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郑乃强 著

图书标签:

• 摄影
• 花卉摄影
• 入门
• 技巧
• 构图
• 光影
• 器材
• 后期
• 数码摄影
• 摄影教学

出版社： 海潮出版社

ISBN：9787515705972

版次：1

商品编码：11464794

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-05-01

用纸：胶版纸

页数：213

内容简介

　　已经讲出的无需再讲，未被讲出的才值得讲！
　　翻看这本《学摄影从拍花开始》的目录，您一定奇怪，为什么看不到光圈、景深？不错，这些时髦的词汇，的确会让您在闲聊中显得很专业，但这些不等于摄影。要想了解摄影，能熟练操作相机是远远不够的。摄影不是无聊时的消遣，不是端起相机按快门的一个动作，它是一门学问，一种思考的方式，一种心境的流露。
　　郑乃强所著的《学摄影从拍花开始》是一本善解人意的书，它明白摄影人最本质的需要；它还是一本“授之以渔”的书，摄影家的眼光和心思会浸染着您，让您在一堆不乏高档的镜头里拍出自我，创造一个新的世界。
　　现在，请抛开那些时髦的术语，真正回归摄影吧！您会发现，这本书多么让人出乎意料，尤其写意摄影部分的照片，都是实拍之作！带上这本书，与您的镜头来一场旅行吧！

作者简介

　　郑乃强，作为一名自然教师，自1983年以来，郑乃强老师经常利用节假日组织学生到野外考察，足迹遍京郊。辅导过的学生完成科技小论文多篇获市、区一等奖，在各类竞赛及市区级话动中多次获一等奖，1999年选送论文《对灵山植物群落多样性的调查》参加全国青少年生物百项活动，获优秀项目沦文全国金奖，等等。还带领全区自然教师深入全国十几个省区的自然保护区进行考察、参观制作标本，九年来已达一千五百人次，制作植物蜡叶标本、昆虫标本、鸟类剥制标本、哺乳动物标本、岩石、矿石、化石标本二万多件，为各自学校自制了珍贵的生物、岩矿标本。

