中国民族音乐王耀华上海音乐出版社艺术考研正版教材9787807510826 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王耀华 著

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• 民族音乐
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• 王耀华
• 上海音乐出版社
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807510826

商品编码：29684840322

页数：386

图书基本信息
书名：	中国民族音乐
丛书名：	全国普通高等学校音乐学（教师教育）教材
作者/主编：	王耀华
出版社：	上海音乐出版社 人民音乐出版社
ISBN号：	9787807510826
出版年份：	2008年8月

版次：	第1版
总页数：	386页
开本：	1/16
图书定价：	60.00元
实际重量：	800 g
新旧程度：	正版全新

 

《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科教材:中国民族音乐》介绍了，当今的学校教育，除了强调其本体功能之外，十分强调其文化功能。同样，在学校音乐教育中，也十分重视其文化效应。因为音乐和教育都是一种文化现象，都是文化的一个组成部分，它们既构成了文化本体，又具有传递和深化音乐文化的作用，尤其对各民族的音乐文化具有传承、弘扬和创新的作用。当今，我国和世界上许多国家的音乐教育实践都证明，音乐教育在传承民族音乐文化方面具有不可替代的位置，应当用丰富多彩的浸润着民族文化精髓的民族音乐去充实音乐教育，用本民族的母语来歌唱，从而培养理解本民族人民、理解本民族音乐文化的新一代。 

前言 绪论 章 秦陇音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第二章 三晋音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第三章 关东音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第四章 齐鲁燕赵音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第五章 中州音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第六章 江淮音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第七章 吴越音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第八章 荆楚音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第九章 巴蜀音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十章 滇桂黔音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十一章 青藏高原音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十二章 北方草原音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十三章 新疆高原与绿洲音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十四章 岭南音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十五章 闽台音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十六章 客家音乐 节 概述 第二节 曲目赏析 第三节 音乐特征 第十七章 中国民族音乐的艺术特点

当今的学校教育，除了强调其本体功能之外，十分强调其文化功能。同样，在学校音乐教育中，也十分重视其文化效应。因为音乐和教育都是一种文化现象，都是文化的一个组成部分，它们既构成了文化本体，又具有传递和深化音乐文化的作用，尤其对各民族的音乐文化具有传承、弘扬和创新的作用。当今，我国和世界上许多国家的音乐教育实践都证明，音乐教育在传承民族音乐文化方面具有不可替代的位置，应当用丰富多彩的浸润着民族文化精髓的民族音乐去充实音乐教育，用本民族的母语来歌唱，从而培养理解本民族人民、理解本民族音乐文化的新一代。《中国民族音乐》在基本遵照“刚要”精神的基础上作了如下探索：一是由于各民族在相邻、相近的区域和经济、社会环境下生活，音乐文化相互影响，所以，本教材探索以地理环境为依据，将中国各民族的音乐分为十六个音乐文化区来介绍，但同时又注意三大乐系及各民族的音乐特点的分析。二是注重中国境内56个民族音乐介绍的全面性，虽然由于篇幅和课时的限制，有许多民族只能简略介绍，但是每个民族至少也有一首曲目。三是尽量做到教材的可操作性和学习者的可参与性，以期达到易于被广大师生所接受的目的。 

