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[俄罗斯] 瓦西里·康定斯基著王蓓译 著

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出版社： 华中科技大学出版社

ISBN：9787568022132

商品编码：11096954122

出版时间：2016-11-01

作  者:(俄罗斯)瓦西里·康定斯基 著；王蓓 译 定  价:55 出 版 社:华中科技大学出版社 出版日期:2016年11月01日 页  数:191 装  帧:精装 ISBN:9787568022132 ●论艺术中的精神
●3部分美学概论
●5引言
●11第二章三角形的运动
●17第三章精神变革
●29第四章金字塔
●33第二部分绘画
●35第五章色彩的心理效果
●41第六章形式与色彩的语言
●63第七章理论
●71第八章艺术与艺术家
●75第九章结论
●
●点线面
●81第十章引言
●87第十一章点
●115第十二章线
●163第十三章基础平面

内容简介

《艺术家自我修养》是现代艺术大师康定斯基的艺术理论（主要是绘画理论）普及书籍。包括《艺术中的精神》《点、线、面》《艺术与艺术家论》等重要作品。本书探讨艺术与社会文化、艺术与人类精神的关系以及在现代社会中艺术精神面临的危机问题，阐述纯粹绘画的形式和精神问题，并勾勒出现代色彩构成和平面构成的基本设想，一方面以具体分析的方法研究抽象视觉元素的艺术特征，另一方面从色彩构成转到平面构成，探索现代构成理论的基本框架。 (俄罗斯)瓦西里·康定斯基 著；王蓓 译 瓦西里·康定斯基，1866－1944，现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人。他生于俄罗斯，早年在莫斯科大学学习并获任教授席位，1896年后赴慕尼黑学习绘画，1911年成立有名艺术团体“蓝骑士”（又称“青骑士”），1922年开始任教于现代设计教育的摇篮包豪斯学校，艺术创作达到高峰。康定斯基具有联觉（知觉混合）的能力，他可以十分清晰地“听见”色彩。这一能力对他的艺术产生了主要影响。

