钢琴音阶和弦与琶音 大音符版邵鲁广西师范大学出版社9787549515622 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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邵鲁 编

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• 广西师范大学出版社
• 邵鲁
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出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549515622

商品编码：29684846101

页数：123

图书基本信息
书名：	钢琴音阶和弦与琶音 （大音符版）
作者/主编：	邵鲁
出版社：	广西师范大学出版社
ISBN号：	9787549515622
出版年份：	2012年

版次：	第1版
总页数：	123页
开本：	1/16
图书定价：	27.00元
实际重量：	422g
新旧程度：	正版全新

上海音乐学院教授赵晓生作序；大音符、大开本版舒适的视觉体验；适合中国人的指法，由上海音乐学院教师据版本编注。

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《钢琴音阶、和弦与琶音》结合以往版本的特点，做了以下改进：1.全书按照24个大小调，每个调的音阶、和弦与琶音单独归类；2.具有更规范的记谱方式，增加拍号和小节线，以明确音阶演奏时的节奏；3.在音符上完全按照钢琴考级要求重新编写，反向音阶记谱更完整准确；4.删除对于初学者而言不必要的过分困难的部分；5.更合理和有选择性的指法编订，适合不同手指条件的练习者。 

精选古典钢琴名曲鉴赏与演奏指南 一部深入剖析西方音乐史经典作品的权威著作 导言：跨越时空的音乐对话 本书并非仅仅是技巧的堆砌，而是引导读者踏上一段穿越数百年的音乐史之旅。我们聚焦于那些在西方古典音乐殿堂中熠熠生辉的标志性作品，从巴洛克时代的严谨对位到浪漫主义的汹涌情感，再到印象派的色彩斑斓，力求为严肃的钢琴学习者、音乐爱好者以及专业演奏家提供一个多维度的深度解析平台。本书旨在揭示名家名作背后的创作意图、历史背景及其对后世音乐思潮的深远影响，帮助读者实现从“技术模仿”到“艺术理解”的升华。 第一部：巴洛克盛期的结构之美——秩序与神圣的交织 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐结构性思维的黄金时代。本部分将重点剖析这一时期键盘音乐的基石，如塔布拉琴与羽管键琴作品的演奏特点。 一、 早期键盘作品的指法与触键哲学： 我们将详细考察英国维吉纳学派（Virginalists）的作品，如伯德（Byrd）和吉布斯（Gibbons）的技巧要求。重点讨论如何处理早期的非指法化（unfingered）乐谱，理解其音色对比和装饰音的运用，这对于培养清晰的颗粒感至关重要。 二、 赋格的逻辑与演绎： 巴赫是这一领域的无可争议的巨匠。本书将不满足于仅仅教授《平均律键盘曲集》的指法，而是深入剖析赋格曲的“主题”（Subject）、“应答”（Answer）与“连接句”（Episode）的内在逻辑。我们将讨论如何通过力度和音色的细微变化，清晰地凸显出不同声部的独立线条，实现“多声部的对话感”，而非简单的和弦堆叠。对于《哥德堡变奏曲》的结构分析，本书将特别关注其对位法的精妙布局，以及如何通过节奏的微调来区分不同变奏之间的性格差异。 三、 意大利与法国的键盘流派差异： 对比斯卡拉蒂（Scarlatti）的单乐章奏鸣曲中蕴含的西班牙民间节奏和色彩，以及法国库普兰（Couperin）作品中对羽管键琴音色特性的模拟（如“共鸣音”或“颤音”），这些差异直接影响了现代钢琴演奏中对触键深度的理解。 