音乐的广阔天地：不同领域的经典与前沿探索 本简介旨在勾勒出超越特定教材范畴的、更为宏大和多元的音乐世界图景，涵盖了从古典音乐的深厚底蕴到当代音乐实践的创新探索，以及音乐学、音乐史、音乐教育等多个维度的重要著作。这些书籍共同构成了一个丰富的知识体系，为音乐学习者、研究者和爱好者提供了多维度的参照。 一、西方古典音乐的里程碑与精细分析 在西方音乐领域，对巴洛克、古典主义、浪漫主义以及近现代音乐的深入研究是不可或缺的。 1. 音乐史的宏观叙事与断代研究： 《西方音乐史导论：从古至今的演变》 提供了对西方音乐发展脉络的全面概述。本书通常会详细梳理中世纪的圣咏、文艺复兴时期的复调音乐、巴洛克时期（如巴赫、亨德尔）的对位法与协奏曲形式的成熟，古典主义时期（海顿、莫扎特、贝多芬）的奏鸣曲式和交响曲的典范建立，以及浪漫主义时期（肖邦、瓦格纳、马勒）的个人情感表达与民族主义色彩的兴起。特别会关注二十世纪以来，在德彪西、斯特拉文斯基、勋伯格等人的推动下，音乐如何走向现代主义、序列主义、偶然音乐等多元探索。 《特定作曲家研究丛书》（例如：《贝多芬晚期弦乐四重奏研究》或《德彪西的印象主义色彩探究》）： 这类书籍专注于某位大师的创作高峰期或某一特定体裁的细致分析。它们会结合作曲家的生平背景、手稿细节和当时的社会文化环境，对具体的作品进行和声分析、曲式结构解剖以及演奏实践的探讨。例如，对贝多芬晚期作品的研究，往往会探讨其超越时代的作品结构和精神深度。 2. 音乐理论与和声学的精深探讨： 《高级和声学与配器法教程》： 这类教材不仅会复习和巩固传统的调性和声规则，更会深入探讨十九世纪末复杂的半音和声、增值和弦的使用，以及向无调性音乐过渡期的理论基础。在配器法方面，它会详细讲解管弦乐队中各类乐器的音域、音色特点、演奏技巧限制与可能性，如何通过巧妙的组合创造出丰富的织体和音响效果，例如如何处理复杂的高难度铜管段落或精致的木管对位。 《音乐的结构与形式分析指南》： 重点在于提供分析工具。它会系统讲解奏鸣曲式（主部呈示部、展开部、再现部的内部逻辑）、回旋曲式、赋格曲的结构，以及变奏曲、组曲等不同体裁的内在组织规律。对于二十世纪音乐，则会引入序列主义、十二音体系的分析方法。 二、音乐学、民族音乐学与文化人类学视角 音乐不仅仅是声音的组织，更是文化、历史和社会结构的重要载体。 1. 民族音乐学的田野与理论： 《全球音乐田野调查方法论》： 本书关注如何进行科学、伦理的民族音乐学研究。它会详细阐述田野工作的准备、录音技术、受访者访谈技巧、文化敏感性培养，以及如何将收集到的口头传统、仪式音乐、口述历史转化为严谨的学术文本。它可能还会对比不同地域（如东亚、中东、非洲）音乐人类学的研究范式差异。 《音乐与社会变迁：身份认同的构建》： 这类研究侧重于音乐在社会动荡或转型期所扮演的角色。它可能探讨城市化进程中传统民间音乐的变异、青年亚文化音乐（如摇滚乐、嘻哈）如何成为特定群体表达政治诉求或构建身份认同的符号系统，以及全球化背景下音乐的文化挪用与融合现象。 2. 音乐史的跨学科解读： 《音乐与启蒙运动/浪漫主义思潮》： 探讨哲学、文学、艺术思潮如何反哺音乐创作。例如，分析康德的美学理论如何影响了古典主义音乐的清晰结构，或者席勒的诗歌如何激励了浪漫主义作曲家对崇高与自由的追求。 《二十世纪音乐与战争、技术革命》： 研究技术（如录音技术、电子合成器）如何颠覆音乐的创作、传播与接受方式，以及两次世界大战对欧洲音乐中心的转移和音乐主题选择的深刻影响。 三、当代音乐实践与前沿技术 现代音乐的探索从未停止，对新兴领域的关注是当代音乐学习的重点。 1. 电子音乐与声音艺术： 《合成器原理与声音设计基础》： 详细介绍模拟合成器、数字合成器的基本模块（振荡器、滤波器、包络发生器等）的工作原理，如何通过调制技术（如LFO、FM、波表合成）创造出前所未有的音色。同时，也会涵盖数字音频工作站（DAW）的使用与录音工程基础。 《音乐中的空间性与装置艺术》： 探讨音乐如何超越传统的立体声声场概念，进入多声道环绕声（如杜比全景声）、沉浸式声景的构建。这包括对音乐装置艺术（Sound Installation）的案例分析，以及声音在建筑空间中如何被重新定义。 2. 现代作曲技法与分析： 《过程音乐与概率美学》： 专门分析布列、“声音景观”等当代作曲技法。它会深入探讨如何使用统计学、拓扑学概念来组织音乐材料，以及如何设计一个“过程”而非固定的“结构”来引导音乐的展开，这对理解极简主义和后现代音乐至关重要。 四、音乐教育与表演艺术训练 对演奏技能的提升和教育理念的更新同样是专业学习的重要组成部分。 《演奏心理学与舞台焦虑管理》： 这类书籍从认知科学和运动控制的角度，探讨如何通过科学的训练方法克服舞台恐惧，优化临场发挥，建立稳固的肌肉记忆和心理韧性。内容包括呼吸控制、意象训练以及表演前后的生理调节。 《音乐表演的诠释学问题》： 讨论在面对经典作品时，演奏家如何在尊重原作（历史演奏实践、作曲家手稿）的基础上，融入自身的理解和时代的审美，实现个性化的艺术再创造，探讨“忠实”与“创新”之间的平衡点。 这些书籍，共同描绘了一个广阔的、充满挑战与机遇的音乐研究和实践的蓝图，其深度和广度足以支撑高等音乐教育的各个专业方向。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度简直超乎我的预期，它不仅仅是在罗列事实和曲目，更是在挖掘民族音乐背后的文化根源和社会意义。我特别喜欢其中关于不同地域音乐差异性的对比分析部分，作者没有采取简单罗列的办法，而是深入探讨了地理环境、历史变迁以及族群迁徙对音乐形态产生的影响，这种跨学科的视野非常开阔。我记得有一章专门讲了某个少数民族的祭祀音乐，不仅仅描述了音高、节奏、调式，还细致描绘了仪式流程和乐器使用场景，仿佛能透过文字感受到那种神圣而古朴的气氛。这对于我们理解音乐的“活态传承”至关重要，它提醒我们，音乐不是孤立存在的符号，而是与生活、信仰紧密交织的文化载体。读完这部分内容，我对“民族性”这个概念有了更深层次的理解和敬畏。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来看，这本书的辅助材料配置也做得相当到位，虽然我手上的实体书没有附带音频，但书中的大量乐曲分析和曲式结构图解，已经足够清晰地勾勒出音乐的骨架。尤其是那些针对复杂复调结构的图示分析，简直是化繁为简的典范。很多概念，光靠文字描述是很难理解的，但作者通过精心设计的图表和对比表格，将复杂的理论直观地呈现在读者面前，大大降低了理解门槛。对于我们这些需要掌握大量音乐实例的考研者来说，这种可视化学习的帮助是巨大的，它让抽象的理论变得触手可及。总而言之，这是一套真正为学习者着想的教材，从内容深度到阅读体验，都体现了出版社和作者的匠心独运。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真不错，封面那种淡雅的色调，配上典雅的字体，拿在手里就感觉很有分量。内页的纸张质量也挺考究的，印刷清晰，排版疏密有致，阅读体验非常舒适。我尤其欣赏它在章节划分上的逻辑性，从宏观的理论基础到具体的民族乐器分析，层层递进，循序渐进，让人感觉知识的脉络非常清晰。对于初次接触民族音乐学或者准备考研的学子来说，这种清晰的结构无疑是巨大的帮助。它不像有些教材那样堆砌晦涩的术语，而是努力用更贴近读者的语言去阐述复杂的概念，虽然学术性毋庸置疑，但阅读起来却不至于让人望而却步。翻阅时，总能发现一些细微之处的设计，比如关键知识点的加粗或引用标注，这些都体现了编者对教学和学习过程的深入理解，绝对是精心打磨过的作品，让人爱不释手，恨不得立刻沉浸其中去探索那些美妙的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

