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店铺： 暗香盈袖图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103002568

商品编码：29806112552

丛书名： 卡尔卡西古典吉他教程

开本：8开

出版时间：2001-04-01

《巴赫无伴奏大提琴组曲解析与演奏指南》 卷一：巴赫的音乐世界与无伴奏组曲的时代背景 本书深入剖析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）这位音乐巨匠的生平、创作理念及其在巴洛克晚期音乐中的核心地位。我们将首先回顾巴赫所处的时代——18世纪初的欧洲，音乐风格正经历从晚期巴洛克向早期古典主义过渡的关键时期。重点探讨当时宫廷、教堂以及新兴市民阶层对音乐的需求如何塑造了巴赫的创作方向，尤其是他如何将精湛的对位法与深沉的人文精神完美结合。 第一章：巴赫的生平轨迹与音乐遗产 本章详细梳理了巴赫从图林根的音乐世家到莱比锡圣多马教堂乐正的整个职业生涯。我们不仅关注他作为管风琴家和合唱指挥的世俗成就，更侧重于他在室内乐、键盘乐以及声乐作品中展现的数学般精确的结构美学。特别指出他对前人音乐（如维瓦尔第、布克斯特胡德）的吸收与转化，奠定了其独一无二的作曲风格。 第二章：无伴奏独奏乐器的黄金时代 在巴赫创作《无伴奏大提琴组曲》（Six Suites for Unaccompanied Cello, BWV 1007-1012）的时期，独奏乐器面临着一个重要的哲学问题：如何仅依靠一把乐器，在没有和声支持的情况下，构建出完整的、具有复调意义的音乐结构？本章将研究当时大提琴的形制演变、演奏技法（如双音、和弦的暗示）的发展，以及巴洛克时期对“独奏”概念的理解。我们将对比同时期为小提琴或长笛创作的独奏作品，来突出大提琴组曲在技法和表达深度上的突破性。 卷二：六首组曲的结构分析与音乐解构 《无伴奏大提琴组曲》共包含六首，每首均遵循古典组曲的基本结构：前奏曲（Prelude）、阿勒曼德舞曲（Allemande）、快板舞曲（Courante）、萨拉班德舞曲（Sarabande）以及结尾的吉格舞曲（Gigue），其中部分组曲还加入了加沃特（Gavotte）、布雷舞曲（Bourrée）等附加舞曲。本书将对这六部杰作进行逐一、深入的结构和和声分析。 第三章：第一号G大调组曲（BWV 1007）：纯净的开端 我们将重点分析第一组曲，其以流畅性、清晰的线条和相对直接的情感表达著称。 前奏曲的琶音织体： 探讨如何通过连贯的琶音，在单音旋律线上暗示出清晰的和声进行。分析其节奏的内在驱动力。 舞曲的情感刻度： 对比阿勒曼德的沉思、萨拉班德的庄重（强调第二拍的重音）以及吉格的活泼。特别关注其旋律线的平衡性。 第四章：第二号D小调组曲（BWV 1008）：黑暗与挣扎 本组曲的情感基调更为深沉、内省，常被认为是六首中最具“悲剧色彩”的作品。 前奏曲的戏剧性： 分析其不规则的乐句划分和突然的力度变化如何营造出内心的冲突感。 萨拉班德的复杂性： 深入研究该萨拉班德中频繁出现的双音和声，以及如何在演奏中平衡这些和声元素的清晰度与旋律的连贯性。 第五章：第三号C大调组曲（BWV 1009）：技艺的升华 C大调组曲通常被认为是技术上更具挑战性，同时音乐表达也更为开阔和光辉的作品。 前奏曲的宏伟结构： 剖析其宏大的和声框架和快速音型的处理，探讨其在不同把位上的指法选择。 附加舞曲的运用： 详细分析加沃特一和加沃特二（Double）之间的对比和联系，以及它们如何丰富了组曲的节奏景观。 