第二部：古典主义的清晰与平衡——形式的完美追求 古典主义（约1730-1820年）强调清晰的结构、均衡的乐句划分和情感的适度表达。海顿、莫扎特和贝多芬是这一阶段的核心。 一、 奏鸣曲式的结构透视： 本书将以海顿的早期奏鸣曲为例，解析呈示部（Exposition）、发展部（Development）与再现部（Recapitulation）的内在驱动力。讨论如何通过对主导调性、副属调性的准确把握，使主题的呈现富有逻辑性和预见性。对于莫扎特的作品，我们将侧重其旋律线条的歌唱性（Cantabile），探讨如何在钢琴上模拟木管乐器和弦乐的音色，保持乐句的呼吸感。 二、 贝多芬的结构革命与情感张力： 面对贝多芬作品，本书采取“结构服从情感”的解读方式。例如，在C小调奏鸣曲（如Op.13《悲怆》）中，我们不仅要处理强烈的力度对比，更要理解慢速引子在整个作品结构中所起到的奠基作用。关于后期奏鸣曲（如Op.109, Op.111），本书将详细分析其变奏结构和弥散的调性处理，探讨如何以现代钢琴的延音系统来支撑和构建这些宏大而复杂的织体。 第三部：浪漫主义的激情与自由——个人情感的无限释放 浪漫主义（约1810-1900年）将演奏者的主观感受推向了前台，钢琴成为表达内心冲突与理想的理想媒介。 一、 肖邦的“钢琴诗学”： 本书将肖邦的夜曲、叙事曲和练习曲视为钢琴技艺与诗意表达的完美结合体。重点研究他的“鲁巴托”（Rubato）的本质——它不是随意的速度变化，而是基于乐句内部的微妙平衡。我们将深入剖析其独特的和声语言，如不协和音的解决方式，以及如何通过细腻的踏板运用，实现和声色彩的“模糊美”。对于练习曲，我们关注其背后隐藏的特定技术难点，以及如何将其转化为具有艺术感染力的片段。 二、 舒曼与李斯特的幻想性叙事： 舒曼的套曲（如《儿时情景》）要求演奏者具备出色的角色扮演能力，区分内在的声音（如“弗洛雷斯坦”与“尤塞比乌斯”）。李斯特的改编曲和原创作品则对钢琴的“交响化”提出了极限要求。本书将探讨李斯特如何通过庞大的织体和极端的力度范围，使钢琴发出类似管弦乐队的轰鸣，并讲解处理他那令人望而生畏的八度与琶音群时的“省力”技巧。 第四部：后浪漫主义与印象派的音色探索 进入19世纪末20世纪初，音乐的焦点开始从传统调性转向音色和氛围的营造。 一、 德彪西与拉威尔的“色彩触键”： 印象派音乐要求演奏者彻底改变对“重量”的传统理解。德彪西（Debussy）的《前奏曲》要求钢琴家如同在描绘水波、光影或风声。本书将详细讲解如何利用钢琴的“中音区”和“弱奏”来营造“模糊的焦点”，并指导读者如何精确控制踏板的半放和全放，以达到和声在空气中自然消散的效果。 二、 晚期浪漫主义的宏大遗风： 对拉赫玛尼诺夫（Rachmaninoff）和斯克里亚宾（Scriabin）的分析，着重于他们对键盘音域的极大拓展。我们需要理解拉氏作品中那种深沉的“俄式忧郁”如何通过密集的和弦与连续的低音旋律线来体现，以及斯氏晚期作品中基于特定音色（如“神秘和弦”）的结构构建方式。 结语：持续的对话 本书旨在提供一把钥匙，帮助学习者开启通往古典钢琴艺术深层理解的大门。演奏技巧的完善是基础，但真正的艺术在于对这些不朽作品背后思想脉络的洞察与重现。通过本书的学习，期望读者能够带着更丰富、更深刻的视角，去面对和诠释每一首经典作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用价值还体现在它对于“跨越式学习”的兼容性上。我不是科班出身，但现在想挑战一些更复杂的曲目，却发现基础知识总是在关键时刻掉链子。这本书的编排体系似乎预设了学习者可能存在的知识断层，并温柔地将这些断层“填补”起来。例如，当你刚掌握了几个基本的三和弦后，它会很自然地引入七和弦的构造和转位，而不是等你学完所有基础调性后才突然抛出复杂概念。