西方芭蕾舞与现代舞简史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

傅小凡，卢莉蓉 著

图书标签:

• 芭蕾舞史
• 现代舞史
• 西方舞蹈
• 舞蹈史
• 舞蹈文化
• 舞蹈艺术
• 舞蹈发展
• 芭蕾
• 现代舞
• 舞蹈简史

出版社： 厦门大学出版社

ISBN：9787561532461

版次：1

商品编码：10841518

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-03-01

用纸：胶版纸

页数：182

字数：205000

正文语种：中文

内容简介

芭蕾舞的起源，无疑与欧洲的文艺复兴密切相关。历史学家一般认为，中世纪的前半部分（大约从公元400年到1000年）是所谓“黑暗时代”，而以后的大约四五百年是所谓“中世纪晚期”。众所周知，文艺复兴大约在公元1350年起源于意大利，1450年始于法国，1500年出现于英国。文艺复兴的兴起，标志着中世纪社会向现代社会的转换。“复兴”的意思是“再生”，而“文艺复兴”一语则表明，此时欧洲社会对产生于古希腊、罗马的学术、哲学和艺术，再度发生兴趣。

内页插图

目录

第一章 芭蕾舞的起源
一、文艺复兴的影响
二、最初的芭蕾舞剧
三、太阳国王路易十四

第二章 芭蕾舞专业化
一、芭蕾舞专业化趋势
二、芭蕾舞的早期明星
三、专业舞蹈团的建立
四、诺瓦利的芭蕾改革
五、法国大革命的影响

第三章 芭蕾舞的黄金时代
一、芭蕾舞的继续变革
二、芭蕾舞的浪漫主义
三、芭蕾舞的衰落

第四章 丹麦与俄罗斯
一、丹麦的芭蕾舞
二、俄罗斯的芭蕾舞

第五章 现代舞的挑战
一、现代舞的特征
二、现代舞的先驱
三、现代舞的开创

第六章 现代舞的发展
一、鲁茨·圣·丹尼斯与泰德·肖恩
二、玛塔·格拉汉姆
三、道瑞斯·休姆弗瑞
四、查尔斯·魏德曼
五、鲁道夫·冯·拉邦
六、麦瑞·魏格曼
七、其他早期现代舞蹈家
八、20世纪中叶的现代舞

第七章 芭蕾舞的革新
一、米歇尔·福金尼
二、色尔格·戴格希里夫
三、瓦斯拉夫·尼金斯基
四、安娜·巴甫洛娃
五、列昂尼德·马西尼
六、布朗尼斯拉娃·尼金斯卡
七、乔治·巴兰契尼

第八章 美国的俄罗斯芭蕾
一、外国芭蕾舞的巡回演出
二、纽约市芭蕾舞团
三、芭蕾舞剧院
四、蒙特·卡罗俄罗斯芭蕾舞团
五、这段时期的美国编导

第九章 美国的现代芭蕾舞
一、美国现代芭蕾舞概况
二、纽约市芭蕾舞团
三、巴兰契尼之后的新时期
四、美国芭蕾舞剧院
五、乔福瑞和哈克尼斯芭蕾舞团．
六、小型芭蕾舞团
七、美国其他芭蕾舞团

