正版西方音乐史及作品鉴赏杨九华高等教育出版社音乐系列教材9787040433937 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨九华，朱宁宁 著

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• 杨九华
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• 9787040433937
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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040433937

商品编码：29859814135

页数：295

图书基本信息
书名：	西方音乐史及作品鉴赏
丛书名：	普通高等学校音乐学音乐教育系列教材
作者/主编：	杨九华  朱宁宁
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040433937
出版年份：	2016年

版次：	第1版
总页数：	295页
开本：	1/16
图书定价：	49.00元
实际重量：	540g
新旧程度：	正版全新

 音乐史，在人类文明进程中扮演着重要角色。在西方音乐的历史长河中，它的发展始终伴随着人类文明的进程，其的艺术价值持续地影响着当时及当下的世人。本书从多角度、多维度入手，阐述每个时期的音乐文化特征和重要音乐现象，还涉及不同时期音乐风格之间的联系和演变。由于音乐从来就不是一门与外界绝缘的学科，因此，本书在西方音乐历史的讲述过程中结合其他姊妹艺术、学科的发展概况，从而丰富个人的精神内涵和知识结构，提升读者对西方音乐的理解力。本书适合普通高校和艺术院校音乐的学生，以及广大音乐爱好者学习使用。

章 古希腊、古罗马音乐导言节 古希腊音乐第二节 古罗马音乐小结课后学习 第二章 中世纪音乐导言节 教会音乐的发展第二节 复调音乐的兴起第三节 世俗音乐和器乐的发展第四节 “新艺术”时期小结 

音乐史，在人类文明进程中扮演着重要角色。在西方音乐的历史长河中，它的发展始终伴随着人类文明的进程，其的艺术价值持续地影响着当时及当下的世人。本书从多角度、多维度入手，阐述每个时期的音乐文化特征和重要音乐现象，还涉及不同时期音乐风格之间的联系和演变。由于音乐从来就不是一门与外界绝缘的学科，因此，本书在西方音乐历史的讲述过程中结合其他姊妹艺术、学科的发展概况，从而丰富个人的精神内涵和知识结构，提升读者对西方音乐的理解力。本书适合普通高校和艺术院校音乐的学生，以及广大音乐爱好者学习使用。