这种“即学即用”的布局设计，极大地提高了学习效率。我发现自己可以在练习一个新曲子时，随时翻到这本书的对应章节，迅速找到所需的指法或和弦形态的巩固练习，而不用翻阅厚厚的大部头教材。这使得它更像是一本“工作手册”而不是“理论教科书”，非常方便在钢琴边随时查阅和使用。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的深得我心，封面那种沉稳又不失艺术感的配色，让人一看就知道是精心制作的教材。拿到手里就能感觉到纸张的质感，不是那种廉价的、反光的纸张，而是偏向哑光的，长时间看下来眼睛也不会太累。而且，大音符版的特点在印刷上体现得淋漓尽致，那些原本在标准五线谱上需要眯着眼睛才能辨认的音符，现在清晰得就像印在了白纸上一样，对于我们这些视力不算顶尖的“老乐手”来说，简直是福音。我记得我以前买过一些其他出版社的教材，排版上总是有点过于拥挤，有时候同一个跨页上的内容都挤在一起，找起来费劲。但这本书的排版布局非常合理，每一页都有足够的留白，这使得在练习或者教学的时候，注意力能更集中在乐谱本身，而不是去跟拥挤的文字和符号作斗争。翻阅起来，页面的韧性也很好，不用担心频繁翻动会导致书脊断裂。这绝对是一本从实用性和美观性上都达到了很高水准的教材。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余钢琴爱好者，我一直在寻找一套能系统梳理基础乐理，特别是关于音阶、和弦与琶音练习的实用工具书。市面上同类的书籍多如牛毛，但很多要么过于学院派，理论阐述复杂冗长，要么就是纯粹的“练习曲堆砌”，缺乏清晰的逻辑递进。这本书最让我欣赏的一点是它的结构安排，它不是简单地按照C大调、G大调这种顺序罗列，而是似乎有一套更符合人体工程学和记忆规律的教学思路。比如，它会把调性分组，先处理一些常用的、结构相似的和弦组，再逐步过渡到更复杂的转位和变化。这种循序渐进的方式，让枯燥的重复性练习变得有迹可循，我能明显感觉到自己对和弦进行的理解和手感的融合速度加快了。而且，书里对指法提示的部分也处理得非常到位，不像有些书只是简单标注数字，这里会根据和弦的跨度和音阶的走向，给出一些更具演奏性的建议，这对于提升演奏流畅度至关重要。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对音乐教材的评价，很大程度上取决于它在实际演奏过程中能提供的“帮助值”。很多号称“全面”的教材，内容是很多，但真正能“用得上”的技巧点却很少。这本书在细节处理上体现出了作者对演奏实践的深刻理解。比如，在练习琶音时，它不仅给出了基本的分解和弦，还针对一些快速连贯的琶音段落，特别标注了呼吸点和重音的暗示，这对于音乐表现力至关重要。另外，我特别喜欢它对不同调式和大小调之间关系的探讨，虽然是用乐谱形式展现的，但那种内在的逻辑联系是清晰可见的。这种编排方式，使得练习不再是机械地“弹完一个音符接着下一个”，而是真正开始“思考”音符之间的关系和音乐的色彩变化。这对于我这种希望从“会弹”过渡到“会弹得好听”的学习者来说，提供了非常坚实的理论与实践桥梁。

评分☆☆☆☆☆

从辅助材料的角度来看，这本书的价值也是显而易见的。它不仅仅是音符和指法的集合，更像是一本深入理解键盘乐器和声基础的“地图”。我注意到，在某些特殊音阶（比如和声小调或旋律小调）的处理上，作者没有采用那种僵硬的、只提供指法的说明，而是巧妙地结合了对比性的练习，让学习者在对比中体会到不同调式给听觉带来的微妙变化。这种“对比教学法”非常高效，因为它训练的不仅仅是手指的肌肉记忆，更是耳朵对音响色彩的敏感度。另外，对于和弦的连接部分，它提供的练习路径设计得非常流畅，有效避免了初学者在和弦转换时那种生硬的“卡顿感”。总而言之，这本书成功地将严谨的音乐理论与愉快的实践操作完美地结合在了一起，是每一位致力于提升键盘演奏技艺的人案头必备的良伴。