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邬春生 著

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• 艺术摄影
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• 摄影构图
• 光影
• 后期制作
• 摄影教材

出版社： 中国电力出版社

ISBN：9787512383944

版次：1

商品编码：11830342

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

页数：140

字数：259000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ： 《摄影艺术教程》适用于摄影学生及爱好者。
　　当相机不再只是记录时间与空间的方式，
　　当镜头不再只是捕捉瞬间的工具，
　　照片所反映的艺术性便成为衡量摄影者拍摄水平高下的直接标准之一。
　　为何持同样相机的拍摄者，拍摄出的照片却相差甚远？
　　为何面对同一景致，不同人却拍出了截然不同的效果？
　　在市场满目的摄影类图书中，讲授技能技法的随处可见，但从摄影艺术入手，以审美角度切入的却并不多见。
　　而艺术性的培养，对摄影初学者来说，却比购置优良设备、掌握娴熟技法困难得多。
　　《摄影艺术教程》正是以摄影的审美艺术为浓墨重彩的渲染点。

内容简介

　　作者同济大学邬春生副教授，以20余年丰富教学经验及大量深度摄影采风为基础，以摄影艺术美学入手，从摄影艺术的发展历史到摄影技术技巧的应用，再到摄影艺术审美与欣赏，在讲解基本摄影知识的同时，重点讲授了摄影艺术的审美规律和特点，以及如何创造有感染力的艺术形象。书中讲解主题涉及自然景观、人像、静物、建筑，以及动物，涵盖日常摄影中的所有常见题材，全面而系统；而书中所选的作品汇集了作者足迹遍布各地的精华作品，从中国的黔东南、川西北到西疆西部，从东南亚、俄罗斯到西欧、南欧。作者以其细敏的观察与洞见，为读者道出了摄影中不同艺术效果产生的缘由。

作者简介

　　邬春生，副教授，现任教于同济大学建筑与城市规划学院。
　　1963年5月生。1989年毕业于华东师范大学艺术教育系美术专业，获文学学士学位。中国建筑学会建筑师分会建筑美术专业委员会委员兼秘书长，上海美术家协会水彩画工作委员会会员。
　　作品曾入选：《庆祝上海解放四十周年画展》、《第五届全国建筑画大赛》、《1999上海澳门庆回归画展》、《2000上海水彩水粉大展》、《2005上海水彩画年展》、《上海高校青年教师美术作品展》、《2006首届中国当代学院水彩艺术展》、《2007上海水彩画展暨中韩水彩画展》，《2011上海水彩画展》，《2011日本东京都第十五回纪念展暨日本法国现代国际美术大展》；作品〈小巷〉、〈山乡秋色〉获《第五届全国建筑画大赛》优秀作品奖；水彩作品〈光之韵〉、〈经幡飘飘〉、〈秋韵〉、〈农舍系列之一〉、〈雪域佛光〉、〈小桥流水人家〉分别入选《第九届、第十届全国建筑画大赛》、《2011第十一届全国高等院校建筑与环境艺术设计专业美术教师作品展》。
　　作品被编入《中国现代绘画》、《中外建筑》、《中国当代青年建筑美术家作品选》、《中国建筑画选》、《上海高校青年教师美术作品选》、《首届中国当代学院水彩艺术画展－作品选》、《2007上海水彩画展暨中韩水彩画展－作品选》，《2011第十一届全国高等院校建筑与环境艺术设计专业美术教师作品集》，《2011日本东京都第十五回纪念展暨日本法国现代国际美术大展-作品选》等。
　　曾主编“高校美术教材系列丛书”－《水粉》、《水彩》和《摄影基础》、《摄影艺术教程》《建筑摄影》《建筑摄影拍摄指南》等多书。曾在美国佛蒙特艺术中心和同济大学举办个人画展，多幅作品被国内外收藏家及艺术中心收藏。

