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[清] 陈目耕著 著

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出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534037245

商品编码：10572869465

出版时间：2016-06-01

作  者:(清)陈目耕 著 定  价:25 出 版 社:浙江人民美术出版社 出版日期:2016年06月01日 页  数:120 装  帧:平装 ISBN:9787534037245 ●翁方纲序
●自序
●桂馥序
●查莹序
●例言
●考篆
●审名
●辨印
●论材
●分式
●制度
●参考
●撮要
●章法
●字法
●笔法
●刀法
●总论
●杂记
●制印色
●部分目录

内容简介

《篆刻针度》分考篆、审名、辨印、论材等二十类，从篆刻理论到印章使用，皆有详细论述：“始自篆体，详诸谱式，以及器具之用，选石之目，无不该备。”而其语言晓畅易懂，乃陈目耕多年治印甘苦之言，虽略嫌繁琐却极便于今日的篆刻研习者。清人周中孚《郑堂读书记》云：“其书专为镌印而设，故于诸家篆刻之论，惟有关于实用者则采之，其他浮辞臆说、衍而无当者概置不录。大抵宗主于文、何、吾、赵正派，而不堕入野狐下乘。”正因为如此，《篆刻针度》问世二百年来一直颇受欢迎，翻刻本极多，可谓是久而不衰的经典之作。本次整理以乾隆五十一年（1786）存几希斋原刻本为底本，校以《啸园丛书》本及金石花馆藏本。为避免繁琐不出校记，择其优长径改。同时，为便于研读，我们随文插配了相关的图版，希望能对读者有所帮助。 (清)陈目耕 著 陈目耕，陈恕（1741-1809），字体行，号目耕、吟香，别署目耕农、妙果山人、十姐妹花斋主人等，浙江海宁人。善篆隶，能治印，工稳典雅，颇负时名，“ 好事者接踵求刻晶玉铜瓷，粲盈几案 ”。著有《篆刻针度》《篆体经眼》《印人汇考》《存几希斋印存》等。 家篆刻之论，惟有关于实用者则采之，其他浮辞臆说、衍而无当者概置不录。大抵宗主于文、何、吾、赵正派，而不堕入野狐下乘。”正因为如此，该书问世二百年来一直颇受欢迎，翻刻本极多，可谓是久而不衰的经典之作。本次整理以乾隆五十一年（1786）存几希斋原刻本为底本，校以《啸园丛书》本及金石花馆藏本。为避免繁琐不出校记，择其优长径改等

