曲式与作品分析下茅原人民音乐出版社艺术考研正版教材9787103032411 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

茅原 著

图书标签:

• 音乐理论
• 曲式分析
• 作品分析
• 音乐考研
• 艺术考研
• 茅原音乐
• 人民音乐出版社
• 教材
• 音乐学
• 考研资料

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103032411

商品编码：29684840345

页数：434

图书基本信息
书名：	曲式与作品分析（下册）
丛书名：	普通高等教育“十五”规划教材
作者/主编：	茅原
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103032411
出版年份：	2007年

版次：	第1版
总页数：	434页
开本：	1/16
图书定价：	56.00元
实际重量：	821g
新旧程度：	正版全新

《普通高等教育"十五"规划教材:曲式与作品分析(下册)》共分四章，内容包括：奏鸣曲式，组曲，赋格和歌剧。 

第七章 奏鸣曲式 1.奏鸣曲式的基本概念 1.1 奏呜原则与交响性 2.奏鸣曲式的结构 2.1 简单的奏鸣曲式 2.2 完整的奏鸣曲式 3.分析规范性奏鸣曲式的简便方法 3.1 发现主部主题 3.2 发现连接部 3.3 发现副部主题 3.4 发现结束部 3.5 陌生化与家族相似 4.奏鸣曲式的各个部分 4.1 引子 4.1.1 统一性引子与对比性引子 4.1.2 引子的和声、调式、调性 4.1.3 引子的结构 4.2 呈示部 4.2.1 主部主题 4.2.1.1 主题与主题群 4.2.1.2 统一性主题与对比性主题 4.2.1.3 主部主题的结构 4.2.1.4 主部主题与连接部之间的“界限”的有无之分 4.2.1.5 主部主题结束后面临的可能性 4.2.1.5.1 第二主部 4.2.1.5.2 连接部 4.2.1.5.3 主部主题的展开 4.2.1.5.4 副部主题 4.2.2 主部与副部之间的连接部 4.2.2.1 独立的连接部 4.2.2.2 转化而成的连接部 4.2.2.3 连接部的结构 4.2.3 副部主题 4.2.3.1 主题与主题群 4.2.3.2 副部主题的结构 4.2.3.3 副部主题的调性 4.2.3.4 主部与副部主题材料的关系 4.2.3.4.1 统一关系 4.2.3.4.2 对比关系 4.2.3.4.3 相互渗透 4.2.3.5 副部主题结束时面临的可能性 4.2.3.5.1 下面是另一个副部主题 4.2.3.5.2 下面是连接部 4.2.3.5.3 下面是结束部 4.2.4 结束部 4.2.4.1 常见的两个特点 4.2.4.2 结束部的调式调性 4.2.4.3 结束部的曲式功能 4.3 展开部 4.3.1 展开部的结构 4.3.1.1 引入部分 4.3.1.2 中心部分 4.3.1.3 返回部分 4.4 再现部 4.5 结尾部（尾声） 5.例题分析 习题 第八章 组曲 1.组曲的基本概念 2.例题分析 习题 第九章赋格 1.关于编写体裁部分的说明 2.赋格的基本概念 3.复调音乐织体中的终止 4.赋格程序 4.1呈示部 4.1.1导句 4.1.1.1赋格主题的特性 4.1.1.1.1引子型陈述方式 4.1.1.1.2常用音程 4.1.1.1.3节奏特征 4.1.1.1.4主题结构 4.1.1.1.5主题进入的次序 4.1.2应句 4.1.2.1答题（主题在新调或原调上的再陈述） 4.1.2.1.1完全答题 4.1.2.1.2调性答题 4.1.2.1.2.1主题从主音开始 4.1.2.1.2.2主题从属音开始 4.1.2.1.2.3主题从主音到属音两个音开始 4.1.2.1.2.4主题从属音到主音两个音开始 4.1.2.2对题 4.1.3主题与对题的规范性变化形态 4.1.3.1时值方面 4.1.3.2旋律方面 4.1.3.3移位 4.1.4多余进入 4.1.5第二呈示部 4.1.6插部 4.2展开部 4.2.1密接和应 4.2.2多展开部 4.3再现部 4.4尾声 5.结构布局 6.分析赋格的基本要求 6.1图式规格 6.2调性标记 7.例题分析 习题 第十章歌剧 1.歌剧分类 2.分曲歌剧与乐剧 3.例题分析 4.附言 4.1主导主题（主导动机） 4.2主要主题与次要主题 习题 谱例索引 后记

