张世祥小提琴教学问答张世祥上海音乐出版社正版教材课本奏法9787807512950 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张世祥，吕秀兰 著

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• 张世祥
• 上海音乐出版社
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• 9787807512950
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807512950

商品编码：29684843988

页数：290

图书基本信息
书名：	张世祥小提琴教学问答
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807512950
出版年份：	2009年3月1日

版次：	第1版
总页数：	290页
开本：	1/32
图书定价：	36元
实际重量：	422g
新旧程度：	正版全新

张世祥先生是目前世界上的小提琴教师之……·我们等待着，在今后的岁月里，他将为世界培养出一大批训练有素的年轻小提琴家来。——世界小提琴大师耶胡迪·梅纽因张世祥教授的教学工作给我留下了很深的印象。他是一位非常有智慧的人，有着广泛的教学知识……我认为他将是任何学校的特优教师。——美国朱莉亚音乐学院小提琴教授 多萝赛·迪蕾 作者简介张世祥教授 小提琴教育家。先后在上海音乐学院、澳大利亚国家大学、悉尼音乐学院、澳大利亚音乐学院、悉尼大学音乐系、威尔士大学音乐系任教。曾获、市级和学院多种奖项；学生王晓东、张乐、郑青、李智胜、顾晨、徐杨、文薇、成昂、陈瑞、王佳婧、Susie-ParK、Sarita KwoK、Naoko Miyamot0、HiroaKi等多次在比赛中获奖。翻译出版美国阿珀尔鲍姆所著《弦乐演奏的艺术》、加拉米安所著《小提琴演奏和教学的原则》、拉菲尔-布朗斯坦所著《小提琴演奏的科学》，匈牙利卡托哈瓦斯所著《小提琴演奏的新途径》及《梅纽因谈话录》《不朽的小提琴家》《不朽的大提琴家》《怎样练习小提琴》等专著；近年来他积五十五年教学实践并结合电子多媒体所编撰的《张世祥小提琴启蒙教程》《新编初学小提琴100天》《初级小提琴练习曲精选》《张世祥小提琴教学曲集》己形成教学新体系广受欢迎。张世祥教授除多次担任由中国文化部主办的全国小提琴比赛的评委外，还多次应邀任德国莱比锡巴赫小提琴比赛、波兰卢布林小提琴比赛、德国勋塔尔小提琴比赛、英国梅纽因小提琴比赛、俄国新西伯利亚小提琴比赛和波兰克拉克夫小提琴比赛的评委。被小提琴大师梅纽因称赞为“当代世界上的小提琴教师之一”。

目录一、引子·走近大师（成功之路·小提琴传教士·电子教师）二、家长篇（考级·家长·好习惯·基础与歌唱）三、教师篇（比赛与获奖·方法与才能·教学计划·查字典和开汽车·凶还是美·音乐不用嘴教）四、教学篇（持琴·定音·握弓·不要猴子手指·舵式动作·紧与松·弧形轨道·换把·五个不停·100天·音准·克莱采尔·生理与心理·头脑）五、尾声·人琴之魅（大师趣闻·奥尔·加拉米安·帕尔曼·霍格森运弓学·梅纽因）附录：我所认识的张世祥教授——一位家长的真心感言 龙素芳向龙素芳老师致谢（代后记）结语

《张世祥小提琴教学问答》采用科学的教学方法，以问答的形式，分为家长篇和教学篇，回答了有关小提琴演奏技巧方面的知识。既能作示范启蒙又能作伴奏使用，是初学小提琴爱好者的良师益友。张世祥教授，小提琴比赛评委、音乐教育家。他执教四十多年，积累了丰富的小提琴教学经验，所教的学生在重大的比赛中屡屡获奖。