第十章 欧洲的现代芭蕾舞
一、俄罗斯
二、大不列颠
三、其他主要的欧洲剧团
四、欧洲及其他国家芭蕾舞团
五、加拿大的芭蕾舞

第十一章 现代舞的今天
一、现代舞的发展趋势
二、新试验主义的内容

第十二章 现代舞蹈家和编导
一、20世纪中期有建树的现代舞蹈家
二、20世纪中期以后有建树的现代舞蹈家
三、20世纪中后期有建树的现代舞蹈家

第十三章 前卫派舞蹈的趋势
一、即兴表演
二、前卫派舞蹈家
三、前卫派现代舞蹈团

第十四章 20世纪80年代的变化
一、编导方法的变化
二、舞蹈表演空间的变化
三、管理方法的革新
四、与芭蕾舞关系的改善
插图索引
后记

精彩书摘

第一章 芭蕾舞的起源
“芭蕾”这个词本是法语“ballet”的音译，而整套的芭蕾术语也都是用法语表达的。不过，“ballet”的词源则是意大利语“ballo”和由此发展而来的小词“balletto”意为“跳”或“跳舞”，其最初的意思只是跳某种样式的舞蹈，并无特别的戏剧内涵。所谓“跳”，当然指的是以腿、脚为运动部位的动作，这就为我们生动具体地刻画出西方舞蹈大多以“足蹈”为主的动态特征，并与东方舞蹈大多以“手舞”为重的动作特点相映成趣。如果说“ballo”指的是一种由民众自编、自演、自娱，且风格天真、自然、纯朴，常表演于露天广场，充满了乡土气息的民间舞蹈，那么“芭蕾”则是一种经过宫廷的职业舞蹈家提炼加工、高度程式化之后，洋溢着贵族气派的剧场舞蹈。
芭蕾舞的起源，无疑与欧洲的文艺复兴密切相关。历史学家一般认为，中世纪的前半部分（大约从公元400年到1000年）是所谓“黑暗时代”，而以后的大约四五百年是所谓“中世纪晚期”。众所周知，文艺复兴大约在公元1350年起源于意大利，1450年始于法国，1500年出现于英国。文艺复兴的兴起，标志着中世纪社会向现代社会的转换。“复兴”的意思是“再生”，而“文艺复兴”一语则表明，此时欧洲社会对产生于古希腊、罗马的学术、哲学和艺术，再度发生兴趣。“文艺复兴”绝不仅仅指文艺领域，它还更广泛地包括了思想与表达的新的自由，更合理更科学的生活观，以及商业的扩张和跨越整个欧洲的旅行。
……