第六章：第四、五、六组曲的深入探讨：从炫技到冥想 第四号E大调组曲（BWV 1010）： 聚焦于其宽广的音域和需要精湛换把技术的段落，特别是其充满活力的吉格。 第五号C小调组曲（BWV 1011）： 本组曲的特殊性在于其记谱调性（C小调）与实际演奏调性（降E大调）的差异，这要求演奏者利用高把位或转换指法以获得更饱满的音色。详细研究其“幻想曲式”的前奏曲以及极为深刻的萨拉班德。 第六号D大调组曲（BWV 1012）： 探讨巴赫如何将这组曲为“五弦大提琴”的可能性（尽管现存版本多为标准四弦琴演奏）。分析其在高把位的炫技段落，以及如何通过复杂的十六分音符装饰音来模拟复调效果。 卷三：演奏实践与现代诠释 本书的最终目标是为严肃的大提琴学习者和演奏家提供一套系统性的演奏方法论，确保对巴赫原意的尊重与现代演奏技艺的结合。 第七章：乐器的选择与琴弦的考量 讨论巴洛克时期大提琴与现代大提琴在形制、音色上的差异。探讨使用肠弦（Gut Strings）与钢弦（Steel Strings）对音色、动态控制和发音方式的影响。提供选择适合演奏巴赫作品的弓的建议。 第八章：巴赫演奏的风格学基础 时值与节奏的弹性： 如何处理巴洛克音乐中不存在的力度记号和速度标记，以及对“韵律感”（Rhythm）与“律动感”（Pulse）的理解。 揉弦的适度性： 探讨在巴赫作品中，揉弦（Vibrato）是作为一种装饰还是结构性元素，并提供不同学派的观点。 连奏与分奏（Articulation）： 强调巴赫对连奏（Legato）和断奏（Staccato）清晰区分的重要性，以及如何通过弓法变化来体现旋律线条的呼吸感。 第九章：指法、把位与和弦的实现 提供针对六组曲中所有困难段落的专业指法建议，侧重于如何在保持旋律流畅性的前提下，清晰地演奏出暗示性的双音和弦。讨论“自然把位”与“扩展把位”的使用策略，以优化音色的统一性。 第十章：版本选择与历史文献的对照 鉴于巴赫的这些作品流传下来的是手稿副本而非原稿，本章将引导读者如何批判性地参考不同的历史版本（如W.F. Bach, Kellner, Piaggio版本），理解不同抄写者对连音线和表情记号的细微处理差异，从而形成自己的、有充分依据的演奏版本。 本书旨在提供一份深度、广度兼具的指南，使演奏者不仅能“弹奏”巴赫，更能“理解”巴赫在单线音乐中构建的宏伟宇宙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太有品味了，拿到手里就感觉物超所值。封面那种略带复古的米黄色调配上典雅的字体，简直是艺术品。我本来是抱着试试看的心态买的，毕竟市面上很多教程封面设计得都很平庸，但这一本完全不一样，光是摆在书架上，都能提升整个房间的格调。内页的纸张质量也是一流，触感细腻，油墨印刷清晰锐利，即便是长时间对着谱子练习，眼睛也不会觉得很累。更让我惊喜的是，它在一些古典乐理的讲解部分，用了很多精美的插图和图表来辅助说明，比如关于音阶的构成、和弦的指法示意图，都绘制得极其细致和专业，完全不是那种敷衍了事的教学资料能比拟的。比如在讲解泛音技巧的时候，它不仅仅是给了一个枯燥的指法说明，还配上了不同时期大师演奏这部分曲目的历史背景介绍，这让学习过程不仅仅是技巧的堆砌，更像是一场音乐文化的熏陶。我个人非常注重这种细节体验，一本好的教程，首先要在“硬件”上让人感到愉悦，这本书在这方面做得无可挑剔，让人每天都忍不住想翻开它，沉浸在古典吉他的世界里。这种用心程度，在如今这个追求效率的时代里，显得尤为珍贵，绝对是收藏级的佳作。