好的，这是一本关于中国传统工艺——木雕的深度探索之作的简介。 --- 《匠心雕琢：中国传统木雕艺术的流变与技法》 导言：千年木语，指尖上的时光 自古以来，木头便与人类的生活息息相关。它不仅是建筑的骨架，是家具的载体，更是东方艺术精神得以寄托的媒介。本书《匠心雕琢：中国传统木雕艺术的流变与技法》力图全面、深入地梳理和呈现中国木雕艺术跨越千年的发展脉络、地域风格的差异性，以及那些代代相传、近乎失传的精湛雕刻技艺。这不是一本简单的图录，而是一部融合了历史考证、美学分析与实操观察的匠人精神的颂歌。 第一章：溯源——从史前到汉唐的“材”之觉醒 木雕的起源，深埋于原始社会的烟火之中。本章追溯了中国木雕艺术的滥觞，从新石器时代的简单工具痕迹，到商周时期礼器上的纹饰雕刻。我们重点探讨了汉代漆木器的兴盛如何为后世的木雕技术打下了坚实的基础，特别是早期神话、动物主题的表达方式，如何体现出古人对自然力量的敬畏与想象。 唐代，佛教的兴盛无疑是木雕发展史上的一个里程碑。本章详尽分析了佛教造像的演变，从早期的质朴到盛唐时期的圆润饱满，展现了技术与信仰交织下的艺术升华。我们考察了长安、洛阳等地作为雕刻中心的地位，以及不同地域对佛像风格的影响。 第二章：鼎盛与转型——宋元时期的世俗化与技艺精进 宋代是中国传统艺术审美趋向内敛、精致的时期。本章聚焦于宋代木雕在世俗生活中的渗透，如建筑构件、日用器皿上的装饰雕刻。雕刻技法开始向精细化、写实化发展，题材也更加贴近日常生活，花鸟虫鱼、山水人物的描摹达到了极高的水准。 元代，民族融合带来了文化上的碰撞与吸收。本书特别开辟专章讨论了这一时期木雕在民间信仰和戏曲题材上的创新。雕刻家们开始尝试更为复杂的透雕和镂空技法，为明清时期的繁复风格埋下了伏笔。 第三章：集大成——明清木雕的辉煌与地域流派 明清两代，木雕艺术达到了一个前所未有的巅峰。这一时期的作品不仅数量庞大，而且技艺达到了炉火纯青的地步，成为后世研究的重点。 3.1 技法的集大成：圆雕、浮雕与线刻的极致运用 本章详细剖析了明清时期成熟的雕刻技法体系。我们不仅描述了“高浮雕”、“深浮雕”的区别与应用，更深入探讨了“打坯”、“雕眼”、“抛光”等一系列繁复工序。特别值得注意的是“多层次透雕”（也称多层镂空雕），这种技法通过多层次的退进和穿插，营造出深远的立体空间感，常用于大型屏风和家具的装饰上。 3.2 风格的辨析：南派与北派的艺术对话 中国木雕的地域性极强，形成了风格迥异的流派。本书将重点对比分析当时两大主流风格： 南派（以福建、广东为代表）： 强调精巧繁复，注重细节的雕饰与繁缛的布局，常以“鬼斧神工”形容其细腻程度，尤其在家具和建筑上的“拼装雕刻”独树一帜。 北派（以山西、河北为代表）： 风格相对粗犷有力，注重气势和结构感，题材多以历史演义、神仙故事为主，线条刚劲，具有强烈的戏剧张力。 第四章：木材的选择与“因材施艺”的哲学 木雕的艺术生命力，一半源于匠人的双手，另一半则来自于对“材”的理解与尊重。本章深入探讨了中国传统木雕常用的材料体系，包括黄花梨、紫檀、樟木、杉木等，并分析了不同木材的纹理、硬度、油性对雕刻效果的影响。 “因材施艺”并非口号，而是一种哲学。本章通过具体案例分析，展示了匠人如何顺应木材本身的自然走向、疤痕甚至虫蛀的痕迹，将其巧妙地融入到艺术创作之中，使作品具有天然去雕饰的韵味。 第五章：雕刻的载体——木雕在建筑、家具与造像中的应用 木雕艺术无处不在，本书将其应用领域分为三大块进行细致的考察： 1. 建筑木雕： 梁枋、斗拱、窗棂、门楼上的雕刻如何体现宗法制度和地域风俗。我们考察了徽派的“三雕”（砖雕、石雕、木雕）艺术，以及苏式园林中那些精妙绝伦的木质景观小品。 2. 家具木雕： 以明式家具的简约线条与清式家具的繁复装饰为例，探讨木雕在家具结构和美学价值中的双重作用。 3. 宗教与民间造像： 专注于民间用于祭祀或陈设的木制神像、戏曲人物雕塑，分析其民间信仰的投射和夸张的艺术手法。 结语：技艺的传承与当代的对话 在工业化浪潮的冲击下，传统木雕技艺正面临严峻的挑战。本书的最后一部分，旨在记录那些依然坚守在工作室中的老一辈匠人，他们的口述历史和工作场景，是理解这门技艺活态传承的最佳途径。同时，我们也探讨了当代艺术家如何从传统中汲取养分，将古典的雕刻语言融入现代设计，使这门古老的艺术在新的时代语境下焕发出新的生机。 附录： 中国主要木雕工艺术语表解 中国木雕艺术重要遗址与博物馆名录 常用木雕工具的图解与使用说明 --- 读者群体定位： 历史爱好者、工艺美术研究者、家具设计专业学生、传统手工艺的实践者与收藏家。本书以严谨的学术态度为基石，同时以富有感染力的文字和丰富的实物图片，带领读者深入领略中国木雕的厚重历史与非凡魅力。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这会是一本晦涩难懂的学术专著，毕竟篆刻这种技艺，总与高深的理论和繁复的刀法联系在一起。然而，这本书的叙事方式却出乎意料地平易近人，它更像是邻家老先生在烟雨濛濛的午后，拉着你坐在石凳上，娓娓道来的一段段往事。作者巧妙地避开了那种堆砌术语的枯燥，转而采用了大量的历史小故事和鲜活的人物侧写来串联起整个技艺的发展脉络。读起来，我仿佛能听到那些刻刀在青石上摩擦发出的“吱嘎”声，看到那些刻碑人如何与石头进行无声的对话。书中对历代名家的风格演变分析得鞭辟入里，但落脚点总是在“人”——他们的性情如何影响了他们的刀法，他们的生活哲学又是如何烙印在作品之上的。这种“以人为本”的叙事角度，极大地拉近了读者与传统艺术的距离，让人明白，那些冰冷的石头背后，蕴藏着的是活生生的情感与智慧。对于初学者而言，它提供了绝佳的入门桥梁；而对于有一定基础的人来说，它也提供了更深层次的哲学思辨空间。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的知识密度高得惊人，但绝非那种让人望而生畏的“硬核”。它的结构设计堪称一绝，仿佛是一个多层次的立体迷宫，你可以选择最感兴趣的路径深入探索。如果你是研究印章史的学者，可以直接跳到那些关于战国古玺和秦汉私印风格差异的章节，里面的考据细节足以让人津津乐道，引出新的研究方向。如果你只是一个对美学感兴趣的爱好者，那么那些关于“布局虚实”和“朱白相间”的章回，用通俗的语言解释了构图的至高奥秘，简直是打开了新世界的大门。我个人最震撼的是作者在分析某一特定流派时，那种跨学科的融会贯通——他会引用书法理论来佐证印章的线条美感，甚至会牵扯到园林艺术中的对景布局理念。这种“无界限”的思维方式，让整本书的内容像一张密实的网，每一个节点都互相支撑，形成一个逻辑严密而又充满生命力的知识体系，绝非一般局限于单一领域的书籍可比。