内页插图

目录

总论
第 一章 摄影艺术发展史简介6
第 一节 初期摄影（1839～1850年）6
第二节 早期摄影（1850～1889年）7
第三节 近代摄影（1890～1917年）9
第四节 现代摄影（1918～1960年）12
第五节 当代摄影（1960～至今）19
第二章 摄影器材基本知识篇22
第 一节 照相机的基本结构22
一、镜头22
二、快门装置25
三、取景器25
四、控制电路系统25
五、机身部件26
第二节 照相机类型27
一、传统胶片照相机27
二、数码照相机28
第三节 影像的存储29
第四节 影像的色彩控制30
一、色温30
二、数码照相机的白平衡31
第三章　摄影技术、技巧应用篇34
第一节 光的运用34
一、光线的基本特性35
二、光线的应用35
三、常用的摄影光源43
第二节 空间因素的把握48
一、景深与透视48
二、灭点会聚的应用52
三、视点的选择52
第三节 摄影的特殊效果56
一、影像多重曝光效果56
二、慢速摄影（慢门拍摄）56
三、高速快门58
四、高速度闪光58
五、变焦拍摄58
六、极浅景深控制61
七、模糊影像61
第四章 摄影艺术美学基础篇64
第一节 构图的基本知识64
一、恰当的画面取舍64
二、画面布局突出重点65
三、画面的均衡66
四、视点的选择69
五、影像的重构与裁切71
第二节 形式的构成71
一、线条的作用71
二、形状的表现77
三、体积的力量77
四、质感的描绘80
第三节 影调的魅力82
一、影调的作用82
二、影调的表现技巧82
三、影像的调性82
四、黑白影像的优势86
第四节 色彩的造型作用87
一、色彩的心理效应88
二、色彩造型中的对比94
三、色彩的和谐95
第五节 图纹语言100
一、肌理的影像效果100
二、图案的影像效果100
第六节 各种题材影像画面的基本视觉元素103
一、自然景观105
二、人像115
三、静物116
四、建筑119
五、动物124
第五章 作品欣赏126
自然景观126
人物128
静物132
建筑135
参考书目139
后记140

前言/序言

　　总论
　　在摄影诞生的初期，摄影的探索者们无暇顾及摄影的风格和艺术，而是把主要精力都投入到了摄影技术及器材的优化和更新方面。影像的清晰度和持久性是衡量一幅照片好坏的唯一尺度，摄影被人们认为是存在于艺术领域之外的一种纯机械的精确复制的技术手段。19世纪50年代以后摄影成像技术有了重大突破，蛋白纸印像法和火棉胶湿版法进入摄影主流。蛋白纸的广泛使用提高了影像的层次感，湿版操作使曝光时间大大缩短，摄影技术和器材不断改进，摄影视野随之逐渐扩大。摄影开始由狭小的生活圈子转向广大的社会，一些摄影家对当时社会的重大问题、战争场面等社会现状进行了有意识的记录性拍摄，产生了如1851—1854年英国J。E。梅奥尔的“重建水晶宫”；1855年R。芬顿的“克里米亚战争”之行；1861年M。布雷迪的“美国南北战争”等社会纪实题材的作品，纪实摄影上升为有理性、有层次的实践。当时的《伦敦新闻画报》评述说“摄影作为一门艺术，同时又作为事实的纪录和再现手段的卓越成就让人惊叹”。由于纪实摄影作品所具有的深刻的社会影响力，摄影成为记录时代和促进社会改革的有力工具，逐渐在社会纪实和新闻领域中占据了自己的地位，由此形成了延续至今的“纪实摄影”流派，其现实主义创作方法为今天的“新闻摄影”奠定了基础。从19世纪中叶起，一批具有艺术倾向的摄影家开始摹仿绘画的构图和主题，试图在这种摹仿中建立起与艺术的联系，并希望以此来提升摄影的艺术地位，由此掀起了早期“艺术摄影”的风潮。随着摄影技术的逐渐成熟，人们开始把目光投向审美。白金版、胶彩版、照相凹版印刷和照相蚀刻的出现，使用柔焦所造成的光晕染，特殊纸产生的绘画质感等新的技术手段的出现，使摄影者可以很容易地获得他们所追求的绘画艺术效果。摄影者们已不再满足于简单地效仿绘画，他们认为最成功的作品看上去就是一张画，在构图、光线、影调上追求绘画效果，让照片产生如绘画般的视觉效果才是创作的最高理想。1852年英国摄影家R。贝亚德发明了“拼接合成法”的暗房工艺；1855年法国摄影家H。斯芬格尔首创了“修描照片”法；1856年法国风光摄影家G。勒格雷公开了“叠印技术”等，这些摄制工艺的普及与推广，无疑为“用摄影来绘画”提供了发展的条件与空间。于是遵循绘画造型原则和审美取向的新的摄影艺术流派诞生了。1868年杰出的英国摄影及摄影理论家H。P。鲁滨逊在《摄影的艺术效果》一书中提出：“摄影的美学标准和绘画是一样的，摄影越是忠实地模仿绘画就越接近真正的艺术”，为摄影绘画主义奠定了理论基础。1886年，摄影艺术新思潮的先驱者英国摄影家P。H。埃默森发表题为“摄影，一门富于画意的艺术”的讲话，明确提出“艺术和科学（即绘画和摄影）之分是不应该存在的，摄影是艺术”的主张。他的观点立刻引起了广泛的争论，坚持这一主张的摄影家由此获得了“绘画主义”摄影的称号。

