中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷二） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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北京戏曲评论学会 编

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• 京剧
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• 流派
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• 文化艺术
• 戏曲剧本
• 表演艺术
• 舞台艺术

出版社： 中国文史出版社

ISBN：9787503486548

版次：1

商品编码：12131070

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-01-01

用纸：胶版纸

页数：458

字数：434000

正文语种：中文

内容简介

　　百年京剧，华彩铿锵。荟萃经典，国韵流芳。京剧艺术，是传统文化精致的载体，是民族精神凝练的展现。中国文史出版社秉持传承中华经典、弘扬民族文化的出版理念，邀请国内一流专家学者，将两百年间传唱不衰的京剧传统剧目汇编成卷，辅以生动有趣的赏析文字，让广大读者全面、立体地了解国粹艺术之精华。《中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷二）》收录《四进士》《失街亭·空城计·斩马谡》《红拂传》《红楼二尤》《红娘》《李逵探母》《扫松下书》《托兆碰碑》《西施》《西厢记》《将相和》等11部经典剧本及相关赏析文章。

目录

四进士
失街亭·空城计·斩马谡
红拂传
红楼二尤
红娘
李逵探母
扫松下书
托兆碰碑
西施
西厢记
将相和
编后记

中国戏曲史话：从南戏到昆曲的流变与演进 本书聚焦于中国戏曲在唐宋元明清五个主要历史时期的发展脉络，以深入的学术视角和生动的叙事方式，梳理了戏曲艺术从萌芽、成熟到鼎盛的复杂历程。它旨在为读者构建一个宏大而精微的中国戏曲发展全景图，重点探讨了不同历史阶段的代表性剧种、关键的文人和艺人，以及社会文化对戏曲形式与内容产生的深刻影响。 第一部分：戏曲的童年与曙光——唐宋时期的雏形 本书首先回溯至戏曲的源头，详细考察了唐代的参军戏、踏歌以及宋代的百戏在戏曲形成过程中的作用。重点分析了宋代市民阶层的崛起如何催生了瓦舍勾栏这一新兴的娱乐场所，这为后世戏曲艺术的专业化发展提供了土壤。 南戏的诞生与初步成熟： 详细阐述了中国现存最早、最成熟的戏曲形式——南戏（温州戏）的起源、早期剧目特点和表演风格。通过对《琵琶记》等早期经典文本的剖析，揭示了南戏在结构、角色划分和唱腔系统上奠定的基础，标志着中国戏曲正式成为一种独立的综合性舞台艺术。 宋杂剧的兴衰： 对比分析了南戏与主要在北方流行的宋杂剧（如“杂剧四段”）在地域风格、音乐体系上的差异与联系，考察了金元之际北方文化变迁对戏剧生态的影响。 第二部分：元曲的黄金时代——汉宫秋与西厢记的巅峰 本书将大量篇幅献给被誉为中国古典戏曲高峰的元杂剧。这一部分不仅细致考察了元代蒙古统治下社会结构对文人创作心态的影响，更深入解析了关汉卿、白朴、马致远、郑光祖等“元曲四大家”的艺术成就及其流派特色。 结构与叙事艺术： 探讨了元杂剧“一折一曲”的独特结构如何服务于叙事的高潮迭起，分析了“正末领唱”的表演规范对角色塑造的制约与解放。 经典剧目的深度解读： 对《窦娥冤》中蕴含的社会批判精神、《汉宫秋》中对历史悲剧的艺术提炼，以及《西厢记》中对个性解放的歌颂，进行了细致的文本细读，阐明了它们何以成为后世戏曲学习的典范。 北曲的音乐特点： 详述了元杂剧主要采用的北曲系统（如散曲）在板式运用、曲牌选择上的成熟规范，及其对后世戏曲音乐系统的深远影响。 第三部分：昆曲的雅化与繁荣——明清时期的精致转型 本卷重点分析了从元末到明清时期，以昆山腔为核心的昆曲如何从民间走向士大夫阶层，完成了一次深刻的“美学升华”。 从“散曲”到“套数”的革命： 详尽描述了魏良辅等人如何通过声腔的改造和音乐体系的整合，将昆曲塑造成一种极度典雅、注重“水磨腔”细腻婉转的艺术形式。 文人戏的崛起： 考察了以汤显祖为代表的文人剧作家如何将文学性推向极致，分析《牡丹亭》中对“情”的极致描绘如何反映了晚明社会思潮的转变。 表演艺术的精细化： 探讨了明清时期在传奇体制下，对科道（做功）、手眼身法步等舞台技术的严格要求，这些规范构成了后世戏曲舞台表演的基本范式。 第四部分：地方戏的兴起与融合——清代中后期的多元发展 本书的最后一部分，关注清代中期以后，以花部为代表的地方戏（如徽州、弋阳腔系）如何挑战昆曲的统治地位，推动了中国戏曲的通俗化和地域化进程。 “花部乱弹”的冲击： 分析了以徽班为代表的地方声腔如何吸收民间曲调和口语元素，形成了更具感染力和生命力的表演体系。 声腔体系的张力： 探讨了昆曲的“雅”与花部的“俗”之间的长期竞争与相互借鉴，为晚清京剧的最终形成奠定了声腔基础和剧目来源。 本书特色： 本书摒弃了简单的剧目罗列，而是将历史、社会、文人创作与音乐技术视为一个不可分割的整体进行研究。它侧重于分析艺术形式的“为什么发生改变”，而非仅仅描述“发生了什么”，旨在揭示中国戏曲艺术在不同历史语境下所展现的强大的适应性、创新力和审美深度。阅读本书，读者将能清晰把握中国戏曲如何一步步演化为我们今天所熟知的综合艺术形态，并理解奠定其核心美学价值的深层原因。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于京剧流派的书籍很多，但真正能兼顾“经典性”、“流派性”和“系统性”的却凤毛麟角。这本书给我的整体感觉是，它像一本精心准备的武功秘籍，每一个章节都对应着一个不同的门派，而《流派剧目卷二》恰好聚焦于那些既有深厚基础又极具个人特色的艺术高峰。它对剧目“汇编”的定义，已经远远超出了“选集”的范畴，更像是一种对流派艺术精髓的“提炼”与“总结”。 我个人对京剧的“韵味”和“腔调”极其敏感，这本书中对不同流派的行腔特点，比如徐派老生的“靠把”处理，或者张派青衣的“韵味”铺陈，都有非常深入的分析，这种分析是建立在对大量实例剧目深入研究之上的，而非空泛的理论说教。读完后，我感觉自己对京剧艺术的审美标准都有了新的提升，明白了为什么同样一个角色，不同流派的演绎会产生天壤之别。这本书无疑是京剧爱好者、研究者乃至专业演员都应该常备的一部工具书，它所承载的艺术重量，是值得我们细细品味的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这类“汇编”性质的书籍一向抱持着审慎的态度，总担心内容会流于表面，无法深入。然而，这本《中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷二）》彻底颠覆了我的看法。它的深度和广度都达到了一个非常高的水准。我发现它在不同流派的剧目中，穿插了大量关于流派创始人艺术思想的阐述，这绝非简单的剧本抄录。比如说，关于马派老生在“以情带声，以声传情”上的独到见解，书中通过对特定唱段的分析，将其展现得淋漓尽致。 我特别关注了其中关于高派（高庆标）艺术的介绍部分，那些关于“高腔”的音域控制和气息把握的描述，细致到了近乎苛刻的程度，这对于我们这些想学习和模仿的后辈来说，是极其宝贵的财富。它没有直接给出“怎么唱”的公式，而是引导读者去理解“为什么那样唱”，这种启发式的教学方法，远比死记硬背要高明得多。书中的排版也十分考究，繁简对照，注释清晰，使得即便是初次接触这些复杂剧目的人，也能相对顺畅地阅读和理解。这本书的出现，无疑是对京剧“活态传承”理念的最好注脚。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷二）》真是让人眼前一亮，尤其是对于我们这些热爱传统艺术却又苦于缺乏系统学习资料的票友来说，简直是雪中送炭。我拿到书后，立刻被它厚重的质感和精美的装帧吸引住了。虽然我主要关注的是程派青衣的韵味和身段，但翻阅此书时，我发现它在选目上展现了一种广阔的视野，收录了不少其他流派的代表作，这对于拓宽戏路、理解京剧艺术的整体风貌非常有帮助。 我尤其欣赏编者在剧目选择上的独到眼光，他们似乎不仅仅是罗列经典，更是在构建一个流派间的对话空间。比如，其中对荀派《红楼梦》中一些关键唱段的处理和注释，就非常到位，对于理解荀慧生的表演风格和人物塑造的精妙之处，提供了极佳的参考。那些详尽的舞台提示和行腔说明，简直就像有一位经验丰富的老先生在你耳边亲自指导一般，让我这个业余爱好者也能窥见专业门径的奥秘。虽然我个人对麒派艺术涉猎不深，但书中对麒麟童先生的一些经典桥段的介绍，也让我领略到了其“武生之王”的风采，那种气势磅礴的舞台感染力，即便只是在文字中也能感受到一二。这本书的价值，正在于它不仅是剧本的汇编，更像是一部浓缩的京剧艺术史和表演美学指南。