前言/序言

好的，这是一份关于《东方古典舞蹈的演变与民族风格探析》的图书简介，内容详实，力求自然流畅： --- 《东方古典舞蹈的演变与民族风格探析》 书籍简介 本书以恢弘的视角，深入梳理了亚洲大陆上多个主要文明体系中古典舞蹈艺术的漫长历史轨迹与独特的审美哲学。它并非对单一地域舞蹈形式的浅尝辄止，而是致力于构建一个跨越地域、融合文化的大型比较研究框架，旨在揭示东方古典舞蹈在不同历史阶段如何应对社会变迁、宗教信仰和宫廷礼仪，最终形成其独树一帜的身体语言和精神内核。 第一部分：文明的摇篮与舞蹈的初生（公元前至公元五世纪） 本部分聚焦于古典舞蹈体系尚未完全定型，仍处于神话、宗教仪式与早期宫廷娱乐交织的萌芽阶段。 第一章：印度河流域的“湿婆之舞”——古典叙事与手印的起源 详细考察了印度次大陆上，从吠陀时代到笈多王朝早期，舞蹈作为宗教仪轨和神话转述的核心作用。重点分析了《博伽梵往世书》等早期文本中对舞蹈姿态的记载，以及婆罗多 नाट्य沙斯特罗（Natya Shastra）的早期雏形如何奠定南亚古典舞蹈中“眼、手、身、步”四位一体的表达基础。本章特别关注舞蹈如何从单一的祭祀行为，逐步演化为复杂的情感叙事工具。 第二章：黄河流域的雅乐遗风——周代礼制与“成序”之美 我们将目光投向东亚。本章追溯了中国早期舞蹈与政治哲学的紧密结合。重点剖析周代“雅乐”体系中，舞蹈如何被纳入严格的宗法礼制之中，成为“礼”的具象化体现。探讨了“佾舞”制度的等级划分及其象征意义，分析了此时期舞蹈“中正平和”、“动静有序”的美学追求如何影响后世东亚古典舞蹈的形体规范。 第三章：中亚丝路上的融合之光——犍陀罗美学对舞蹈服饰与造型的影响 探讨了自亚历山大东征后，中亚地区成为文化十字路口的关键作用。分析了希腊化艺术元素如何通过犍陀罗艺术，潜移默化地影响了沿线地区的舞蹈服饰、头饰以及人体造型的写实程度，为后来的敦煌壁画中的飞天形象提供了重要的视觉参照。 第二部分：高峰与体系的成熟（公元六世纪至十四世纪） 此阶段是各大东方古典舞蹈体系完成其理论构建和风格定型的黄金时期。 第四章：盛唐气象下的“胡旋”与“霓裳”——多元文化对东亚舞蹈的拓宽 深入分析唐代宫廷舞蹈的空前繁荣及其开放性。重点研究了源自西域的“胡旋舞”所带来的节奏变化和技巧革新，以及由皇帝和宫廷乐师主导的“霓裳羽衣曲”如何将宗教、道家思想与民间叙事融合，创造出高度程式化的“仙乐舞”。 第五章：爪哇岛的“化身”叙事——印度教-佛教影响下的皮影与古典宫廷舞 聚焦于东南亚的岛屿文明。本章详细考察了印尼爪哇岛和巴厘岛古典舞蹈（如爪哇古典舞和巴厘古典舞）的形成。着重分析了印度史诗《罗摩衍那》如何被高度提炼和程式化，并与当地的自然崇拜相结合，形成了其独特的关节反弓、眼神细微变化的表演技术。 第六章：日本“雅乐”中的“伎”（Gagaku Mai）——对中国舞蹈遗产的吸收与内化 考察日本奈良和平安时代的舞蹈艺术。本章探讨了中国及朝鲜半岛传入的“雅乐”在本土化过程中如何被保留下来，形成了具有静谧、克制特点的“舞”（Mai）的形式。重点辨析了与宗教仪式深度绑定的“神乐”与宫廷“雅乐舞”在动作语汇上的区别与联系。 第三部分：地域风格的固化与精炼（公元十五世纪至今） 本部分探讨古典舞蹈在区域内如何应对政治集权、民族意识的兴起，并最终形成我们今天所熟知的稳定形态。 第七章：莫卧儿的“镜花水月”——印度古典舞（卡塔克与婆罗多舞）的流派分野 详细分析了在莫卧儿帝国时期，受宫廷 patronage 影响，南印度古典舞蹈体系如何进一步分化。重点剖析了北方卡塔克舞（Kathak）吸收了波斯和伊斯兰文化元素后，在旋转技巧和节奏表达上的突破，以及它与南方婆罗多舞（Bharatanatyam）在叙事侧重上的差异。 第八章：日本“歌舞伎”的诞生——从“能”到“文”（Bunnraku）的审美转向 探讨了从较为内敛的“能乐”（Noh）向更具大众性的“歌舞伎”（Kabuki）过渡的关键时期。分析了歌舞伎如何通过夸张的“见得”动作、复杂的服装以及对武士道精神的演绎，确立了其独特的舞台美学，并使其成为江户时代市民文化的重要组成部分。 第九章：明清戏曲的巅峰——昆曲中的“水袖”与“做派” 专注于中国戏曲的集大成者——昆曲。本章详尽分析了昆曲舞蹈语汇中“一出手，一抬足”的严格规范，特别是对水袖（长袖）这一道具的运用，如何将原本的功能性动作转化为高度凝练的象征性表达，并探讨其在清代宫廷和文人阶层中的传播与衰落。 结语：永恒的身体、流动的历史 本书最后总结了东方古典舞蹈体系的共同特征：对“内在精神”的强调而非纯粹的“外在技巧展示”；对时间节奏（节奏感与停顿）的精妙控制；以及舞蹈与诗歌、音乐、哲学不可分割的整体性。它旨在为读者提供一个理解东方美学体系的独特视角，即身体本身就是一部流动的、活态的历史典籍。 --- 核心特色： 宏观比较框架： 不局限于单一文化圈，将印度、中亚、东亚（中国、日本、东南亚）的古典舞蹈进行体系对比。 文化交融视角： 强调历史进程中，宗教信仰、政治权力对舞蹈形态的塑造作用。 深入的动作分析： 侧重于程式化符号（如手印、水袖、眼神）背后的哲学含义。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字着实吸引人，我是在图书馆的艺术类书架上偶然瞥见的，那封面设计，那种古典与现代交织的视觉冲击力，一下子就抓住了我的眼球。我一直对舞蹈艺术抱有浓厚的兴趣，尤其是那种肢体语言所能表达出的复杂情感和深刻哲思。在翻阅其他舞蹈相关的书籍时，常常会觉得内容过于集中在某一个特定流派或者某一位大师的生平传记上，缺乏一种宏观的、具有清晰脉络的梳理。我期待的是能有一部作品，能够清晰地勾勒出从那个以优雅和严谨著称的古典美学体系，到后来一切规则被打破、自由精神蓬勃发展的现代舞浪潮之间的演变路径。尤其想知道，西方艺术思潮是如何一步步渗透并重塑了舞台上舞者的身体语言，那些看似随意的、甚至有些“反美学”的动作，背后蕴含着怎样深刻的时代精神和对既有规范的反叛。这本书的书名暗示的正是这样一种跨越时空的对话，我希望它能提供一种清晰的叙事框架，让我能够理解，那些舞步的细微变化，是如何映射出社会结构和审美趣味的巨大变迁。