音乐的殿堂：古典音乐鉴赏与演奏技巧精要 一本深入探索西方古典音乐魅力与实践技巧的权威指南 本书并非聚焦于某位特定演奏家的教学理念或某一特定教材的解析，而是致力于为广大学习者、演奏者以及热爱古典音乐的听众，构建一座连接理论与实践、历史与审美的知识桥梁。全书内容涵盖了古典音乐从巴洛克时期到当代音乐的演变历程，深入剖析了不同风格作品的内在结构与情感表达，并提供了系统性的演奏技术指导。 第一部分：西方古典音乐史与风格演变 本部分追溯了西方古典音乐的宏伟脉络，旨在让读者建立起对音乐发展全局的认识，而非局限于特定流派或教学体系。 第一章：巴洛克的回响——结构与装饰的艺术 早期音乐的奠基： 探讨中世纪晚期至文艺复兴音乐的特点，重点分析复调音乐（Polyphony）的形成与发展。 巴洛克的核心精神： 深入解析巴赫、亨德尔等大师的作品中对“对位法”（Counterpoint）的极致运用。讨论固定低音（Basso Continuo）的作用及其在协奏曲和奏鸣曲中的地位。 技巧的萌芽： 介绍巴洛克时期乐器演奏法的基础，例如弦乐器弓法的前身、键盘乐器的指法特点，以及装饰音的规范使用，理解“装饰”并非随性发挥，而是具备严格规则的音乐语言。 第二章：古典主义的清晰与平衡 形式的完善： 重点分析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构——呈示部、发展部与再现部的内在逻辑。阐述海顿、莫扎特等作曲家如何将复杂的思想凝练于清晰、对称的结构之中。 旋律的魅力： 探讨古典主义时期旋律线条的歌唱性与平衡感，以及和声语言的简洁与明确。 管弦乐的革命： 介绍交响乐团编制的初步确立，以及不同声部之间如何相互作用，构建宏大的音响画面。 第三章：浪漫主义的激情与个性解放 情感的爆发： 深入剖析贝多芬晚期作品中蕴含的个人英雄主义与深刻哲思，以及舒伯特、肖邦等如何通过艺术歌曲（Lied）和小型钢琴曲，将内心世界投射于音乐之中。 和声的扩展： 讨论色彩和声（Chromaticism）的增加如何丰富了音乐的表现力，以及李斯特、瓦格纳等人在和声语言上的大胆探索。 标题音乐的兴起： 分析叙事曲、交响诗等作品如何打破纯音乐的界限，讲述故事或描绘景象。 第四章：印象派与二十世纪的多元探索 色彩的微妙： 德彪西和拉威尔的作品如何利用全音阶、五声音阶，以及复杂的和弦排列，创造出朦胧、光影变幻的听觉效果。 新古典主义与十二音体系： 探讨斯特拉文斯基对古典形式的回溯，以及勋伯格为应对传统调性危机而创立的十二音序列技法，分析其在结构上的严谨性。 当代音乐的疆界： 简要介绍极简主义、偶然音乐等流派对传统音乐概念的挑战与拓展。 --- 第二部分：演奏技巧的深度剖析与科学练习法 本部分旨在提供一套普适性的、基于物理学和人体工学的演奏技巧指导，适用于所有器乐学习者，重点在于理解“如何有效练习”而非“练习哪一首曲子”。 第五章：身体与乐器——演奏的生物力学基础 姿势的科学性： 详细分析不同乐器（以弦乐、键盘、管乐为例）最佳的演奏姿态，强调放松、重心分配与肌肉群的协调，避免不必要的紧张导致疲劳和损伤。 呼吸与气息的控制（针对所有乐器）： 即使是钢琴演奏者，对气息的理解也至关重要。探讨呼吸如何影响演奏的节奏感、乐句的连贯性以及音色的稳定性。 手指触感的深度研究： 探讨手指与琴弦、琴键、吹嘴接触的力度、角度与持续时间，分析如何通过微调触感来控制音头的清晰度与音尾的衰减。 第六章：音色塑造的艺术——从物理到美学 弓法与力度控制（弦乐重点）： 系统分解不同弓段（靠近琴码、指板）对音色的影响，讲解速度（Speed）、压力（Pressure）和接触点（Contact Point）三要素的黄金比例。 指法与音群的连接（键盘乐重点）： 探讨跨指、重叠指法在不同技术（如琶音、音阶）中的应用，强调如何在保持均匀性的同时，突出旋律声部。 发音的清晰度与连贯性： 区分“断奏”（Staccato）、“连奏”（Legato）和“半连奏”（Portato）在实际演奏中的细微差别，及其在不同历史时期演奏习惯的差异。 第七章：高效练习的策略与心理调适 碎片化练习与系统整合： 提出“分解练习”的科学方法——将难点分解至最小单位（如两到三个音符），确保无误后再逐步扩展。强调慢速、专注的重复训练的重要性。 听觉导向的练习： 强调“听”在练习中的主导地位。要求演奏者在练习技术动作时，必须同时积极聆听发出的声音，确保技术动作服务于声音目标，而非单纯的机械运动。 乐谱分析先行： 强调在动手演奏前，必须完成对作品的结构分析、和声进行预判、指法规划和力度标记的理解。没有分析的练习是盲目的重复。 舞台心理建设： 提供应对演奏焦虑的实用技巧，包括情境模拟练习、焦点转移训练，以及如何将对“完美”的追求转化为对“准确表达”的专注。 --- 第三部分：风格化的深度理解与演绎 本部分超越了基础技巧，引导读者思考如何在掌握技术后，赋予作品独特的艺术生命力。 第八章：演奏的“语境”——风格化的核心 速度与节奏的弹性： 探讨“节拍器下的准确性”与“音乐性的流动性”之间的辩证关系。分析不同时期对“速度术语”（如Allegro, Adagio）的不同理解。 