评分☆☆☆☆☆

我最近在尝试整理我父亲留下的一些老录音，发现很多老唱段的细节，仅凭听觉难以捕捉其真谛。当我看到这本《中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷二）》时，我首先想到的就是它能否帮助我填补这些空白。事实证明，它做到了，而且做得非常出色。这本书在对各个流派经典剧目的展示上，做到了既尊重历史脉络，又贴合现代审美的平衡。 我惊喜地发现，它对梅派艺术中“雍容大度”与“内敛含蓄”的结合点有非常精辟的论述。书中对一些高难度的“哭板”或“洒板”的处理方式，通过文字描述出来的画面感极强，让我仿佛能看到梅先生登台时的那种气度。更难得的是，它对不同流派之间的相互影响和借鉴也进行了探讨，比如谭派如何吸收了程派的一些演唱技巧，这种横向的对比分析，极大地提升了本书的学术价值。它不是孤立地看待每一个流派，而是将它们置于整个京剧艺术发展的大背景下去考察，这种宏观视角让人受益匪浅，也让我对京剧的博大精深有了更深刻的认识。

评分☆☆☆☆☆

作为一名舞台美术爱好者，我过去常常觉得文字版的剧目汇编在视觉呈现上总是差了点意思，无法还原舞台的真实魅力。然而，这本《中国京剧经典剧目汇编（流派剧目卷二）》在叙事上巧妙地融入了对舞台调度和服装道具的描述，使得阅读体验变得立体起来。它在介绍如《搜孤 ترا 赠骥》这样的传统正工戏时，对人物的走位和神态的细微变化，描写得栩栩如生，让人联想到剧场里的那个特定瞬间。 特别是它对徽班进京以来，不同时期流派在舞台呈现上的演变，做了一些翔实的记录，这对于研究京剧的“程式化”发展有着不可替代的作用。我特别留意了书中对某些“武戏”段落的解析，那种对武功套路和节奏把控的文字化转译，展现了编者深厚的功底，即便不看舞台表演，也能感受到那种紧张刺激的节奏感和力量的爆发。这本书在保持严肃学术性的同时，并没有牺牲读者的阅读乐趣，它成功地架起了文字与舞台之间的桥梁，让这场流派的盛宴得以在纸面上重现。