评分☆☆☆☆☆

我对艺术史的阅读偏好是“大历史观”下的细节挖掘。我希望这本书不仅仅是欧洲或美国核心地区的舞蹈发展记录，而是能将目光放得更远一些。比如，在古典芭蕾鼎盛时期，亚洲地区是如何“接收”和“转译”这种外来艺术形式的？现代舞在二战后扩散到世界各地，它在不同文化土壤上结出了哪些意想不到的果实？一本书的价值往往体现在它如何处理“中心”与“边缘”的关系。我期待看到作者如何将这些看似孤立的舞蹈流派，放入一个更广阔的全球化文化交流的背景下去考察。如果这本书能够触及到跨文化语境下的舞蹈实践，探讨当西方艺术语汇与本土叙事结合时所产生的张力和融合，那将极大地拓宽我对舞蹈艺术的理解边界。我需要的是一部能够引领我进行深度思考，而不是仅仅提供知识点的作品。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了研究艺术史中那些“断裂点”，就是那些审美范式突然发生倾覆和重构的关键时刻。就舞蹈而言，那种从追求完美形态到拥抱真实人性的转变，无疑是二十世纪最引人入胜的篇章之一。我一直在寻找一本能够深入剖析这种“断裂”过程的书，而不仅仅是罗列事件。我希望这本书能详细阐述，那些早期的先驱者，比如邓肯或者格雷厄姆，她们是如何在身体训练、音乐选择乃至服装形制上做出颠覆性的尝试。更重要的是，我想了解，支撑这些艺术变革的哲学基础是什么？是尼采对酒神精神的推崇，还是弗洛伊德对潜意识的探索？如果一本书能将舞台上的光影、音乐的节奏与当时的社会思潮，比如工业化带来的疏离感、两次世界大战后的精神创伤等因素，进行精妙的穿针引线，那就太有价值了。我尤其关注“现代舞”这个概念是如何在欧洲大陆和北美洲各自发展出不同的侧重点和美学取向的，这种地域性的差异性，往往是理解艺术全球化进程的关键。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的舞蹈爱好者，我最大的困惑在于对“技术”的理解。对于古典芭蕾，那些精确的开、绷、直、立，其背后蕴含的数学般的精准度和极端的身体控制，是肉眼可见的严苛。但转向现代舞时，那种强调重力、地面接触、呼吸驱动的动作，反而让人觉得难以捉摸，似乎失去了可量化的标准。我渴望这本书能为我搭建一座理解这两种截然不同技术哲学的桥梁。这本书的书名暗示了它将对这两种美学体系进行并置和比较，我非常期待看到作者如何界定“古典的本质”与“现代的解放”之间的关系。是简单的对立，还是相互渗透、互相成就的辩证关系？例如，现代舞的某些训练方法是否反过来丰富了当代芭蕾的语汇？如果书中能提供清晰的动作解析，用文字描摹出那些从脚尖到头顶，在不同流派中如何被处理和表达的，那就太棒了。

评分☆☆☆☆☆

我最近在看一些关于身体政治学的论文，深觉舞台上的身体从来都不是中立的。它承载着权力、性别规范和社会期待。西方古典芭蕾，自其诞生之初，就与宫廷文化和贵族审美紧密绑定，其对女性身体的塑造，常常是“轻盈”、“超凡脱俗”、“拒绝大地”的极致体现。我希望这本书能在探讨芭蕾史时，能有意识地去审视这种“理想化”身体背后的意识形态。而当现代舞兴起时，它是否真正实现了身体的“解放”？还是说，它只是用另一种方式，比如对“原始性”、“自然性”的追求，构建了新的审美枷锁？我特别关注，在不同的历史时期，舞者（尤其是女性舞者）是如何通过自己的身体，对既定的社会角色进行抵抗或妥协的。如果这本书能提供一些深入的、批判性的视角来分析这些身体背后的权力运作，那它就远超了一本简单的舞蹈史指南的范畴。

评分☆☆☆☆☆

世界舞蹈艺术赏u析

评分☆☆☆☆☆

爱上沙拉：前菜·主菜·附菜

评分☆☆☆☆☆

西方芭蕾舞与现代舞简好

评分☆☆☆☆☆

第八章

评分☆☆☆☆☆

中国艺术漫谈：中国舞蹈艺术品味

评分☆☆☆☆☆

中国艺术史话.10S：舞蹈艺术（上）

评分☆☆☆☆☆

1条

评分☆☆☆☆☆

三、专业舞蹈团的建立

评分☆☆☆☆☆

0条