目录

第一章 摄影器材与题材
1．学摄影从读图开始
2．发挥器材的功能美
3．选择拍摄题材
(1)人的生活与植物
(2)园林艺术与植物
(3)动物与植物
第二章 花卉摄影的构图
1．构图的基本概念
(1)摄影画面的形象构成
(2)什么是构图
(3)构图的目的
(4)学习摄影构图的意义
2．突出主体和确定主体位置
(1)将主体安排在画面突出的位置
(2)利用近景和特写突出主体
(3)运用摄影艺术表现技巧和方法突出主体
3．陪体在画面中的作用
(1)帮助强化主体形象的表现
(2)帮助主体呈现更多信息
(3)利用陪体完善画面结构，说明主体
(4)利用陪体营造气氛，形成情节
4．画面前景的作用
(1)视觉引导，突出主体的作用
(2)利用最有特征的部位与主体对比，加强画面内容的概括力
(3)强调画面空问感的作用
(4)利用虚化前景或内容上的对比，使画面更加简洁，突出主体
(5)借景抒情
(6)均衡画面
(7)前景创造意境
5．画面背景的作用
(1)背景能衬托主体的轮廓和形状
(2)背景能抒发空间透视效果
(3)背景能表现主体所处的环境特点
(4)背景空间对画面统一的影响
(5)背景能烘托气氛，丰富主体的内涵
第三章 摄影构图的造型视觉元素
1．形状
(1)三角形结构
(2)圆形结构
(3)形状组合
2．线条
(1)什么叫线条
(2)挖掘线条在摄影中的作用
(3)线条的运用
3．影调
(1)什么是影调
(2)影调在构图中的作用
4．色彩
(1)暖色调
(2)冷色调
(3)和谐色调
(4)低饱和度和谐
(5)对比色调的构成
5．质感
(1)利用不同光线表现质感
(2)运用对比技法表现质感
(3)通过特写和近景表现质感
第四章 摄影构图的形式规律
1．对比
(1)被摄主体与陪体形象大小的对比
(2)被摄主体与陪体的多少对比
(3)画面结构明暗对比
(4)画面由近及远层次分明
(5)画面的色彩对比
2．虚实
(1)实体与实体的虚实关系
(2)实体与空白的关系
(3)虚实处理
3．反差
(1)高反差效果(硬调)
(2)低反差效果(软调)
4．节奏
(1)色块形成节奏
(2)线条形成节奏
(3)物体重复出现形成节奏
(4)花开的不同方向形成节奏
(5)景观的透视形成节奏
(6)点的构成形成节奏
5．均衡
(1)天平式均衡
(2)横幅画面均衡
(3)竖幅画面均衡
(4)均衡与动感
(5)画面中摄影造型元素的布局与均衡的关系
6．藏与露
第五章 微距与近距摄影的表现
1．微距花卉摄影
2．微距摄影与近距摄影
3．将微距镜头当做定焦镜头使用，显示出构图的巨大优势
4．必备的微距摄影器材附件
第六章 利用微距拍荷花
1．微距摄影放大微观世界
2．微距摄影具有别样的视觉冲击力
3．微距摄影应该注意的问题
(1)微距摄影决定物距的因素
(2)确定聚焦点，精确调焦
(3)防止动体虚化
(4)物距与光圈的使用
(5)精细表现细节
(6)利用环境辅助光塑造主体
(7)侧逆光与暗背景使色调丰富
(8)利用隐喻手法，刻画细节，提高艺术表现力
第七章 利用微距和不同焦距镜头拍菊花
1．熟悉花期拍菊花
2．拍摄菊花的器材选择
第八章 怎样拍摄盆景梅花
1．拍摄“盆景流派风格”与盆景形态相结合
2．拍摄梅花盆景，主题是作品的灵魂
(1)大树型
(2)风动式
(3)枯桩型
(4)曲千型
(5)悬崖(垂枝)型
(6)丛林式
(7)骨架型
第九章 怎样拍牡丹
1．在近景和特写中寻找变化，表现情节
2．利用适合的器材拍摄特写镜头
3．利用生物学特性创造影调结构作品
4．利用影调结构展示画面的空间感
5．利用红绿色调对比，突出主体
6．确定主体的同时，利用陪体与之呼应
7．色彩与形式感的表现