《普通高等教育"十五"规划教材:曲式与作品分析(下册)》属教育部“十五”规划科研项目，是供音乐本科作曲及音乐学使用的曲式与作品分析教材，其他的曲式与作品分析共同课在使用本教材时，可适当精简。全书以文字版+电子版的方式出版，配有“音响资料和习题光盘”。《普通高等教育"十五"规划教材:曲式与作品分析(下册)》所含谱例及音响，一般可满足教学需要。

音乐理论与分析的进阶之旅：一部聚焦于音乐结构、风格与诠释的深度探索 图书名称： 音乐结构、风格与诠释：从巴赫到德彪西的分析视角 作者： [虚构的资深音乐学家或作曲家姓名] 出版社： [虚构的权威学术出版社名称] ISBN： [虚构的ISBN编号] --- 内容提要： 本专著旨在为音乐学、音乐史、作曲技术及音乐表演专业的学生与研究者提供一套严谨而富有洞察力的分析框架，用以解读西方音乐传统中那些里程碑式的作品。本书摒弃了单纯基于机械化图表的分析模式，转而强调音乐内在的逻辑、风格的演变、作曲家意图的追溯，以及听觉体验与结构理解之间的动态关系。全书以时间为轴，以体裁和技术为纲，深入剖析了从巴洛克晚期到印象主义前夕的音乐语汇与构造原理。 第一部分：巴洛克晚期的宏大叙事与精巧构造（约1700-1750年） 本部分聚焦于对位法的巅峰成就与复调织体的逻辑构建。我们不将巴赫视为一个孤立的“复调大师”，而是将其置于整个欧洲音乐结构理论的语境中进行考察。 赋格的生成原理与主题发展： 详细解析赋格曲中主体、对体、中入的严格规则，重点探讨巴赫《平均律键盘曲集》中不同调性下主题的内在张力与转调策略。分析如何通过严格的对位技术，将单一动机转化为宏大、多层次的音乐结构。例如，对C小调第二号赋格的分析，将着重于其主体动机在不同声部间的“功能性转移”及其对听觉连贯性的贡献。 组曲与器乐套曲的结构重塑： 探讨法国、意大利组曲中舞曲的规范化（阿勒曼德、萨拉班德、吉格等）如何服务于整体的结构平衡。此外，对协奏曲的“快-慢-快”三乐章结构的早期形态进行辨析，区分维瓦尔第式的“曲式性”与巴赫式的“叙事性”协奏曲。 宣叙调与咏叹调的戏剧张力： 分析巴洛克歌剧（特别是亨德尔作品）中“示迹性宣叙调”（Recitativo Secco）与“音乐性宣叙调”（Recitativo Accompagnato）在推动情节与表达人物情感上的精确分工。咏叹调部分，则深入探讨旋律的“自由装饰化”趋势及其与和声基础的依存关系。 第二部分：古典主义的平衡、清晰与戏剧性（约1750-1820年） 古典主义时期是音乐结构形式臻于完善的时代。本部分将详细拆解奏鸣曲式作为核心范式的建构逻辑，并考察其在不同体裁中的适应性变化。 奏鸣曲式的“动态平衡”模型： 传统上将奏鸣曲式简化为呈示部、发展部、再现部。本书提出一种“功能性驱动”的分析法：即通过主导调性冲突、主题群的功能定位（T-S-K）以及终止部（K）的稳定性确立，来理解结构单元的内在必然性。特别关注海顿作品中对“副部主题”的实验性处理，以及莫扎特对主题的抒情性扩展。 交响曲与奏鸣曲的结构层次： 考察交响曲（尤其是早中期）中四个乐章的体裁对位——通常是奏鸣曲式快板、三拍子慢板（常为三部曲式或变奏曲式）、小步舞曲/谐谑曲以及回旋曲式或奏鸣曲式终曲。分析这些对比如何共同塑造了作品的宏观叙事弧线。 变奏的艺术与主题的潜能挖掘： 深入分析变奏曲的几种主要类型：基于低音的固定低音变奏（如巴赫的“哥德堡变奏”），基于和声框架的变奏（如海顿的某些乐章），以及基于主题的分解与重构（如莫扎特晚期作品）。重点在于辨识在结构变化下，原始主题的“结构核心”是如何被保留和强化的。 第三部分：浪漫主义的扩张、主观性与形式的张力（约1820-1900年） 浪漫主义并非是对古典形式的简单抛弃，而是在现有框架内对情感表达和技术复杂性的极致推演。 