音乐的史诗：西方音乐发展脉络与深度赏析 本书导读：穿越时空，领略西方音乐的辉煌与变革 本书致力于为音乐爱好者、学习者以及专业人士提供一个全面、深入且富有启发性的西方音乐史图景。我们不侧重于某一时期的特定教材体系，而是着眼于音乐这一艺术形式跨越数个世纪的演进、风格的流变，以及那些塑造了我们今日听觉体验的伟大思想和创新。 第一部分：起源与奠基——中世纪的圣咏与世俗之声（约公元500年—1450年） 本卷伊始，我们将追溯西方音乐的源头。探讨古希腊音乐理论如何为后世奠定基础，以及罗马帝国衰落后，教会音乐如何成为西方音乐发展的主导力量。 格里高利圣咏的奥秘： 深入解析单音音乐的结构、调式特征及其在宗教仪式中的核心地位。研究圣咏的记谱法（纽姆谱）的演变，以及其如何从口头传承转向书面记录，为复调音乐的诞生埋下伏笔。 奥尔加农与复调的曙光： 详细阐述早期复调音乐（如奥尔加农）的出现，特别是巴黎圣母院乐派（如列奥宁和佩罗坦）的贡献。分析如何从平行式进行走向更为复杂的自由复调，标志着音乐织体的一次质的飞跃。 世俗音乐的勃兴： 聚焦游吟诗人（Troubadours）、游士（Trouvères）和明歌手（Minnesänger）的创作。探讨他们的歌曲内容——爱情、骑士精神与政治讽喻，以及世俗音乐与宗教音乐之间的互动与张力。研究这些早期声乐作品如何反映中世纪社会生活的多样性。 “新艺术”的革命（Ars Nova）： 重点剖析14世纪法国和意大利的音乐革新。分析马肖（Machaut）等作曲家在节奏复杂性和声响清晰度方面的探索，以及这种对精确性的追求如何预示着文艺复兴的到来。 第二部分：文艺复兴的和谐之美——人文主义与技术的融合（约1450年—1600年） 文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐的焦点从对上帝的颂扬转向对人类情感与理性的赞美。音乐的“人化”趋势愈发明显。 弗兰德斯乐派的统治地位： 探讨以杜菲（Dufay）、雅克·德斯普雷（Josquin des Prez）为代表的作曲家，如何完善了模仿手法（Imitation）和对位技巧。分析弥撒曲和经文歌的结构如何达到完美的平衡与清晰度。 宗教改革与对宗教音乐的冲击： 考察路德宗的众赞歌（Chorale）对音乐普及化的贡献，以及卡尔文主义对复杂音乐的抵制对欧洲音乐版图的影响。 世俗音乐的黄金时代——牧歌（Madrigal）： 深入分析意大利和英国牧歌的特点。重点研究“文字摹写”（Word Painting）技巧，即音乐如何直接描绘歌词的含义，实现文本与音乐的完美统一。 器乐的独立地位： 研究维也纳学派和早期键盘乐（如维吉纳琴音乐）的发展。探讨舞曲的规范化和变奏曲雏形的出现，标志着器乐开始挣脱声乐的依附。 第三部分：巴洛克的激情与结构——情感的表达与对位法的巅峰（约1600年—1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最具戏剧张力和结构严谨的时代。对“强烈情感”（Doctrine of Affections）的追求，催生了宏大、复杂的音乐形式。 歌剧的诞生与早期发展： 探究佛罗伦萨卡梅拉塔（Camerata）的理想如何催生了“歌剧”这一新形式，特别是蒙特威尔第（Monteverdi）的贡献。分析宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的区分，以及“巴洛克式”情感爆发的特点。 协奏曲的成熟与炫技： 剖析协奏曲（Concerto）的演变，从合奏协奏曲（Concerto Grosso）到以维瓦尔第为代表的独奏协奏曲。研究快-慢-快的三乐章结构的确立。 巴赫的对位宇宙： 集中分析巴赫（J.S. Bach）的集大成地位。细致解读《平均律钢琴曲集》在调性探索上的意义，以及《赋格的艺术》中对位手法的极致运用。探讨赋格（Fugue）的复杂结构及其理性之美。 器乐的规范化： 关注奏鸣曲（Sonata）的早期形式，以及键盘乐器（如大键琴）的地位确立。同时，简要回顾亨德尔（Handel）在清唱剧领域的辉煌成就。 第四部分：古典主义的理性与平衡——清晰、结构与普世之声（约1750年—1820年） 启蒙运动推崇的清晰、和谐与普适性，深刻影响了音乐创作。古典主义力求形式的完美与情感的节制。 奏鸣曲式的确立： 详细解析奏鸣曲式（呈示部、展开部、再现部）的内在逻辑，这是古典主义音乐（交响曲、奏鸣曲、室内乐）的骨架。 交响乐的黄金时代： 聚焦海顿（Haydn）——“交响曲之父”，如何将交响乐发展为具有统一构思的宏大叙事。分析莫扎特（Mozart）在旋律的纯净性、歌唱性以及与歌剧融合方面的天才。 贝多芬的革命性跨越： 探讨贝多芬如何突破古典主义的界限。分析其作品中日益增长的主观性、戏剧冲突以及对传统结构的大胆扩展（如尾声的延长），为浪漫主义开启了门户。 室内乐的精致： 研究四重奏和三重奏在海顿、莫扎特手中的成熟，它们如何成为音乐家进行最精妙对话的媒介。 第五部分：浪漫主义的个体表达——情感的狂放与民族的觉醒（约1820年—1900年） 浪漫主义音乐将焦点转向个体经验、超自然、自然崇拜和民族身份的探索，音乐的想象力和情感深度空前扩张。 从舒伯特到肖邦：艺术歌曲与钢琴独奏的巅峰： 考察艺术歌曲（Lied）如何通过钢琴伴奏深化诗歌意境。解析肖邦（Chopin）如何将钢琴的潜力推向极致，以及李斯特（Liszt）在标题音乐和炫技方面的贡献。 交响诗与标题音乐的兴起： 探讨柏辽兹（Berlioz）、李斯特等人如何使用音乐来叙述故事或描绘场景。分析“主导动机”和管弦乐配器的革命性变化。 德奥浪漫主义的宏大叙事： 深入分析瓦格纳（Wagner）的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，探讨其对和声的极端使用（如“特里斯坦和弦”）以及对后世的影响。