如何欣赏雕塑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙江宁 著

图书标签:

• 雕塑
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• 雕塑艺术
• 艺术入门
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• 艺术
• 视觉艺术
• 艺术鉴赏

出版社： 中国社会出版社

ISBN：9787508710402

版次：1

商品编码：10512441

包装：平装

丛书名： 艺术知识与欣赏丛书

开本：32开

出版时间：2006-09-01

用纸：胶版纸

页数：186

字数：140000

内容简介

原始社会是中国雕塑的萌发期，一方面人们通过对石，木，骨，贝等材料的加工，培养了雕的技能，另一方面又通过对泥土的改造，成就了塑的技巧。烧制手段的发明与利用是此期为人类发展所作出的最大贡献，由此，原始雕塑造型的特点和成就也就主要反映在用于日常生活和原始巫术的陶质器具上。

目录

知识篇
第一章 中国雕塑的起源和发展
一、中国原始雕塑
二、先秦雕塑
三、秦汉雕塑
四、魏晋南北朝雕塑
五、隋唐雕塑
六、五代两宋雕塑
七、元明清雕塑
第二章 西方雕塑的起源和发展
一、西方原始雕塑
二、古希腊雕塑
三、古罗马雕塑
四、中世纪雕塑
五、文艺复兴雕塑
六、巴洛克雕塑
七、法国近代雕塑
八、欧美现代雕塑
第三章 雕塑的本质特征
一、雕塑存在的前提
二、雕塑形成的概念
第四章 雕塑的表现方式
一、圆雕
二、浮雕
第五章 雕塑的艺术手法
一、具象雕塑
二、抽象雕塑
三、意象雕塑
第六章 雕塑的材质肌理
一、天然材料
二、人造材料
第七章 雕塑的价值作用
一、雕塑的价值
二、雕塑的作用