奏鸣曲式的后期变形与“自由化”： 重点研究贝多芬晚期（如降B大调第13号四重奏）中，奏鸣曲式如何被扩展、压缩甚至模糊化。分析发展部的长度激增、副部主题的调性模糊化，以及如何通过“扩大再现部”来重新确立主调的优势。随后过渡到舒伯特对“抒情性复现”（即副部主题的两次不同处理）的偏好，以及勃拉姆斯在继承古典范式时对动机的精细化处理。 “组曲”的回归与叙事性器乐曲： 考察标题音乐（Program Music）对传统器乐体裁的渗透。分析李斯特的“交响诗”如何通过“移位动机”（Thematic Transformation）技术来统一看似松散的结构，使其成为一个有机整体。探讨室内乐中的“幻想曲”体裁如何利用不固定的形式来服务于即兴化的情感表达。 和声的模糊与色彩的引入： 分析瓦格纳歌剧中和声语言的革命性进展，特别是“导机进”（Leitmotif）与“半音化和声进行”对传统功能和声系统的挑战。研究这一趋势如何影响了器乐中调性中心的稳定性，为后浪漫主义的探索铺平道路。 第四部分：印象主义与现代主义的前夜（约1890-1920年） 本部分关注音乐语言如何从“功能性驱动”转向“色彩性与氛围营造”。 德彪西的“全音阶”与“五声音阶”的结构功能： 考察德彪西的作品（如《牧神午后前奏曲》、《阿拉伯风格曲》）中，传统调性功能如何被削弱。分析他如何利用全音阶和五声音阶制造“空间感”和“静态美”，以及这些音阶在结构上取代了传统大小调的“驱动力”。 乐段的堆砌与非线性结构： 对印象派作品中“乐段式”或“板块式”的组织方式进行分析。这些作品往往缺乏古典奏鸣曲式或浪漫主义交响曲中那种清晰的“解决”（Resolution）过程，转而依赖于连续的、对比鲜明的音响色彩和织体变化来维持听觉的兴趣。 织体的透明化与对位的新理解： 对比拉威尔对传统对位技术的继承与创新。分析拉威尔作品中，复杂的对位如何服务于清晰的线条感和透明的音色，而非巴赫时期那种密织的复调“块状结构”。 本书特色与方法论： 本书的核心在于强调“结构服务于意义”。分析过程将结合： 1. 功能和声学分析： 追踪调性重心的确立、转移与回归的逻辑路径。 2. 动机发展学： 揭示作品中微小音乐单元（动机、节奏型）在不同乐段中的衍生、变形与最终的结构整合作用。 3. 体裁约定论： 明确分析每一特定作品时，首先界定其所属体裁（如奏鸣曲、变奏曲、幻想曲）在特定历史阶段的结构性要求与作曲家对这些要求的突破点。 通过对这些经典作品的细致剖析，读者将获得一种超越“标记”和“标签”的深入理解力，从而能够更自信、更具洞察力地面对复杂的音乐文本。本书旨在培养读者从“听众”到“结构解读者”的转变。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在校的音乐学学生，我发现这本书在知识体系的建构上做到了极好的平衡——它既是理论的基石，又是实践的指南。它在介绍如“赋格曲”或“变奏曲”等复调与变奏性曲式时，其逻辑推演的层次感极其清晰，从最基础的模仿原则到复杂的自由处理，过渡得水到渠成，使得原本被认为难度较高的内容也变得可以被逐步掌握。对于我们在准备分析性考试时，最头疼的“如何组织答案”这个问题，书中也提供了潜移默化的引导。通过它详尽的分析范例，读者可以自然而然地学习到如何构建一个逻辑严密、论据充分的分析报告，从宏观的曲式框架到微观的和声色彩，每一步都有章可循。这种“授人以渔”的教学思路，让学习不再是死记硬背公式，而是真正理解音乐是如何被“编织”出来的过程，对于提升我们实际的听辨能力和应试技巧，起到了立竿见影的帮助。