前言/序言

《光影织梦：相机里的自然与人文》 序言 在这个快节奏的时代，我们常常被生活的琐碎所裹挟，遗忘了停下脚步，去感受周遭世界的细微之美。当城市霓虹闪烁，钢筋水泥构筑起冰冷的壁垒时，那隐藏在城市边缘、山川河流中的自然景致，以及流淌在街头巷尾、人们面庞上的温暖人文，便成了心灵休憩的港湾。摄影，作为捕捉瞬间、定格情感的艺术，正是通往这个美好世界的钥匙。 本书并非一本教授技巧的书籍，它更像是一位老友的絮语，一位旅人的分享，一位观察者的倾诉。我们不打算教你如何设置光圈、快门，也不打算深入剖析构图的黄金法则。那些精妙的技法，你可以从无数优秀的教程中习得。我们希望通过文字与影像的交织，唤醒你内心深处的感知，让你重新审视那些曾经习以为常的景象，发现隐藏其中的诗意与故事。 本书将带领你一同探索那些触动心弦的瞬间，无论是拂晓时分，晨露沾湿的花瓣上闪烁的光斑；抑或是夕阳西下，余晖洒满大地，勾勒出古老村落的剪影；又或是街头巷尾，孩童纯真的笑脸，老者慈祥的目光，甚至是平凡日子里，一个眼神，一个手势所传递出的深情。我们相信，摄影的魅力，远不止于技术本身，更在于其背后所承载的情感、思考与生命的印记。 这趟旅程，没有预设的终点，只有一路的风景。我们将目光投向广袤的自然，那里有生命顽强的勃发，有四季轮回的韵律，有山川湖海的壮丽，也有草叶尖上的一滴露珠所蕴含的无限生机。同时，我们也将脚步踏入人文的殿堂，那里有城市的脉搏，有乡村的宁静，有市井的烟火，更有隐藏在每一个普通人生命中的不平凡。 或许，当你翻开这本书时，你手中并没有相机；又或许，你刚刚拿起相机，对它充满好奇。无论你是否是一位摄影爱好者，我们都希望这本书能成为你与这个世界对话的桥梁，让你学会用更细腻的视角去观察，用更深沉的情感去体验，用更真挚的心灵去感受。 摄影，不仅仅是按下快门，它是对生活的热爱，是对美学的追求，更是对生命意义的探索。愿这本书能成为你开启这场探索之旅的起点，让你在光影的世界里，找到属于自己的诗与远方。 第一章：晨曦的低语——自然初探 清晨，是一天中最宁静的时刻。当第一缕阳光穿透薄雾，轻柔地唤醒沉睡的大地，万物都仿佛被施了魔法，焕发出别样的生机。这本书，将从这充满希望的晨曦开始，带你走进自然的怀抱。 想象一下，站在一片花海中，露珠在花瓣上晶莹剔透，如同散落的珍珠。朝阳的光线透过花瓣，映照出脉络的精致，色彩也变得更加鲜活。这不是简单的“拍花”，而是感受生命最脆弱却又最顽强的绽放。我们会探索阳光与花瓣的互动，光线如何在叶片上投下斑驳的阴影，水滴如何折射出微缩的彩虹。你会开始注意到，同一朵花，在不同的光线下，会呈现出截然不同的姿态与情绪。 河流，是大地的血脉。清晨的河流，水面平静如镜，映照着天空的湛蓝与岸边的翠绿。你可以尝试捕捉水面荡开的涟漪，它如同时间留下的印记；又或是河岸边缠绕的水草，在微风中轻轻摇曳，诉说着生命的律动。我们将探讨如何用镜头去捕捉水流的动态，是凝固住每一滴水珠的飞溅，还是模糊化一片水面，表现出流动的意境。 山峦，是地球的脊梁。在晨雾中，山峦若隐若现，如同披上了神秘的面纱。你可以尝试寻找那些能够穿透雾气的亮光，它们能为画面增加深度与层次。我们也会讨论，如何通过构图，表现出山峦的巍峨与辽阔，即使是在一片普通的山丘，也能从中挖掘出壮丽的景观。 露珠，微小却完美。在微距的世界里，一片落叶上的露珠，可以成为一个独立的小宇宙。你可以观察露珠如何映照出周围的环境，如何捕捉它表面的张力与光泽。这不是为了追求技术上的完美，而是为了让你体会到，即使是最细微的生命形态，也蕴含着令人惊叹的美丽。 我们会思考，当你在自然中观察时，你的眼睛看到了什么？你的心感受到了什么？是花朵的色彩，还是阳光的温度？是微风的拂过，还是空气的清新？摄影，就是将这些感受，用光影的方式，转化为永恒的画面。这本书，希望你能借由文字的引导，用心去体会，用镜头去记录，那些自然给予我们的，最纯粹的馈赠。 第二章：光影的游戏——明暗之间的艺术 光，是摄影的灵魂。没有光，就没有影像。但光并非单一的存在，它有强度，有方向，有色彩，有温度。明暗的对比，构成了我们视觉的全部。在这个章节，我们将深入探讨光影的奥秘，以及如何在镜头中玩转它们。 让我们从最基础的光线开始——日光。正午的阳光，强烈而直接，常常会让画面显得平淡，甚至产生刺眼的阴影。但我们是否就应该避而远之？并非如此。学会观察正午阳光的特点，也许能让你发现一些意想不到的构图机会。