参考标准，发现学生们的进步速度明显加快了。以往，我们只能通过大量的排练和纠正来让学生体会“声音的交织”，但这本书提供了一个清晰的“地图”——它用图示和清晰的文字解释了当两个角色处于舞台不同位置时，如何调整共鸣腔体和吐字位置，以确保在听众那里听起来是完美融合而非互相干扰的。更妙的是，它还涉及了对歌词的“非线性处理”——如何在不改变旋律的前提下，根据重唱的需要，微调特定单词的重音或延时，以突出剧情的某个瞬间。这在排练我们学校的原创音乐剧片段时，帮助我们解决了许多原本以为必须妥协的技术难题。它不仅仅是给演唱者看的，对于指导老师来说，它更像是一本“故障排除手册”，任何关于重唱合作中的疑难杂症，都能在这本书里找到科学的解释和可行的解决方案。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初看这本书的时候，我有点被它详尽的术语和略显密集的排版给“吓到”了，感觉自己像是在啃一本高阶乐理教材。但耐心翻阅了几页之后，我发现这种看似复杂的结构恰恰是它深度所在。它没有试图用过于简单的语言去稀释复杂的概念，而是坚持用精确的音乐术语来构建一个扎实的理论基础。对于我这种已经有一些基础，但总感觉在瓶颈期无法突破的学习者来说，这种“硬核”的讲解方式是最需要的。书中关于如何处理特定历史时期音乐剧重唱风格的差异（比如从美声风格到摇滚风格的过渡期）的论述，非常具有启发性。它不仅告诉你该怎么唱，还告诉你“为什么”要这么唱，背后的文化和音乐历史背景是什么。这使得我们不仅仅是一个技术的执行者，更是一个理解音乐语言的阐释者。我感觉这本书迫使我走出舒适区，去研究那些我以往会本能回避的高难度技巧，比如快速换声区的衔接和对位清晰度的保持。它要求你用心智去驾驭声音，而不是被声音牵着走，这种反向控制的能力，是成为一名成熟音乐剧演员的关键。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是我的救星，我一直都在寻找一本既有系统性又足够深入的音乐剧声乐教材，市面上很多要么太浅显，要么就是针对特定风格的，很难找到一本能全面涵盖重唱技巧和舞台表现力的综合性书籍。这本书的编排非常合理，从最基础的发声练习到复杂的角色情感处理，层层递进，让人感觉每一步都走得踏实。特别是它对不同声部之间如何平衡音量、如何处理和声的细节讲解，简直是教科书级别的示范。我个人特别喜欢它在理论讲解之后紧接着给出的实际练习曲目分析，让我能够立刻将学到的知识应用到实践中去，而不是停留在空泛的理论层面。有时候听课老师讲的那些技巧，自己回去对着镜子练习总感觉不到位，但这本书里的图文配合说明，加上一些可能是配套的音频提示（我还没仔细听，但光看文字描述就觉得很到位），确实能帮我找到那个“感觉”。对于我们这些非科班出身，但又怀揣着音乐剧梦想的人来说，它提供了一个非常清晰的学习路径，让我知道接下来应该重点攻克哪个环节。它不是那种只给你曲谱让你自己摸索的书，而是真正手把手教你如何成为一个合格的重唱伙伴，如何让你的声音在舞台上与其他声音完美融合，这才是音乐剧重唱的精髓所在啊。我强烈推荐给所有对音乐剧合唱或重唱感兴趣的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

当我拿到这本书时，我首先被它严谨的学术气息所吸引，那种西南师范大学出版社的出品自带的专业感是其他一些商业出版物难以比拟的。这本书的价值远超其书本本身的物理存在，它更像是一份经过多年教学实践检验的、高度提炼的教学大纲。我尤其欣赏它在探讨“戏剧性”与“声乐技术”之间的平衡时所采取的视角。很多教程把技术和表演割裂开来，要求你先练好声音，再谈感情，但这本书却在每一个技术点下面都巧妙地植入了“人物动机”的思考，让我明白，重唱不是两个独唱者并排放置，而是两个或多个角色的对话与冲突在声音上的体现。书中对气息控制与舞台空间感的关联分析得尤为透彻，它不是简单地说“要用足气息”，而是解释了在特定场景下，你需要用多大的“声音能量场”去覆盖多大的舞台区域，这对于习惯于小剧场或录音棚环境的演唱者来说，无疑是醍醐灌顶的指导。我用了其中关于“声音色彩变化”的一章来准备一场校内的汇报演出，那次演出我感觉自己不再是单纯地在“唱歌”，而是真正地在“扮演”和“交流”，观众的反馈也印证了这一点，那种声音的层次感和故事性是前所未有的。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大感受是“全面性”与“实战性”的完美结合。我之前上过一些关于音乐剧的公开课，老师通常会侧重于情感爆发力或某一特定唱段的解析，但对于“重唱”这个协作性极强的环节，往往只是点到为止。这本书则将重唱视为一门独立的、需要精湛技艺的学科来对待。我特别喜欢其中对“互听”这一概念的详尽阐述。在二重唱或三人以上的场合，如何在一秒内捕捉到搭档的细微变化并立刻做出反应，书中给出了许多练习模块，要求学习者在听觉和反应速度上达到“肌肉记忆”的程度。这远比单纯地跟着节拍器练习要复杂和有效得多。例如，它要求你在保持自己声部稳定的同时，尝试在不被察觉的情况下，将自己的音高略微“跟随”或“引导”搭档的音高，以达到一种动态的和谐。读完这本书，我感觉自己的舞台协作能力得到了质的飞跃，不再是单纯的“完成演唱”，而是真正的“共同创造音乐体验”。它不仅教会我如何唱好自己的部分，更教会我如何成为一个优秀的、能提升整个舞台效果的“音乐伙伴”。