评分☆☆☆☆☆

这本书在对“时间感”的捕捉和呈现上，达到了一个令人惊叹的高度。它不仅仅是在介绍一种雕刻技术，更是在探讨一种与“慢”和“永恒”相关的哲学态度。在如今这个追求即时反馈的时代，篆刻本身就是一种对抗快餐文化的仪式。作者通过细致入微的笔触，描绘了从选材到布局，从初稿到最后润色的每一个环节所需要的耐心和沉静。例如，书中对不同石材纹理特性的描述，简直像极了品鉴顶级威士忌时的感官描述，需要你调动所有的感官去体会其“脾性”。我特别喜欢其中一段关于“入刀即定”的论述，强调了每一下落刀都承载着不可逆转的决定性，这不就是在教导我们如何在生活的每一个重要选择面前保持清醒和专注吗？读完全书，我感觉自己的心境都沉淀了下来，看待事物也多了一层审视其“持久性”的眼光，这是一种潜移默化的精神洗礼，远比单纯学习技术要来得珍贵。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太考究了，光是拿到手上，就能感受到那种沉甸甸的历史厚重感。封面上的那枚朱红印章，线条遒劲有力，仿佛带着一股穿透岁月的古朴气息，让人立刻联想到那些在案头伏案、刻刀游走的匠人身影。内页的纸张选用了略带米黄的宣纸质感，触感温润细腻，即便是长时间翻阅，也不会感到刺眼。更别提那些精美的插图和拓片了，它们的排版布局犹如一幅精心构思的水墨画卷，疏密有致，虚实相生。每一页的留白都恰到好处地烘托出主体内容的精髓，使得阅读过程本身就成为一种视觉上的享受。我尤其欣赏作者在细节处理上的匠心，比如一些边角的纹饰，似乎都是对古代印章边款的模仿，这种由内而外的整体美学追求，绝对不是随便糊弄出来的速成品能够比拟的。可以说，这本书的物理呈现，已经超越了一般书籍的范畴，更像是一件值得珍藏的艺术品，让人忍不住想要细细摩挲，感受那份对手工技艺的由衷敬意。光是捧着它，就能感受到一股宁静致远的气场，非常适合在独处时，沏上一壶清茶，慢慢品味。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感动的地方，在于它成功地唤醒了现代人心中那份被遗忘的“动手创造”的原始冲动。在那些关于工具的描述中，我能清晰地感受到作者对那些传统錾刻工具的深厚情感，那几把代代相传的刻刀，仿佛拥有自己的生命和记忆。他没有把这些工具描绘成冰冷的器物，而是称之为“延伸的手指”和“思想的载体”。读到这里，我忍不住放下书，去重新审视我那套布满灰尘的工具箱。作者的文字有一种强大的感染力，它让你不满足于仅仅“阅读”关于篆刻的知识，而是迫切地想要亲手去尝试，去体验那种木柄与手掌的契合感，去感受石屑飞扬的瞬间。这种由知识激发出的实践欲，是许多理论书籍所无法企及的。它不只是记录历史，更是在激发未来，告诉每一个读者，真正的艺术，是需要身体力行去参与和传承的，这是一种对生命的深度参与宣言。