例如，利用强烈的直射光，去突出物体的轮廓，形成戏剧性的剪影；又或者，找到被阳光照亮的局部，让它们在阴影的衬托下，显得格外突出。 散射光，如阴天时的光线，柔和而均匀。它能减少对比度，让细节得到更好的展现。在这种光线下，拍摄人像，往往能获得柔美的肤色；拍摄风光，则能表现出细腻的层次。我们会探讨，如何在这种光线下，寻找那些隐藏在柔和光线中的细节，如何利用浅景深，将主体从背景中分离出来，让画面更加简洁有力。 侧光，是塑造立体感的利器。当光线从侧面照射过来，物体会被一侧照亮，另一侧则会陷入阴影。这种明暗对比，能够极大地增强画面的立体感和质感。无论是拍摄山峦的起伏，还是雕塑的纹理，侧光都能让它们“活”起来。我们将学习如何利用侧光，去勾勒物体的轮廓，去强调物体的表面特征，去营造画面的深度。 逆光，是制造梦幻与神秘的魔法。当光源位于拍摄对象的后方时，光线会穿透物体，形成迷人的轮廓光。花瓣被逆光照亮，会如同剪纸般剔透；人物的发丝在逆光下，会散发出金色的光晕。逆光的使用，需要一些技巧，但一旦掌握，就能为画面增添强烈的艺术感染力。我们会探讨，如何通过控制曝光，保留高光部分的细节，同时让暗部得到适当的补偿，从而创造出既有光彩又不失细节的影像。 剪影，是光影艺术的极致体现。当主体被强烈的逆光笼罩，而背景的亮度远高于主体时，主体就会变成一片纯粹的黑色。剪影能够极大地简化画面，将注意力集中在物体的形状和轮廓上，从而产生强烈的视觉冲击力。我们会思考，什么样的物体适合拍摄剪影？如何选择合适的背景，以及如何通过构图，让剪影的形状更具艺术感。 除了自然光，人造光也扮演着重要的角色。路灯、窗户透进的光线、甚至是一盏台灯，都能成为创作的素材。我们会观察，不同光源的色彩与强度，它们如何影响画面的氛围。例如，暖色调的灯光，能营造出温馨舒适的感觉；冷色调的光线，则可能带来一丝疏离与神秘。 在这个章节，我们不追求“拍清楚”或“拍漂亮”，而是希望你能够“看见”光。看见光线在物体上留下的痕迹，看见光线如何塑造形体，看见光线如何表达情绪。当你开始真正理解光影，你就会发现，整个世界，都将成为你的画布。 第三章：人文的温度——生活在镜头里 如果说自然是世界的画布，那么人，则是这画布上最生动的色彩。从山川湖海到街头巷尾，生命的脉搏无处不在。本章将带领你，将目光从自然转向人文，去捕捉那些触动心灵的瞬间，去感受生活本身的温度。 街头，是城市的舞台。那里有匆忙的身影，有悠闲的漫步，有孩子的嬉戏，有老人的沉思。我们不鼓励你去“偷拍”或“侵扰”，而是倡导一种“看见”的态度。当你观察街头的人物时，你会注意到他们之间的互动，他们脸上的表情，他们手中的物件。这些微小的细节，都承载着丰富的故事。 一个孩子专注地玩着手中的玩具，他的世界里只有眼前的乐趣，没有任何杂念。捕捉这样的瞬间，你需要耐心，需要等待，需要用一种不打扰的方式，去融入他们的世界。我们会探讨，如何通过捕捉孩子的眼神，他们的动作，来表现他们的纯真与活力。 街边小摊的老板，辛勤地劳作着，他的双手沾满了烟火气。你可以观察他工作的神态，他与顾客的交流，他脸上的汗珠。这些画面，都充满了生活的气息。我们会思考，如何通过细节，如手部的动作，脸上的皱纹，来展现人物的经历与故事。 一对情侣在公园的长椅上依偎，他们的眼神中充满了爱意。你可以尝试捕捉他们之间的默契，一个不经意的触摸，一个会心的微笑。这些瞬间，不需要华丽的辞藻，就能传达出最真挚的情感。我们会讨论，如何通过捕捉人物之间的互动，来表现情感的流动。 市集，是人间烟火的汇聚地。那里有琳琅满目的商品，有讨价还价的声音，有熙熙攘攘的人群。你可以尝试捕捉集市的氛围，人们脸上的喜悦，他们对生活的热情。我们会思考，如何通过全景与特写相结合，来表现市集的热闹与生机。 乡村，则是一种别样的宁静。农夫在田间劳作，炊烟在屋顶袅袅升起，孩童在巷口追逐打闹。这些画面，充满了淳朴与宁静。我们会讨论，如何通过捕捉乡村特有的景致，如老屋、农具、以及当地人的生活方式，来展现乡村的韵味。 当然，人文的观察，不仅仅是关注人物。一个被时光打磨过的门锁，一块被雨水侵蚀的石板，一幅褪色的老照片，它们都在诉说着属于自己的故事。我们会鼓励你去观察那些被忽视的角落，去发现那些被遗忘的细节。 最重要的是，这本书希望你能带着一颗温暖的心去观察。当你用镜头去记录生活时，你所捕捉到的，不仅仅是影像，更是对生命本身的尊重与热爱。