评分☆☆☆☆☆

这本书在乐理知识的讲解上，完全没有采用那种填鸭式的说教方式，而是真正做到了“知其然，更知其所以然”。我过去学乐理总是觉得枯燥乏味，那些和弦的七和弦、九和弦的构成，看上去就是一堆音符的堆砌。但这本书将乐理知识穿插在了具体的技术练习之中。比如，在学习某个调性的练习曲之前，它会先用非常简洁明了的方式解释这个调性的音阶结构和常用和弦的推导过程，这样一来，我弹奏的每一个音符都有了理论依据，不再是盲目地去记忆指法。特别是对于和声学的入门讲解，它没有使用晦涩难懂的术语，而是通过具体的练习曲的旋律走向来引导我们感受和声的色彩变化。我感觉自己不是在被动地接受知识灌输，而是在主动地探索音乐的规律。这种结合了实践与理论的学习方式，极大地提高了我的学习兴趣和理解深度，让我对古典吉他的表现力有了更深层次的认识，也为我以后自己分析乐谱打下了扎实的理论基础。

评分☆☆☆☆☆

作为一本面向初学者的教材，它在“实战”方面的准备工作做得极其充分，这一点从它提供的辅助材料的质量上就能看出。我拿到书后，发现它附带了一个非常清晰的音频资源链接（或光盘，视具体版本而定），这个音频资源远超我的预期。它不仅仅是提供了“标准示范演奏”，更是针对每一个练习段落，提供了“慢速分解示范”和“伴奏音轨”。比如，在练习右手轮指的时候，它会提供一个单独的轮指伴奏音轨，让我可以在没有其他干扰的情况下，专注于自己左手的音准和节奏的稳定性，这对于建立稳定的内在节拍感至关重要。而且，示范演奏的音色选择得非常考究，是那种温暖而富有穿透力的古典吉他音色，让人一听就心生向往。这种多维度的学习支持，极大地弥补了自学者在缺乏老师指导时对节奏和听觉参照的缺失。很多时候，我就是听着那个伴奏音轨，跟着弹奏，仿佛真的有位老师在旁边指导一般，学习效率因此得到了质的飞跃，让我对未来的学习之路充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

关于曲目的选择和难度跨度，这本书真的体现了极高的专业水准。市面上很多入门书要么是纯粹的练习曲，要么就是直接上流行歌曲的和弦谱，缺乏一个系统的过渡。而这本教程，它在前期的练习曲目中，精选了一些难度不高但技巧要求明确的小品，很多都是西班牙吉他黄金时期的精华片段，这些片段虽然简短，但对右手拨弦的力度控制和左手按弦的准确性要求极高。随着章节的深入，它开始引入一些改编自文艺复兴时期或巴洛克时期的作品片段，这些改编非常巧妙，既保留了原作的精神，又完美适配了古典吉他的发声特点。最让我欣赏的一点是，它对曲目的“注释”极其到位。比如一个琶音段落，它会清楚地标明“此处应使用apim的组合拨弦，力度需均匀且带有弹性”，这种细节的指导，比单纯的五线谱标记要有效得多。这不仅仅是一本“教你怎么弹”的书，更像是一位大师在你身边“手把手”地纠正你的每一个细节，让你在学习过程中就能自然而然地建立起正确的演奏习惯，为将来挑战更宏大的作品打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是为我这种“半路出家”的自学者量身定制的。我之前尝试过好几本教材，不是入门太快，把基础的运指和节奏型一带而过，导致后面爬坡的时候各种卡壳；就是编排太慢，第一册的前三分之一还在教怎么正确拿拨片，我都快失去耐心了。而这本教程，它巧妙地找到了那个黄金平衡点。初期的练习曲目难度提升曲线非常平滑，每学完一个新技巧，后面马上就会有一首难度适中的曲目来巩固，而且这些曲目听起来不像传统教材里那些枯燥的练习曲，它们本身就具备一定的旋律性和欣赏价值。我特别喜欢它在基础练习中融入了对不同演奏风格的初步介绍，比如巴赫的对位法概念如何在吉他上体现，这让我一开始就知道自己学习的方向不仅仅是弹奏流行歌曲的和弦，而是要掌握一门“正统”的技艺。它没有急着抛出复杂的曲目，而是用大量的“小品”来逐步打磨手指的独立性和力量控制，这点对于提升演奏的稳定性和清晰度至关重要。可以说，它把“打地基”的过程设计得既扎实又有趣，让人心甘情愿地去重复那些看似枯燥的基础练习。