装饰音的“身份”： 详细对比巴洛克时期（如颤音通常从上方音开始）与古典时期装饰音的演奏规范，强调风格的真实性。 力度层次的构建： 如何在不依赖踏板或弓压改变的情况下，仅通过触键或运弓创造出丰富细腻的力度对比（piano到forte之间的“灰度”）。 第九章：室内乐与协奏曲的对话艺术 聆听与适应： 室内乐的核心在于“倾听”。分析如何在合奏中实现声音的平衡、呼吸的同步，以及如何根据其他声部动态即时调整自身的演奏。 独奏与伴奏的张力： 在协奏曲中，如何既展现独奏者的光彩，又不压制管弦乐队的背景叙事，实现有效的音乐对话。 结语：持续的探索 本书倡导的理念是，音乐学习是一个永无止境的探索过程。技术是手段，理解是目的，而表达是最终的归宿。我们鼓励读者在掌握既有知识体系的同时，保持批判性思维，不断通过聆听和实践，形成自己对音乐的独特见解。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期学习者的角度来看，这本书最难能可贵的一点是它对“传统与创新”的平衡把握。它没有完全沉溺于某一种特定的教学流派，而是融合了多年来的教育实践精华，形成了一套既尊重传统功底，又鼓励个人风格发展的体系。书中的一些理论阐述，比如关于运弓时“呼吸感”的培养，对于提升演奏的生命力至关重要。这种超越单纯机械动作层面的指导，正是区分普通教材和大师之作的关键所在。读完之后，我感觉自己对小提琴演奏的理解上升到了一个新的维度，不再满足于拉响一个音符，而是开始追求音符背后的“意境”。这本书就像是一把钥匙，为我开启了一扇通往更高艺术境界的大门，那种被清晰的思路所引领的感觉，是任何临时的灵感爆发都无法替代的持久力量。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性强到让人惊叹，它完全打破了传统教材那种高高在上、不接地气的风格。它更像是你日常练习时，随时可以伸手拿取的“小抄本”——不是指作弊，而是指那些最关键、最核心的知识点被提炼了出来。我经常在练习遇到僵局时，会翻到专门针对“换把时声音的平滑过渡”的那一页。作者对这个细节的处理，简直是教科书级别的示范，他提出的练习方法非常具有针对性，避免了盲目重复带来的疲劳。而且，书中的例子选取也非常贴合我们实际学习的需要，很多都是我们在日常练习曲目中一定会碰到的难点。这种“直面问题、精准打击”的编写思路，极大地提高了我的学习效率。它不玩虚的，就是实实在在告诉你，怎么做才能拉得更好，这种真诚的态度，太让人信服了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计真是让人眼前一亮，那种经典的黑白搭配，透露着一种沉稳和专业的气质。光是拿到手里，就能感受到它份量十足，不是那种轻飘飘的应付之作。内页的纸张质感也相当出色，即便是长时间翻阅，眼睛也不会感到特别疲劳。对于一个严肃的学习者来说，这种对细节的把控是非常重要的。我尤其欣赏它在章节划分上的逻辑性，从基础的持弓姿势到复杂的换把技巧，循序渐进，过渡得非常自然。每一部分都有清晰的标记和图示，即便是初学者也能迅速找到重点。而且，书中的排版非常清晰，谱例的清晰度达到了专业水准，这对于需要准确辨识音符和指法的演奏者来说，简直是福音。封面设计虽然简约，但却蕴含着一种对传统音乐教育的敬意，让人心生敬畏，同时也充满了对学习的热情。总的来说，从物理形态到内部布局，这本书都展现出出版方极高的专业水准，是值得珍藏和长期使用的教材。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内涵深度和广度，绝非一般市面上那些肤浅的“速成秘籍”可比拟。它更像是一位经验老到的导师，在你身旁，用最精炼的语言，直击演奏中最核心也最容易被忽略的那些“痛点”。我特别喜欢它对于“音乐性”的处理方式，它不只是教你如何拉准音符，而是引导你去思考音符背后的情感和结构。比如，对于连弓和分弓的处理，书中提供了非常多细致入微的分析，涉及到弓杆的重量分配、触弦点的细微调整，这些都是需要多年经验才能总结出的心得。读起来让人感觉，作者完全是站在演奏者的角度，将自己多年舞台上的实战经验毫无保留地倾囊相授。这种实在的、可操作性的指导，远比那些空泛的理论说教要来得有价值。每次遇到技术瓶颈时，翻开这本书，总能在不经意间找到豁然开朗的感觉，那种醍醐灌顶的体验，是金钱难以衡量的。

评分☆☆☆☆☆

我过去也尝试过好几本不同流派的教材，但总觉得在某些特定技术点上，总有那么一层说不透的雾霾笼罩着。直到接触了这本，才真正体会到“术业有专攻”的含义。这本书在处理某些高难度技巧时所展现出的独到见解，令人拍案叫绝。例如，对于揉弦的幅度控制和速度变化，书中不仅给出了不同风格的参考，还详细解释了如何根据不同作曲家的作品要求来灵活切换，这显示了作者对音乐史和演奏风格的深刻理解。我发现，很多我一直模糊不清的概念，通过书中的图解和文字描述，变得异常清晰和具体。这不仅仅是一本技术手册，更像是一部关于“如何成为一个更聪明、更有辨识度的演奏者”的哲学导论。那些看似简单的问答形式，实则蕴含了巨大的信息密度，需要反复咀嚼才能体会其精髓。