你所表达的，不仅仅是审美，更是对人性、对情感的理解与共鸣。 在这趟人文的旅程中，你将不再仅仅是一个观察者，而会成为一个故事的讲述者，一个情感的传递者。你所拍摄的每一张照片，都将成为你与这个世界对话的见证，成为你内心感受的延伸。 结语 摄影，是一门关于“看见”的艺术。看见自然之美，看见光影之韵，看见人文之暖。这本书，与其说是一本指南，不如说是一份邀请，邀请你放下功利，用一颗纯粹的心，去重新审视这个世界。 当你手中的相机，不再仅仅是一个记录工具，而是你与世界沟通的桥梁；当你按下快门的手指，不再仅仅是为了完成一次拍摄，而是为了留住一份感动，一份思考；那么，你就已经踏上了属于自己的摄影之路。 这条路，没有标准答案，只有无限可能。它或许充满了挑战，但更多的是惊喜与收获。每一次的观察，每一次的尝试，每一次的失败与成功，都在塑造着你独特的视角，丰富着你对生命的理解。 愿你在这光影的世界里，找到属于自己的语言，用镜头去描绘你的故事，去记录你的感动，去传递你的温暖。愿你的每一次拍摄，都能成为一次心灵的旅行，一次与美好相遇的契机。 光影织梦，生活如歌。愿你，永远怀揣着对世界的好奇与热爱，用相机，去捕捉那些定格永恒的美丽，去书写属于你自己的，独一无二的光影传奇。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，学习摄影最难跨越的鸿沟在于“审美疲劳”和“创作瓶颈”。这本书提供了一个非常有趣的突破口。它并没有直接提供大量固定模板，而是强调了“变化”的重要性。书中有一个关于视角转换的章节，通过将拍摄主体放在极高或极低的位置，甚至是采用非常规的侧逆光角度，来展示同一事物如何能呈现出截然不同的面貌和故事性。这种强烈的对比教学法，极大地激发了我去尝试新角度的热情。它成功地打消了“好题材可遇不可求”的念头，转而强调“发现的眼睛”才是最重要的。更值得称赞的是，书中对影调控制的讲解，深入到了对“环境光”的利用上。它教导读者如何阅读环境，比如如何在阴天找到柔和的轮廓光，或者如何在室内利用窗边的光线勾勒出主体的边缘。这种将环境融入创作的思路，使得照片的叙事性大大增强。全书的论述结构松弛有度，读起来毫不费力，却又能让人时不时停下来，拿起相机在窗边练习书中提到的某个小技巧。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深刻的印象，是它对“连接感”的强调。摄影不只是技术的堆砌，而是主体与观者之间的一种无声对话。作者在讲解如何平衡画面元素时，并没有生硬地要求“三分法”或“对角线”，而是引导读者去思考如何构建引导线，如何利用前景来增加画面的纵深感，从而自然而然地将观者的视线从头导到尾。这种构图理念的转变，是从“摆放物体”到“引导视线”的关键一步。再说说对细节的处理，书中对“锐度”的讨论也十分到位，它并非一味追求极致的清晰，而是根据主体的不同特性，去选择是需要清晰的细节表现，还是需要适当的柔化来增强氛围感。比如，拍摄光滑的物体时，如何捕捉到那一点“点睛之笔”的反光，以表现其材质；而拍摄朦胧的物体时，又该如何控制焦点，让主体保持在“似有似无”的最佳状态。这本书非常注重“意境”的培养，引导我们在每一次拍摄时，都多问自己一句：“我真正想表达的是什么？” 这种对创作意图的关注，远比单纯的技术参数更有价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量，首先就给人一种高品质的阅读体验，这在很多技术手册中是少见的。但抛开外表，真正让我感到惊喜的是它在“观察力培养”上的深入挖掘。很多摄影书只是告诉你如何设置快门速度来凝固运动，而这本书则深入探讨了运动本身的美学意义。它通过展示不同速度下拍摄流动水的对比案例，让我深刻理解了“时间”在摄影中可以被塑造成不同形态：是清晰的时间定格，还是模糊的动态拉丝。这种对“时间维度”的探讨，瞬间提升了这本书的层次。此外，书中对影调层次的讲解也堪称一绝。作者用非常生动的比喻，将高光、中间调和阴影比作音乐中的高音、中音和低音，指导读者如何平衡这些元素，从而创造出具有立体感的画面，而不是扁平化的记录。即便是那些看似简单的静物拍摄章节，也充满了对细节纹理的捕捉技巧，引导读者去关注那些平日里容易被忽略的微小肌理。这本书的价值在于，它成功地将技术操作转化为一种艺术表达的工具。