《光影织梦：探索影像的视觉语言》 引言 在这个信息爆炸的时代，视觉语言的重要性日益凸显。从社交媒体上的精美图片，到新闻报道中的纪实影像，再到艺术展览中的摄影作品，图像以前所未有的力量传递着信息、触动着情感、构建着我们对世界的认知。然而，一张照片的诞生，并非仅仅是按下快门那么简单。它背后蕴含着深刻的艺术理念、严谨的技术运用以及摄影师独特的观察视角和表达意图。 《光影织梦：探索影像的视觉语言》并非一本传授具体摄影技巧的指南，它更像是一次深入的艺术对话，一次关于如何“看见”和“被看见”的哲学探讨。本书旨在带领读者超越表面的技术操作，去理解摄影艺术的核心魅力，发掘影像的深层含义，并最终学会如何用镜头构建属于自己的视觉叙事。它适合所有对摄影抱有浓厚兴趣，渴望提升审美能力、拓展艺术视野的爱好者、创作者，乃至任何希望更深刻地理解视觉文化的人。 第一章：眼睛的艺术——看见的本质与摄影的起点 本章将从摄影艺术的哲学根源出发，探讨“看见”这一行为本身所蕴含的意义。我们并非天生就懂得如何“看”，而是通过后天的学习、经历和思考，逐渐形成自己独特的视觉感知能力。本章将深入剖析： “看”与“看见”的区别： 仅仅捕捉到光线，还是能够解读光线所带来的信息？理解视网膜的感知与大脑的解读之间的微妙联系。 视角的力量： 同一个场景，不同的视角会产生截然不同的视觉效果。我们将从物理空间（高低、远近、俯仰）和心理空间（情感、态度、立场）两个维度，分析视角对图像传达的影响。 摄影作为一种“重新看见”： 摄影师不仅仅是记录者，更是引导者，他们通过镜头，让观者以一种全新的方式去“看见”熟悉或陌生的事物，揭示被日常所遮蔽的细节和美。 从自然之眼到人文之眼： 探讨早期摄影如何模仿绘画，以及摄影如何逐渐找到其独特的艺术语言，从纯粹的记录转向对现实世界的个体化表达。 看见中的“选择”与“忽略”： 摄影师的每一次取景框的确定，都是一次有意识的选择与忽略。理解这种选择如何塑造画面的叙事方向和情感基调。 第二章：光影的诗学——物质与情感的交融 光与影是摄影最基本的构成元素，但它们远不止于记录形态，更是承载情感、塑造氛围、构建空间的关键。本章将深度解析光影在摄影艺术中的多重作用： 光的物理属性与艺术表现： 从光的性质（硬光、柔光、侧光、逆光、顺光）出发，分析它们对物体表面质感、轮廓、立体感的塑造，以及如何营造出不同的视觉情绪（例如，硬光带来的戏剧性，柔光带来的温和感）。 影的深度与空间的营造： 影并非空无，而是光线留下的痕迹。理解影如何勾勒形体，如何制造深度感、层次感，如何引导观者的视线，以及如何暗示事物的存在或缺失。 光影作为情感的载体： 探讨光影如何直接或间接地传达情感。例如，阴影可能暗示神秘、压抑或忧郁；明亮的光线可能带来希望、喜悦或活力。 时间和光线的对话： 光线的变化与时间的流逝密不可分。分析不同时间段（清晨、正午、黄昏）的光线特征，以及它们如何赋予画面不同的生命力与叙事张力。 对自然光与人造光的艺术运用： 无论是利用窗口的自然光，还是巧妙运用灯光，摄影师都是在与光线对话，用光线绘制出心中的画面。 第三章：构图的语言——秩序、节奏与平衡 构图是摄影艺术的“骨架”，它决定了画面的结构、视觉引导和信息传达的效率。本章将深入探讨构图的艺术原理，以及如何运用构图来增强作品的表现力： 黄金分割、三分法与九宫格： 经典构图法则的由来与应用，以及它们如何帮助画面达到视觉上的和谐与平衡。 线条的力量： 直线、曲线、斜线、S形线等不同线条在画面中扮演的角色，它们如何引导视线、制造动感、暗示方向或空间。 形状与形式： 几何形状、有机形状在画面中的组合与对比，以及它们如何影响画面的整体感受。 对称与不对称： 对称构图带来的稳定感、庄重感；不对称构图的动感、趣味性与挑战性。 留白与负空间： 画面中“不被占用的空间”为何如此重要？