探究勃拉姆斯（Brahms）在坚守古典形式中融入浪漫情感的努力。 民族乐派的兴起： 研究俄国五人组、德沃夏克（Dvořák）、斯美塔那（Smetana）等人如何从民间音乐、历史传说中汲取灵感，建立具有鲜明地域色彩的音乐语言。 第六部分：二十世纪的多元探索与对传统的反思（约1900年至今） 进入新世纪，音乐在工业化和两次世界大战的冲击下，经历了最剧烈的分裂与探索。所有既有的规则都受到质疑和颠覆。 印象主义与表现主义的对峙： 分析德彪西（Debussy）如何通过音色和模糊的和声营造“印象”，以及勋伯格（Schoenberg）如何通过无调性（Atonality）和后来的十二音体系（Twelve-Tone Technique）来重构音乐逻辑。 斯特拉文斯基与原始主义： 考察《春之祭》如何以其暴力节奏和不协和音震动了巴黎乐坛，标志着对“美”的传统定义的彻底瓦解。 新古典主义与美国声音： 分析作曲家如何回归古典形式，但使用现代和声语言（如拉威尔、斯特拉文斯基的回归）。探讨科普兰（Copland）等如何塑造出具有美国特色的音乐语汇。 战后实验音乐： 介绍序列主义（Serialism）、电子音乐、随机音乐（Aleatoric Music）的出现，如布列兹（Boulez）和凯奇（Cage）的激进探索，展现了音乐边界的无限拓展。 结语：永恒的回响 本书旨在提供一个连贯的视角，展示西方音乐如何从单一的宗教赞美，发展成为能够表达人类最复杂情感、哲学思辨和技术创新的艺术形式。通过对这些关键历史阶段、核心形式和代表性作品的剖析，读者将能够以更深刻的理解去欣赏那些穿越时空的伟大音符。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在音乐领域摸索多年的学习者，我发现这本书对于那些复杂的音乐术语和理论的解释达到了近乎完美的平衡。它既没有过度简化到失去学术严谨性，也没有过度晦涩难懂到让人望而却步。很多晦涩的德文术语，作者都能用贴切的中文来阐释其内涵，并且经常辅以图表和实例来辅助理解。比如在讲解奏鸣曲式结构时，它会用非常清晰的流程图展示呈示部、再现部和呈示部的关系，这种可视化教学的方法，极大地降低了理解难度。对我来说，很多其他教材上的理论部分需要反复查阅其他参考书才能勉强理解，而这本书的内容，大多只需要通读一遍，就能形成一个相对完整的知识框架，可以说是极大地提高了我的自学效率。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是太棒了，拿在手里沉甸甸的，感觉质量非常可靠。封面设计简约而不失内涵，黑白的主色调配合着一些古典的乐谱元素，一下子就把人拉回到了那个充满着巴洛克、古典主义和浪漫主义气息的年代。纸张的质量也值得称赞，不是那种廉价的反光纸，印刷的文字和图片都非常清晰锐利，即便是长时间阅读也不会让人感到眼睛疲劳。我尤其喜欢它在细节处理上的用心，比如扉页上的那句引言，还有章节开头的小插图，都看得出编辑和设计团队是下了功夫的，不是那种粗制滥造的教材可以比拟的。这种对实体书本身的重视，让阅读体验提升了一个档次，不仅仅是知识的传递，更像是在欣赏一件艺术品。我一直觉得，一本好的教材，首先就要在外观上给人留下好印象，而这本绝对做到了。我甚至舍不得在上面做太多标记，生怕破坏了它的整体美感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容编排逻辑清晰得令人佩服，简直是音乐史学习的典范。作者显然对不同音乐时期的脉络把握得炉火纯青，从早期的中世纪圣咏，到文艺复兴的复调艺术，再到巴赫、莫扎特、贝多芬这些巨匠的时代，过渡得自然流畅，没有丝毫的生涩感。最让我印象深刻的是，它并没有沉溺于简单的年代罗列和人名堆砌，而是深入挖掘了每个时期背后的社会思潮和哲学背景，比如浪漫主义时期个人情感的爆发是如何影响了和声与曲式的演变，这使得音乐的学习不再是枯燥的知识点记忆，而变成了一场对人类精神世界的探索。每当学到一个新的流派或作曲家，作者都会精准地指出其代表作，并且用通俗易懂的语言解析其核心特征，即便我对某些复杂的对位法概念初次接触，也能很快抓住重点，这一点对于初学者来说太友好了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编著者显然对西方音乐史的教学有着深刻的理解和独到的洞察力，他成功地将“史论”与“欣赏”这两个原本容易脱节的部分紧密地编织在一起。这本书的叙事风格非常引人入胜，没有那种死板的学术腔调，读起来更像是和一位学识渊博的音乐家进行着一次深入的对话。当我读到关于某个作曲家生平轶事的部分，那种人文关怀和对艺术的敬畏之情跃然纸上，让人在学习知识的同时，也感受到了艺术家的伟大与不易。这种富有感染力的文字，使得我对于学习的热情一直保持在高昂的状态，而不是仅仅为了应付考试而强迫自己阅读。它真正做到了寓教于乐，让人在不知不觉中沉浸于西方音乐那波澜壮阔的历史长河之中。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调一下这本书在“作品鉴赏”这部分展现出的专业度和独到见解。很多音乐史书籍在讲完历史背景后，对具体作品的分析就显得敷衍了事，但这本书完全不同。它不是简单地告诉你“这是第一交响曲，它很伟大”，而是会带你拆解乐章结构、分析配器技巧、探讨主题动机的运用。例如，在分析某一首奏鸣曲时，它会细致到某一个和弦的色彩变化如何烘托了当时作曲家内心的挣扎与光芒，这种深入骨髓的剖析，极大地拓宽了我聆听音乐的维度。我现在再听那些耳熟能详的曲目时，脑海中浮现的不再是模糊的旋律，而是清晰的结构图和作曲家匠心独运的布局，这简直就是为我打开了一扇全新的音乐世界的大门，让我从一个被动的听众，蜕变成了一个主动的鉴赏者。