作为一名正在为专业课冲刺的学生，我最看重的是教材的权威性和覆盖面的全面性。这本书在这两方面都做得非常扎实。它似乎涵盖了历年来艺术考研中所有高频出现的知识点，并且对这些知识点进行了深度挖掘和系统梳理，很多偏冷门的知识点也得到了恰当的介绍。更重要的是，它的理论框架非常稳固，引用的文献和案例都具备很高的学术价值，这对于我们写论述题或者进行研究性学习是极其宝贵的资源。我发现自己过去零散的知识体系，在阅读这本书之后，终于被串联成了一个严谨的知识网络。每一章的结尾，总有一些总结性的提炼，帮助读者快速回顾和巩固所学内容，这种结构设计充分考虑到了应试的需求，实战性非常强，让人信心倍增。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它既有学术著作的严谨与精准，又不失学者对本专业发自内心的热爱与激情。阅读过程中，我几次被作者对某些音乐现象的描述所打动，那种描述力不是干巴巴的学术腔，而是充满了画面感和情感张力。例如，当描述到某个传统乐器的演奏技巧时，文字仿佛自带了声响，让人忍不住去想象琴弦拨动时的颤音和共鸣。这种将“冰冷”的理论与“鲜活”的艺术体验巧妙结合的能力，是很多教材所欠缺的。它让我感觉自己不是在啃一本教科书，而是在聆听一位资深音乐家娓娓道来的学术心得，这种亲切感和感染力，极大地提高了我的学习积极性，使得枯燥的背诵过程也变得有趣起来。