评分☆☆☆☆☆

这本影像入门指南，确实在引导新人迈出“按下快门”的第一步上做得相当到位。它没有一开始就抛出一堆复杂的曝光三角理论，而是巧妙地将基础知识融入到具体的场景练习中。比如，书中对光线的描述就非常直观，不是干巴巴地讲解硬光和柔光，而是通过对比正午阳光下花朵的“刺眼”和清晨薄雾中花朵的“柔和”，让读者立刻领悟到光质对画面氛围的影响。我记得其中一节专门讲了景深的应用，作者没有用晦涩的物理公式，而是用“虚化背景，突出主体”这种简单粗暴的方式，配合多张前后景对比鲜明的微距作品，让即便是初次接触单反的朋友也能迅速掌握如何用大光圈拍出那种梦幻般的背景虚化效果。此外，构图部分也强调了“观察”的重要性，鼓励读者不只是对着花按快门，而是要学会在花丛中寻找稳定的线条和重复的纹理。全书的配图精美，讲解逻辑清晰，对于那些拿到相机不知道从何下手的摄影小白来说，这绝对是一本可以让你快速建立信心、爱上用镜头记录世界的“引路石”。它的优点在于，它让你在实操中学习，而不是被理论淹没。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我拿到这本书的时候，对那种“从零开始”的教材通常抱有一种保留态度，总觉得内容会流于表面或者过于陈旧。但翻开这本关于影像创作的书籍后，我发现它的叙事节奏和视角处理非常现代。它没有拘泥于传统的“技术至上”的观念，而是花了大量篇幅去探讨“如何看”的问题。例如，书中对色彩理论的阐述，不是简单地罗列色环，而是深入挖掘了不同色调组合（比如冷暖对比、邻近色和谐）在营造情绪上的微妙作用，这对于提升照片的“感觉”至关重要。我特别欣赏作者在讨论“用光”时，引入了对“情绪光”的理解，它引导读者去思考：我希望这张照片给人的感觉是什么？是宁静、是热烈、还是神秘？然后根据这种感觉去寻找合适的光源和时间。书中对后期处理的介绍也十分克制且实用，它侧重于基础的影调调整和色彩校正，避免了让读者陷入过度修饰的泥潭，更注重用最少的干预，达到强化主体表达的目的。整体来看，这本书更像是一位经验丰富的朋友在旁边耐心地分享他的“观察心得”，而非冰冷的教科书。