探讨留白的艺术，它如何突出主体、营造意境、引导观者思考。 框架与引导线： 利用画面内的元素（如门框、窗户、道路）构建框架，或利用线条作为引导线，将观者的视线引入画面的核心。 打破常规的创新构图： 在理解经典构图的基础上，如何进行大胆的实验与创新，创造出令人耳目一新的视觉效果。 第四章：色彩的哲学——情绪、符号与联觉 色彩是画面中最直观、最富感染力的元素之一。本章将带领读者深入理解色彩的心理学、文化象征意义，以及如何运用色彩来丰富作品的情感表达： 色彩的情感光谱： 红色的热情与危险，蓝色的宁静与忧郁，黄色的明快与警告……探索不同颜色在人类心理层面的普遍反应。 色彩的搭配与对比： 暖色调与冷色调的运用，互补色、相似色、单色系的搭配原理，以及它们如何营造出和谐、冲突、跳跃或沉静的视觉效果。 色彩的象征意义： 在不同的文化背景下，色彩所承载的象征意义。例如，白色在中国文化中的纯洁与哀悼，在西方文化中的神圣与结婚。 色彩作为叙事工具： 摄影师如何通过色彩的选择与运用，来暗示故事背景、人物性格、情感状态，甚至预示情节走向。 色彩的饱和度与亮度： 高饱和度与低饱和度、高亮度与低亮度的色彩，如何影响画面的视觉冲击力与传递的情感。 黑白摄影的色彩解构： 在没有色彩的情况下，黑白摄影如何通过光影、纹理和构图来传达强大的视觉力量。 第五章：瞬间的永恒——时间、叙事与情感的凝固 摄影的独特魅力在于捕捉“决定性瞬间”，将流逝的时间凝固下来，赋予其超越时空的意义。本章将探讨摄影如何实现这一艺术目标： “决定性瞬间”的内涵与辨识： 理解亨利·卡蒂埃-布列松所提出的“决定性瞬间”的真正含义，它并非简单的时间点，而是包含完整的信息、严谨的构图和充沛情感的完美结合。 叙事性的构建： 一张照片如何能够讲述一个故事？通过人物的表情、动作、环境的暗示，以及画面的逻辑关系，引发观者的联想与解读。 情感的共鸣： 优秀的照片能够触动观者的内心，引发共情。探讨如何通过画面元素，捕捉并传递真实、深刻的情感。 系列作品的叙事张力： 将多张照片组合成一个系列，如何构建更宏大、更复杂的叙事，形成一种“因果”或“对比”的艺术效果。 抽象与象征的表达： 摄影并非只能记录现实，也可以通过抽象的形态、象征性的意象，来传达更深层次的哲学思考或个人感受。 静止与动感的悖论： 在凝固的画面中，如何传递出动感、生命力，甚至时间流逝的感觉。 第六章：摄影师的“心”——观察、思考与表达 技术的精进固然重要，但摄影艺术的灵魂在于摄影师的“心”——他的观察方式、思考深度与独特的表达意图。本章将聚焦于摄影师的内在世界： 敏锐的观察力： 如何训练自己拥有一双“摄影师的眼睛”，在日常生活中发现不寻常的细节、有趣的瞬间和潜在的画面。 独立思考与批判性视角： 不盲从、不随波逐流，形成自己对世界的独特见解，并通过摄影作品表达出来。 摄影作为一种对话： 摄影师与被摄对象、与观者、与世界之间的对话。理解摄影的媒介属性，以及如何利用它进行有效的沟通。 “主题”的构建与深化： 确定摄影作品的主题，并围绕主题进行深入的探索与表达，使其具有思想的深度和情感的温度。 风格的形成与演变： 摄影师如何从模仿到超越，逐渐形成自己独特的视觉风格，并通过长期的实践与反思不断完善。 摄影的伦理与责任： 在进行影像创作时，摄影师应如何权衡艺术表达与对被摄对象的尊重，以及对社会的影响。 结语 《光影织梦：探索影像的视觉语言》并非终点，而是一个新的起点。通过对摄影艺术视觉语言的深入剖析，我们希望能够激发读者内心深处的创作冲动，引导他们以更具深度和艺术性的方式去感知和表达世界。摄影艺术是一场无止境的探索，每一次按下快门，都是一次对未知世界的呼唤，一次对内心世界的描绘。愿每一位读者都能在光影的交织中，找到属于自己的艺术语言，织就属于自己的视觉梦想。