中国歌剧史(上下) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

《中国歌剧史》编委会 著

图书标签:

• 中国歌剧
• 歌剧史
• 音乐史
• 文化艺术
• 戏曲
• 中国音乐
• 艺术史
• 历史
• 文化
• 表演艺术

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503951206

商品编码：1077706744

出版时间：2012-05-01

作  者:《中国歌剧史》编委会 著作 定  价:188 出 版 社:文化艺术出版社 出版日期:2012年05月01日 装  帧:平装 ISBN:9787503951206 ●序
●引言
●上编  中国歌剧在探索中诞生(1920―1949)
●  中国歌剧探索自己的路
●  国人初识西洋歌剧
●一、西洋歌剧初入国门
●二、西洋歌剧未能落地生根
●第二节  中国歌剧的萌芽――儿童歌舞剧
●一、从学堂乐歌到儿童歌舞剧
●二、黎锦晖和《麻雀与小孩》等儿童歌舞剧
●第三节  中国歌剧初期的探索
●一、阎述诗独创的抒情歌剧/《高山流水》/《风雨之夜》
●二、上海早期的三部探索性歌剧/《王昭君》/《扬子江暴风雨》/《西施》
●三、中央苏区的小调剧/《亡国恨》
●四、歌舞之乡――新疆的民族歌剧
●第二章  抗战时期的歌剧活动
●  延安的歌剧活动
●一、“鲁艺”――新歌剧的摇篮/《农村曲》/《军民进行曲》/《异国之秋》
●二、西北文工团的《塞北黄昏》
●第二节  华北敌后抗日根据地的歌剧活动
●部分目录