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，不同于以往那些中规中矩的教材，它在细节处理上显得格外用心。封面选用了那种略带纹理的哑光纸质，触感温润而有分量，让人感觉这是一本值得珍藏的专业书籍。色彩搭配上，主色调采用了沉稳的深蓝与典雅的米白，既符合音乐理论的严肃性，又不失艺术的韵味。更巧妙的是，内页的排版布局，文字与乐谱示例之间的留白处理得非常得当，即便是初学者在阅读复杂的曲式分析时，也不会感到视觉上的疲劳。纸张的厚度适中，油墨的印刷清晰锐利，即便是细小的记号和指法标记也能一目了然，这对于需要反复对照和标注的研读者来说，无疑提供了极佳的阅读体验。尤其是那些关键的结构图表和和声进行示意，被清晰地置于易于观察的位置，使得原本抽象的概念具象化了不少。总的来说，从拿到手的那一刻起，就能感受到出版方在制作上的匠心独运，这不仅仅是一本工具书，更像是一件精心打磨的艺术品，极大地提升了阅读的愉悦感和学习的积极性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论阐述深度，完全达到了我预期中“考研”级别的要求，它没有停留在对基础概念的简单罗列，而是深入挖掘了不同时期、不同风格作品背后的结构逻辑和情感表达。作者在处理一些经典奏鸣曲的呈示部、再现部，以及回旋曲式（Rondo）的复杂变体时，所采用的分析框架非常严谨且富有洞察力。我尤其欣赏它对于“动机发展”这一核心议题的处理方式，它不仅展示了如何识别动机，更重要的是，它提供了一套系统性的方法论，教我们如何追踪动机在不同乐章间的演变、变形与整合，这对于真正理解一部作品的内在统一性至关重要。书中引用的案例几乎涵盖了从巴洛克到浪漫主义晚期最具代表性的范例，且对这些范例的剖析，往往能揭示出作曲家在形式构建上的独到匠心，这种由表及里的剖析，极大地拓宽了我对“结构美学”的理解边界，而非仅仅是套用固定的曲式名称。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格非常接地气，这在学术教材中是难能可贵的。虽然内容是严肃的理论探讨，但作者避免了过多晦涩难懂的专业术语堆砌，即便是首次接触曲式分析的读者，也能感受到一种被温和引导的体验。比如，在解释一些复杂的曲式术语时，作者往往会穿插一些生动的比喻或者简短的历史背景介绍，这些“软性”的内容瞬间拉近了理论与读者之间的距离，让冰冷的结构分析充满了人情味。我个人特别喜欢它在讨论“自由曲式”时的那种开放态度，没有将音乐的创作框定在僵硬的教条之中，而是鼓励读者去探索那些模糊地带和过渡形态，这在很大程度上激发了我们对音乐创作实践的兴趣。它让我们明白，曲式分析的最终目的，是为了更好地欣赏和理解人类艺术创造力的无穷无尽，而非仅仅为了通过考试。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附录部分和索引设计，充分体现了其作为一本专业参考书的实用价值。考虑到考研阶段对资料的检索速度要求极高，这本书的索引做得异常详尽，几乎囊括了所有重要的术语、作曲家名字以及作品范例，查阅起来极为便捷，大大节省了临考前的复习时间。此外，附录中收录的那些关于早期曲式（如中世纪的复调形式）的简要概述，虽然不是考试重点，却为我们建立了一个完整的音乐形式演变的时间轴概念，使得对奏鸣曲式和三部曲式的理解不再是孤立的片段，而是建立在一个更宏大的历史背景之上的。这种对细节的关注和对全局的把控，使得这本书的价值远远超出了单一的应试指南，它更像是一部可以伴随我们整个音乐学习生涯的、值得信赖的专业工具书，每一次翻阅都能发现新的知识点和更深层次的理解维度。