好的，这是一份关于一本名为《浮世绘：江户时代的图像叙事》的图书简介，字数在1500字左右，力求详尽且避免AI痕迹。 --- 浮世绘：江户时代的图像叙事 导言：窗口之外的江户风貌 在德川幕府长达两百六十余年的统治下，日本进入了一个独特而封闭的时代——江户时代（1603-1868）。这是一个社会阶层分明、商业文化蓬勃发展，同时又对外部世界采取严格限制政策的时期。正是在这种既压抑又充满生机的土壤中，一种独特的艺术形式应运而生，并迅速成为当时都市生活最直观、最鲜活的记录者，它就是浮世绘。 《浮世绘：江户时代的图像叙事》并非一部艰涩的艺术史著作，而是一次深入的文化漫游。本书旨在剥开版画制作的工艺外壳，直抵浮世绘所承载的社会肌理、审美趣味与庶民心声。我们将聚焦于“浮世”——这个词汇本身即意指“现世”、“尘世生活”的瞬间——探讨这些木刻版画如何捕捉并定格了江户市民的日常呼吸、娱乐消遣以及对美的瞬间追求。 第一部分：尘世的兴起——从菱川师宣到美人画的诞生 浮世绘的起源，可以追溯到十七世纪中叶，彼时的主要形式是肉笔画（手绘）和早期使用单色墨印的版画。本书首先将考察这一艺术形式的萌芽阶段，以及它如何逐渐摆脱寺庙和贵族的藩篱，转向服务于日益壮大的町人（市民阶层）的需求。 1.1 江户的舞台与町人的崛起 江户，作为政治中心，汇聚了来自全国的武士、商人、手工业者和艺人。稳定的和平带来了消费的繁荣，催生了歌舞伎剧场、游廓（花街柳巷）以及各种新兴的娱乐场所。浮世绘，作为一种成本相对低廉、可批量生产的视觉产品，成为了满足这些新兴消费群体精神需求的最佳载体。它们是当时的“时尚杂志”、“娱乐周刊”和“明星海报”。 1.2 菱川师宣与“墨绘”的突破 本书将重点分析菱川师宣，这位被誉为“浮世绘鼻祖”的艺术家。他的贡献在于将浮世绘的主题彻底导向世俗生活，并确立了以人物画为主的叙事模式。我们详细梳理了从早期的“墨绘本”到逐渐引入色彩的过渡，探讨了这种媒介如何开始构建“浮世”的理想化形象。 1.3 倾国倾城：美人画的黄金法则 美人画是浮世绘早期最引人注目的门类之一。本书细致辨析了明石屋（如奥村政信、鸟居清信等）在色彩应用上的革新，特别是引入“丹绘”（红色印染）和“漆绘”（使用黑漆模仿织物光泽）等技法，使画面更具奢华感。我们不仅描摹了当时著名艺伎和游女的形象，更深入探讨了这些画作背后所蕴含的社会期待与消费符号学。例如，某些画作中的发髻、服饰的特定组合，即是向知晓内情的观者发出的一种隐秘的身份识别信号。 第二部分：色彩的革命与画师的黄金时代 十八世纪进入中期，随着彩色印刷技术（锦绘）的成熟，浮世绘迎来了其艺术上的巅峰期。这不仅仅是技术的进步，更是审美理念的一次质的飞跃。 2.1 锦绘的诞生：色彩的交响乐 本书用大量篇幅剖析了西村重长、铃木春信等人对“锦绘”（多色套印版画）的贡献。锦绘的出现，要求画师对套印的精确度有着极高的掌控力。春信的作品，以其柔和、清淡的色彩和描绘纯真少男少女的田园牧歌式场景而闻名。他成功地将浮世绘从略带情色的描绘，提升至一种更具诗意和理想主义的审美高度。 2.2 役者绘的巅峰：胜川派与歌麿的戏剧人生 歌舞伎艺术的鼎盛，直接推动了“役者绘”（演员画）的发展。胜川派的几代艺术家（如胜川春章、胜川春好）以其精准捕捉演员神韵和舞台瞬间的技巧著称。他们不仅是画师，更是舞台的评论家。 然而，在役者绘的领域，喜多川歌麿无疑是具有里程碑意义的人物。本书将歌麿置于更广阔的社会语境中考察，他并未止步于描绘演员的“神态”，而是将镜头对准了台下——游廓中的精英女性和茶屋的侍女。歌麿突破了美人画的传统格局，以其“青楼十二时”等系列作品，展现了女性细腻的内心世界和特定环境下的仪式感，使他的作品带有了深刻的人文关怀和近乎摄影般的写实感。 第三部分：超越日常——风景、花鸟与历史的重构 随着江户时代进入稳定并开始显露出衰退的迹象，艺术家的关注点开始从室内转向室外，从人转向自然，这为浮世绘开辟了全新的叙事维度。 3.1 北斋与广重的“天地之境” 本书将最核心的篇幅留给葛饰北斋和歌川广重，这两位大师彻底颠覆了浮世绘仅是“娱乐快照”的固有印象，将其提升至世界级的风景艺术高度。 北斋的“狂气”与“无限”： 我们探讨北斋如何通过《富岳三十六景》系列，将富士山——这一日本的象征性符号——置于每一个日常的瞬间和极其夸张的视角之下。从著名的《神奈川冲浪里》中那巨浪吞噬一切的动态感，到对自然界中各种形态的细致入微的观察（如《花鸟画谱》），北斋的创作体现了对自然力量的敬畏，以及一种近乎科学探究的热情。 广重的“旅情”与“幽玄”： 广重则更侧重于“道”的体验。他的《东海道五十三次》不仅仅是描绘旅途中的驿站，而是对不同季节、不同天气下日本国土风貌的抒情表达。他的雨景、雪景和夜景，通过对空气湿度的微妙把握和对光影的运用，营造出一种独特的“幽玄”之美——一种含蓄、深远而略带伤感的意境，这与江户时代末期社会心态的转变息息相关。 3.2 最后的呐喊：幕末的动荡与历史题材 在幕府权力衰落、黑船来航的时代背景下，浮世绘也承担起了记录历史与表达政治倾向的功能。本书将分析“合战绘”的复兴，以及一些艺术家如何利用历史典故或民间传说，来隐晦地评论时局。这些作品的笔触更为粗犷、色彩对比强烈，充满了紧迫感和悲壮的气氛。 结语：西风东渐中的永恒价值 《浮世绘：江户时代的图像叙事》的收尾部分，将探讨浮世绘对世界艺术史的深远影响——即“日本主义”（Japonisme）。当这些色彩鲜明的木刻版画传入欧洲后，它们如何激活了印象派和后印象派画家的创作灵感，从梵高到莫奈，无不从中汲取力量。 浮世绘的价值，并不仅仅在于它记录了江户的繁华与风雅，更在于它成功地将工艺技术、商业运作与高超的艺术表现力完美结合，为“现世”的瞬间赋予了超越时间的永恒魅力。通过阅读和审视这些流传下来的图像，我们得以窥见一个逝去时代的日常生活、集体情感与独特的东方审美哲学。 ---