欣赏篇
第八章 如何欣赏雕塑
第九章 世界雕塑名作赏析
第十章 中外历史知名雕塑家简介

前言/序言

《凝视时间：从洞穴壁画到数字光影的艺术之旅》 导言：视觉的永恒回响 人类的艺术表达从未停止流淌，它以各种形态铭刻着文明的足迹、情感的潮汐与哲思的深度。本书并非关注于某一种特定的艺术形式，而是邀请读者进行一次宏大的、跨越时空的视觉文化漫游。我们探索的，是如何通过“观看”本身，去解读和感受那些被凝固、被描绘、被建构的画面与空间，理解它们如何作用于我们的感知系统，如何成为时代精神的载体。 本书聚焦于艺术史中那些里程碑式的转折点，那些定义了“美”与“意义”边界的革新时刻。我们将深入剖析绘画、建筑、装置艺术以及新兴的影像艺术，如何共同编织出人类视觉经验的复杂挂毯。这是一本关于观看、理解与连接的指南，旨在提升读者的视觉素养，使每一次面对艺术作品的凝视，都成为一次深入文化的对话。 --- 第一部分：光影的奠基：材料与形式的原始力量 第一章：岩石上的低语：史前艺术与符号的诞生 我们从人类最早的视觉表达——洞穴壁画开始。这不是简单的记录，而是祈愿、是巫术，是人类试图通过图像来支配未知世界的早期尝试。本章详细考察拉斯科和阿尔塔米拉洞穴中的野牛与马匹，分析其线条的动感与色彩的稀有性，探讨符号在集体记忆形成中的核心作用。我们还将对比同期制作的维纳斯雕像，分析早期人类对“形体”与“生命力”的原始理解。 第二章：秩序与神性：古典世界的空间建构 古希腊和古罗马不仅是哲学的摇篮，更是空间美学的典范。本章着重探讨“黄金分割”如何在帕特农神庙的比例中得到体现，以及雕塑从早期的古拙僵硬（Archaic style）如何演变出对人体动态的精准捕捉（Classical style），最终迈向情感的极致表达（Hellenistic style）。我们细致剖析多立克、爱奥尼克和科林斯柱式的区别，理解它们如何象征着不同的政治理想与文化态度。 第三章：色彩的革命：中世纪的玻璃与手抄本 当西方世界进入中世纪，艺术的使命转向对精神世界的描绘。本章不谈建筑的宏大叙事，而是聚焦于微观层面——哥特式大教堂中光线如何被彩色玻璃重新定义。我们将分析光线穿过圣徒形象时产生的神圣氛围，以及修道院中抄写员和插画师如何用植物和矿物颜料，将经文转化为具有强烈象征意义的视觉文本。 --- 第二部分：视角与透视：文艺复兴的科学与人本 第四章：解构与重构：透视法的诞生与空间魔术 文艺复兴的本质是对人类中心主义的回归。本章的核心在于剖析线性透视法的发明，特别是布鲁内莱斯基和马萨乔的工作。我们考察“灭点”如何成为画家控制观众目光的工具，以及这种科学化的空间再现，如何彻底改变了平面图像对真实世界的模拟能力。理解透视法，就是理解文艺复兴如何将二维平面提升为可进入的“窗口”。 第五章：解剖学的胜利与情感的张力：文艺复兴盛期的肖像 从达芬奇对手稿中对人体结构的细致描摹，到米开朗基罗对“大卫”肌肉线条的理想化处理，本章探讨了科学知识如何服务于艺术表达。我们重点分析达芬奇标志性的“晕染法”（Sfumato），以及它在《蒙娜丽莎》中营造出的神秘性，探究艺术作品如何开始捕捉个体复杂的、难以言喻的内心世界。 第六章：巴洛克的戏剧化：光线、运动与情感的煽动 巴洛克艺术是对文艺复兴时期冷静和谐的反叛。本章深入研究卡拉瓦乔如何运用“明暗对比法”（Chiaroscuro）来制造强烈的戏剧效果，仿佛将舞台聚光灯投射到凡人瞬间的苦难或狂喜之上。同时，我们将审视贝尼尼雕塑中捕捉到的“运动的顶点”，分析其如何利用旋转的线条和夸张的面部表情，直接诉诸观众的情感器官。 --- 第三部分：边界的消融：现代性的冲击与流派的爆发 第七章：主观的涌动：浪漫主义对情感的释放 当启蒙运动的理性光辉逐渐黯淡，艺术开始转向对个体经验、自然伟力与非理性力量的探索。本章考察德拉克洛瓦和戈雅的作品，分析他们如何用奔放的笔触和强烈的色彩对比来表达自由的呐喊、战争的残酷以及人类面对浩瀚自然的渺小感。浪漫主义的“崇高感”（Sublime）如何挑战了古典的“美学规范”。 第八章：瞬间的捕捉：印象派与光影的科学观察 工业革命带来的新颜料和摄影技术的出现，迫使画家重新思考“描绘”的意义。印象派的核心在于“瞬间性”。本章细致分析莫奈如何通过并置的短促笔触来记录光线在不同时间点的变化，以及他对色彩在物理学意义上的研究。我们探讨艺术家如何将画室搬到户外，将“客观现实”解构为纯粹的光与色的感知碎片。 第九章：形式的解放：立体主义与多维视角的重构 二十世纪初的艺术经历了一场颠覆性的革命——立体主义。本章将详细解析毕加索和布拉克的“分析立体主义”，探讨他们如何打破单一视点，将物体分解、重组，并在一张二维平面上同时呈现事物的多个侧面。这不仅是对再现手法的挑战，更是对人类认知世界方式的一次深刻哲学拷问。 --- 第四部分：空间之外：战后艺术与感知的新疆界 第十章：纯粹的语言：抽象表现主义与行动的痕迹 二战后，艺术的重心转移到了美国，抽象表现主义成为情感释放的新战场。本章重点分析波洛克的“滴画”与罗斯科的“色域绘画”。我们不再关注描绘的对象，而是关注创作“行为”本身——画笔的轨迹、颜料的滴落，如何成为了艺术家内心状态的直接记录。艺术的价值从“描绘什么”转向了“如何存在”。 第十一章：日常的颠覆：波普艺术与消费符号的挪用 随着大众传媒和消费主义的兴起，波普艺术对“高雅艺术”的定义发起了挑战。本章审视安迪·沃霍尔如何利用丝网印刷技术批量复制玛丽莲·梦露的形象，探讨这种机械化复制对艺术“原创性”概念的冲击。我们分析艺术如何从精英走向日常，如何利用广告、漫画等通俗符号进行批判与赞美。 第十二章：体验的转向：装置艺术与环境的介入 进入后现代，艺术彻底突破了画框与底座的限制。本章探讨了观念艺术和装置艺术的兴起。我们分析艺术家如何将观众拉入作品之中，使“环境”本身成为媒介。从早期对空间的物理性干预，到后来对社会、政治议题的敏感捕捉，我们审视艺术如何从被观看的对象，转变为一种需要亲身参与和体验的事件。 结语：持续的提问 视觉艺术的演进史，本质上就是人类感知自身与世界关系的历史。从洞穴深处的壁画到数字屏幕上的像素点，艺术家们一直在用不同的语言，向我们发出永恒的邀请：停下来，凝视，并提问。本书的目的不是提供最终的答案，而是提供解读这些提问的工具，引导你以更深刻、更具批判性的眼光，去迎接下一个时代的视觉挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事方式简直是教科书级别的“化繁为简”，它成功地将雕塑艺术史上那些错综复杂、年代跨度极大的流派和人物，串联成了一条清晰且引人入胜的时间长河。作者似乎深谙如何与一个非专业背景的读者对话，他没有一味堆砌晦涩难懂的专业术语，而是选择了一种非常平易近人的“讲故事”的口吻。比如，在介绍古希腊雕塑的“古典平衡”时，他没有枯燥地分析黄金分割比例，而是通过对比阿波罗和赫尔墨斯的不同姿态，来生动阐释那种“动态中的静止”是如何通过几条关键的线条实现的。这种教学方法非常高明，它不是直接灌输规则，而是引导读者自己去“发现”规则，从而建立起一种主动的、带有个人情感色彩的审美连接。我特别喜欢其中关于材料特性的章节，作者详细剖析了青铜、大理石、木材乃至现代的树脂材料，是如何在不同的历史背景下，影响了雕塑家们的创作思维和最终呈现效果的，这种跨学科的讨论，极大地拓宽了我的艺术视野。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，尤其是封面那张米开朗基罗《大卫》的局部特写，光影的处理简直神乎其技，让人忍不住想立刻翻开内页，去探寻那些冰冷石块下蕴藏的生命力。内页的纸张质感非常考究，那种微微泛着象牙白的色调，不仅保护了眼睛，更衬托出书中那些精美的高清图片。我尤其欣赏它在排版上的匠心独运，大量的留白处理，使得每一件雕塑作品都能拥有足够的“呼吸空间”，不至于让读者感到信息过载或拥挤。那些作品的细节图，放大到了极致，连大理石表面的细微纹理、工匠凿痕的深浅变化，都清晰可见，这简直是为我们这些想“触摸”艺术的人提供的绝佳机会。阅读的体验是从拿起书的那一刻就开始的，重量适中，翻阅时那种轻微的沙沙声，都透露出出版方对艺术书籍的尊重。即便是那些我们耳熟能详的古典名作，在这本书里也呈现出了全新的视角，仿佛是艺术家本人重新打磨过一般，让人对“物”的美学有了更深层次的理解。这本书不仅仅是知识的载体，更是一件值得收藏的艺术品，光是把它摆在书架上，就能为整个空间增添一份沉静而厚重的文化气息。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在它提供了一套完整的“入门工具箱”，它教导的不是“应该喜欢什么”，而是“如何去欣赏”。其中穿插的许多小贴士，比如如何辨识不同时期的雕刻刀法痕迹，如何通过作品的重心分布来判断其结构稳定性，甚至是如何在户外环境中观察光影变化对雕塑表面的影响，都极具操作价值。它成功地去魅了高高在上的艺术殿堂，让我们知道，即便是站在街角的某件公共艺术品前，我们也能运用这些观察方法，进行一次即时的、有质量的审美判断。阅读完毕后，我明显感觉到自己看世界的眼睛变得更敏锐了，走在路上，我开始下意识地注意建筑立面的浮雕、公园里的人像纪念碑的朝向和比例，仿佛作者在我的脑海里安装了一个“雕塑雷达”。这对于激发我对生活周围环境的感知和思考，起到了意想不到的积极作用。