内容简介

暂无

书籍简介：探寻中国音乐的悠久脉络与时代回响 书名： 《东方乐章：中国古代音乐文化研究》 作者： 史文博 出版社： 华夏文化出版社 出版年份： 2023年 --- 卷一：上古洪荒：乐舞的起源与精神图腾 本书旨在对中国古代音乐文化进行一次系统而深入的考古式梳理，聚焦于先秦至魏晋南北朝这一漫长而关键的历史时期。我们力求在浩瀚的史料与出土文物中，重构出中华民族早期音乐精神的完整面貌。 第一章：神话时代的乐音与祭祀 本章追溯了音乐在远古蒙昧时期如何从劳动号子、自然模仿（如风声、鸟鸣）中诞生，并迅速融入到部落的祭祀活动中。《山海经》中的片段、黄帝时代“云门大卷”的传说，无不暗示了音乐在早期社会结构中作为沟通天地、维系群体精神的核心地位。我们将重点分析乐器雏形的演变——陶埙、骨笛的考古发现，以及它们如何从实用工具升华为具有仪式意义的器物。此处探讨的重点并非后世的成熟乐制，而是早期声音与情感的原始关联。 第二章：周代礼乐制度的构建与形制 周朝确立的“礼乐制度”是中国古代音乐史上里程碑式的事件。本章详尽考察了《周礼》《礼记》中对雅乐、变声、雅乐之器的详细记载。我们深入剖析了“中正平和”的音乐理念如何被纳入统治阶级的意识形态，成为区分等级、维护宗法秩序的工具。重点分析了编钟、编磬的制作工艺及其音律体系（如十二律、五音六律），通过对出土青铜礼器的测量分析，还原彼时宫廷雅乐的声学特征，并探讨其在不同朝代间的流变与恪守。 第三章：春秋战国的百家争鸣与音乐思潮 春秋战国时期，社会剧烈变革，音乐思想也随之活跃起来。孔子“乐而不淫，哀而不伤”的音乐伦理，成为后世儒家音乐观的基石。本章对比分析了儒家、道家（如庄子的“自然之音”）、墨家（对靡靡之音的批判）在音乐本质、功用上的不同见解。同时，我们将目光投向民间艺术的勃兴，如楚辞中的歌舞意象，以及琴瑟在士大夫阶层中的普及，展示了音乐从庙堂走向文人内心的过程。 第四章：秦汉的统一与“声之大观” 秦朝的短暂统一并未磨灭六国音乐的痕迹，反而催生了更宏大的声乐体系。汉代，宫廷音乐机构如太常寺的职能得到强化，雅乐的规模空前盛大。本章集中研究了汉代乐舞的形态，包括“百戏”的出现，以及对民间乐舞的吸收与规范。对“相和歌”、“盘鼓舞”等重要乐舞的文献记录进行细致考证，并结合汉画像石中的乐伎形象，复原汉代宴饮与祭祀场面的听觉与视觉场景。 卷二：魏晋风度：艺术的自觉与音律的探求 魏晋南北朝是中国思想、艺术最为活跃的时期之一，音乐也挣脱了部分礼制的束缚，向着更注重个人情感表达的方向发展。 第五章：玄学思潮下的音乐审美转向 “竹林七贤”及其代表的玄学思潮，对音乐审美的核心主题产生了决定性影响。曹植、嵇康、阮籍等人的音乐实践，标志着音乐从社会功能向个体精神慰藉的深刻转移。本章细致分析了“嵇康对竹林七贤之音的评论”，探讨“越调”等新声部的出现，以及士人对“清微淡远”之音的追求，如何为后世的文人音乐确立了新的美学范式。 第六章：佛教音乐的东渐与本土化 佛教自东汉传入后，在魏晋南北朝得到了快速发展。本章考察了佛教的梵呗、变文等音乐形式如何与本土的经文诵读、民间曲调相结合。我们探讨了石窟壁画中描绘的乐伎形象与乐器配置（如琵琶、箜篌的早期形制），分析了这些异域音乐元素是如何被中国传统音律系统逐渐同化和改造的过程，为后世的佛曲发展奠定了基础。 第七章：北方游牧民族音乐的交融与影响 魏晋南北朝的民族大迁徙与政权更迭，带来了北方游牧民族（如匈奴、鲜卑）音乐的渗透。本章侧重于分析胡乐在歌舞、器乐（如筚篥、羯鼓）上的影响，以及南朝宫廷对胡乐的接受与排斥心理。这种南北音乐的碰撞与融合，孕育了隋唐盛世音乐繁荣的潜在动力，是理解中国音乐史不可或缺的一环。 第八章：乐律学的精微：从“三分损益”到“七均” 本章是全书的理论支柱之一。我们系统梳理了这一时期在音律学上的重要进展，如裴铏、何承天等学者对律制的严谨研究与修正。重点剖析了“十二律”的精确确定过程，以及对“宫调”系统理论的完善，这些理论成果不仅为隋唐燕乐的建立提供了坚实的数理基础，也展现了古代士人对宇宙和谐与声学规律的深刻洞察力。 结语：千载回响 《东方乐章》并非一部音乐流派的简单罗列，而是试图通过对音乐制度、思想思潮、乐器形制的深入剖析，展现中国古代音乐在其数千年发展历程中，如何作为民族精神的载体、政治伦理的工具、以及个体情感的抒发口，形成其独特的、与西方体系迥异的审美图景与文化地位。本书以严谨的考据和开阔的视野，为读者打开了一扇通往古代中国声音世界的窗口。