评分☆☆☆☆☆

读完这本著作，我最大的感受是，它成功地将“艺术”与“生活”这两个本应统一的概念，重新连接了起来。作者反复强调，一个优秀的艺术家必然是一个优秀的“生活家”。他探讨了如何将日常的喜怒哀乐、甚至是个人的挫折和缺陷，转化为滋养创作的养分，而不是视为必须克服的障碍。书中关于“诚实性”的论述尤其引人深思——这种诚实不仅是对观众的，更是对自己创作初衷的绝对诚实。它要求艺术家卸下所有伪装和迎合的姿态，直面自己最真实的动机和恐惧。这种坦诚的姿态，让作品拥有了无可替代的灵魂和重量。书中的语言风格带着一种温和的坚韧，不激进，但步步为营地瓦解了读者心中那些关于“成功”和“捷径”的幻想，最终指向的是一条漫长但充实的、专注于自我完善的道路。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的叙事节奏和语言风格相当独特，它有一种近乎哲学思辨的深度，但又巧妙地穿插了大量生动的个人轶事，使得阅读过程既有挑战性又不失趣味性。作者似乎毫不避讳地揭示了许多艺术家在成名背后所经历的那些不为人知的煎熬与取舍。比如，他花了大量篇幅探讨“身份认同”的复杂性——当一个人的作品被市场定义、被评论家标签化之后，如何保持自我探索的自由度和纯粹性。这种对内在自由的执着追求，是全书最打动我的地方。书中对“时间管理”的讨论也颠覆了我以往的认知，它强调的不是堆砌工作时长，而是如何创造那些能够孕育深度思考的“留白时间”。我从中领悟到，真正的创造力往往发生在那些看似无所事事、让思绪自由漂浮的时刻。对于那些总觉得自己时间不够用，总在追赶进度的创作者来说，这本书像是一剂清凉剂，让人慢下来，去聆听内心的节拍，而不是外界的鼓点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，在于它提供了一种对“职业精神”的全新定义。它超越了市场规则和技术层面的讨论，直指艺术家存在的根本意义。作者对“谦逊”的理解尤为精妙，他认为真正的谦逊不是自卑，而是对自身局限性的清醒认识，以及对“学习永无止境”这一事实的深刻接受。这种精神状态，使得艺术家能够持续地对自己的作品提出更高的要求，避免陷入自满或重复。书中对“批判性自我审视”的论述，简直是一把双刃剑，它既锋利地指出作品中的不足，又温柔地保护了创作者的敏感心灵，教导我们如何建设性地“批评”自己。我发现，每一次放下书本，我都对自己的创作状态有了更清晰的认识，仿佛内部建立了一套更完善的质量控制系统。这本书更像是一位智慧的长者，在迷雾中为我们指明了方向，而非提供地图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构组织得非常巧妙，它不像一本按部就班的教科书，更像是一系列精心编排的“心法口诀”。它没有提供标准答案，而是提出了大量深刻的问题，引导读者自己去寻找答案。我尤其欣赏作者对“感知力”的探讨。他认为，艺术家的首要任务不是“表达”，而是“接收”。如何训练自己的眼睛和耳朵去捕捉那些常人忽略的细节、光影的变化、声音的纹理，才是艺术修养的基石。书中列举了许多日常训练方法，比如只用一种颜色观察世界一整天，或者尝试用非惯用手进行速写等等，这些练习看似简单，实则极大地激活了大脑中沉睡的感官区域。对于我这种经常陷入思维定势的创作者来说，这种打破常规感官习惯的引导是无比宝贵的。它告诉我，艺术的深度，往往源于对世界的感知深度，而这种深度需要日复一日的、近乎苦修般的训练。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我对艺术创作过程理解的一扇全新的窗户。作者的笔触细腻入微，他没有过多地纠缠于那些晦涩难懂的艺术理论，而是将焦点放在了艺术家内在世界的构建与锤炼上。我特别喜欢其中关于“灵感枯竭期”的描述，那种挣扎、那种自我怀疑，被描绘得淋漓尽致，让人仿佛身临其境。书中提供了一系列非常具体、可操作的日常习惯和思维模式的调整建议，这些建议不是那种空洞的口号，而是基于多年实践总结出来的金玉良言。比如，如何通过固定时间的冥想来清理思绪的“杂音”，如何将日常生活中的观察转化为创作的“素材库”，还有如何与外界评价保持健康的距离，确保内心的声音不被外界的喧嚣所淹没。读完这些章节，我感到自己不仅仅是增加了一些“技巧”，更是重塑了一种面对创作的整体态度——一种既谦卑又坚定的专业精神。对于任何试图将艺术视为终身事业的人来说，这绝对是一本值得反复研读的案头书，它教会我们，技艺可以学习，但真正的“修养”是一场漫长而深刻的自我对话。