评分☆☆☆☆☆

书中对现代主义和后现代主义雕塑的阐述，尤其具有启发性。它没有将这些新流派简单地归类为对传统的“反叛”，而是深入挖掘了它们在特定社会思潮下的内在逻辑。例如，作者对杜尚现成品（Readymades）的解读，不再停留于“这是艺术吗”的哲学争论层面，而是着眼于“物品的再语境化”是如何挑战了艺术品的“光环效应”。这种务实且不带偏见的分析，让那些曾经让我感到困惑的抽象作品变得可理解了。此外，书中对非西方雕塑传统的介绍也十分到位，它巧妙地平衡了西方主流叙事，引入了如印度石窟造像的仪式感，以及日本木雕的空寂美学，展现了雕塑作为一种全球性人类表达的丰富性，这极大地丰富了我的文化储备。

评分☆☆☆☆☆

我原以为这类书籍会是一份冷冰冰的图录集合，充斥着枯燥的年代考证和模糊的风格界定，但出乎意料的是，这本书充满了对“观看”行为本身的深刻反思。它着重探讨了光线、空间和观众情绪在雕塑体验中扮演的关键角色。其中有一章专门讨论了“视线的高度与角度”对雕塑感知的影响，通过大量的场景模拟图片，展示了同一件作品在仰视、平视和俯视下所产生的截然不同的心理感受，这一点着实令人耳目一新。作者强调，雕塑的完成不是艺术家放下工具的那一刻，而是观众在特定空间中与其发生交互作用的那一刻。这种“参与式”的解读方式，让我开始重新审视那些在博物馆角落里匆匆走过的作品，意识到自己错过了多少与艺术进行深度交流的机会。它成功地将雕塑从一个静止的“物体”，转化成了一个流动的、需要被激活的“事件”。