评分☆☆☆☆☆

这本关于中国歌剧历史的鸿篇巨制，厚重得让人不敢轻易翻开，但一旦沉浸其中，那种被历史洪流裹挟的震撼感便油然而生。作者的笔触如同精密的考古发掘，将那些湮没在时代尘埃中的早期声腔、民间戏曲的种子，一点点从泥土中拂拭干净，呈现在我们眼前。我尤其欣赏它对“中国歌剧”这一概念界定的审慎与包容。它并未急于将近现代的西化声乐技巧硬性植入传统叙事，而是细致描摹了不同历史阶段，传统戏曲（如京剧、昆曲的改良尝试）与外来歌剧形式如何在中国土壤上进行痛苦而又充满创造力的“混血”过程。阅读过程中，我仿佛置身于二十世纪上半叶的舞台幕后，耳边充斥着中西乐器激烈碰撞出的火花，感受着知识分子在民族危亡之际，试图用“新歌剧”来唤醒民众的迫切心情。书中对早期歌剧团体的运作、剧目创作的题材选择，乃至舞台美术的革新，都有非常详实的考据，这使得它不仅仅是一部艺术史，更是一部活生生的近现代中国社会变迁史的侧影。对于那些对中国近现代艺术思潮感兴趣的读者来说，这本书提供了坚实而可靠的学术基石。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的戏曲爱好者的角度来看，这本书最让我感到惊艳的，是它对“声腔本体”的深入剖析。它并没有满足于梳理歌剧的“剧作”层面，而是花费大量笔墨去探讨中国传统声乐体系——无论是板眼、韵白还是腔调的转折——如何被借鉴、被解构，并最终融入到“歌剧”这种外来体裁之中。比如书中对不同地区美声唱法与地方声腔在融合过程中产生的“张力”的描述，简直是入木三分。它揭示了一个核心矛盾：如何既要达到歌剧要求的统一审美标准，又不能割裂地域文化千百年积淀下来的独特“韵味”。很多我们今天听起来“理所当然”的中国歌剧唱法，其背后的争论和摸索过程，在这本书里被还原得淋漓尽致。这让我对舞台上那些看似轻描淡写的换气、转音，有了更深层次的敬意，因为那是几代艺术家在文化身份认同的十字路口上，用血汗换来的艺术突破。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计和纸张质感本身就透露着一种对历史的敬畏感，沉甸甸的，非常适合收藏。但比起外在形式，更让我赞叹的是它在学术视野上的广阔。它没有将“中国歌剧”仅仅局限在官方剧院的舞台上，而是将视野放得极远，从早期的民间戏剧改良运动，到留学海外的音乐家的回国献身，再到各个革命根据地的“田头歌剧”实践，甚至是文革时期特定样板戏的“模式化”探讨，作者都给予了足够的篇幅和客观的评价。这种全景式的扫描，使得“中国歌剧”不再是一个孤立的艺术门类，而是与整个民族的社会结构、教育普及、意识形态变迁紧密缠绕的复杂有机体。对我来说，它像是一张宏伟的年谱，上面标注的不仅是剧目的首演日期，更是时代脉搏的每一次跳动，让我对这门“舶来”艺术在中国土地上生根发芽的全过程，有了前所未有的清晰认知。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，初读这套书时，我被其详尽的注释和引文吓到了，它无疑是一部严谨的学术著作。但随着阅读的深入，我发现作者在处理那些复杂的历史档案和文献时，展现出惊人的叙事技巧。他不是简单地罗列史料，而是将这些史料编织成一张巨大而精密的网，引导读者去观察艺术思潮是如何受到政治气候、教育体系乃至国际交流的影响而产生涟漪的。特别是在介绍改革开放后，中国歌剧如何重新拥抱世界，并在吸收西方当代音乐语汇的同时，重新聚焦于中国本土叙事母题时，那种“走出去又走回来”的文化自信，被作者描绘得极具感染力。这本书的价值远超艺术史范畴，它提供了一个观察中国如何在现代性浪潮中，努力保持自身文化主体性的绝佳案例。它要求读者投入时间，但给予的回报是深刻而多维的理解。

评分☆☆☆☆☆

读完后我最大的感受是，这套书的叙事节奏掌控得极为高明。它没有采用那种平铺直叙、流水账式的编年史写法，反而像一部跌宕起伏的史诗，时而聚焦于某个关键人物的命运转折，时而将镜头拉远，展现整个流派的兴衰荣辱。上卷的压抑与探索，下卷的爆发与定型，那种情绪的张弛拿捏得恰到好处。特别是谈到新中国成立后，国家意志如何深刻影响歌剧的题材与美学风格时，作者的分析显得尤为冷静克制，既肯定了特定历史时期在普及和推广歌剧艺术方面取得的成就，也委婉地指出了艺术创作在集体主义框架下所受到的某种程度的自我设限。我喜欢它在描述具体剧目时所采用的文学性语言，没有过度使用晦涩的专业术语，使得即使是初次接触歌剧理论的爱好者，也能通过文字想象出舞台上的宏大场景和人物的内心挣扎。这本书的价值，在于它成功地搭建起一座沟通学术深度与大众可读性之间的桥梁，让人在吸收知识的同时，也能获得阅读文学名著般的享受。