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧实在让人眼前一亮，拿到手就感觉很舒服。纸张的质感非常棒，那种微微的哑光处理，使得那些精心挑选的图片在视觉上更具力量感，没有普通印刷品那种生硬的反光。内容编排上，作者显然是下了大功夫的，它没有急于抛出晦涩的专业术语，而是用非常生活化的语言，一步步引导读者进入摄影的世界。我尤其欣赏它对“光线”的阐述，不同于教科书那种冰冷的概念堆砌，这里的光影关系被描绘得像一首诗，让你能真切地感受到清晨的柔和与正午的硬朗之间的巨大差异。书中的案例分析也非常到位，每一个经典作品的剖析，都像是得到了一位资深大师的私房指点，从构图的微妙调整到快门速度的精确控制，都解释得深入浅出，让人读完后立刻就想拿起相机去实践一番。它不是那种只适合专业人士的工具书，更像是一位耐心且富有激情的导师，陪伴着初学者稳健地迈出第一步，那种循序渐进的引导方式，极大地降低了学习的门槛。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书在“讲故事”方面的指导价值。它超越了单纯的“如何按快门”的范畴，深入到了“如何通过影像与世界对话”的层面。作者用一系列富有感染力的叙事结构，来指导读者如何构建一个影像系列，如何通过一系列照片来讲述一个完整且有说服力的故事。这不仅仅是技术层面的提升，更是思维模式的重塑。例如，书中关于“视角转换”的章节，鼓励我们从孩童的高度、昆虫的视角去观察世界，这种对观察者角色的强调，是很多技术类书籍所缺失的。它引导读者去挖掘那些隐藏在日常表象之下的深层主题，让每一张照片都带上强烈的个人印记和情感重量。读完之后，我不再仅仅满足于拍一张清晰、曝光正确的照片，而是开始思考：这张照片到底想对看到它的人说什么？这种对影像叙事深度的挖掘，是这本书带给我最宝贵的精神财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，尤其是内页的布局和字体选择，体现出一种克制而高级的美学。它的留白处理得恰到好处，让人在阅读技术性内容时，眼睛不会感到疲劳，反而有一种呼吸的空间。图片的选择是多样且有深度的，它不仅仅展示了完美的样片，还配有大量的“失败案例分析”，这极其宝贵。通过对比，读者能直观地看到一个微小的参数变动是如何彻底改变画面的效果的。作者在讲解景深和焦点控制时，采用了非常形象的比喻，将复杂的物理原理转化为日常可见的现象，比如将大光圈比作“聚焦于个体的专注”，将小光圈比作“对整个世界的包容”。这种类比的运用，极大地增强了知识点的易理解性和记忆性，让我感觉那些原本高不可攀的专业知识，现在都变得触手可及，真正做到了寓教于乐。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的叙事节奏把握得简直是大师级别的。它不像市面上很多技术手册那样，上来就堆砌公式和复杂的参数表，让人望而却步。相反，它像一位经验丰富的旅行家，带着你从“为什么拍照”这个最本源的问题开始探索。前几章花了大量篇幅探讨“观看”的哲学，如何用镜头去捕捉生活中的转瞬即逝的美感，这部分内容对我触动非常深。我过去总是在纠结于器材的升级，却忽略了眼睛才是最重要的镜头。书中对“瞬间”的捕捉艺术的讨论，简直是教科书级别的范本，它教你如何预判，如何将心理活动转化为手指按下快门的那个决定性瞬间。语言风格非常流畅，偶尔穿插一些作者个人的拍摄心路历程，使得整本书读起来毫无压力，更像是在与一位老友促膝长谈，分享彼此对世界的热爱和理解。这种人文关怀和技术指导的完美结合，让这本书的价值远远超出了纯粹的技能传授。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书在色彩理论和后期处理这一块的处理方式。很多教程往往将后期视为“修正错误”的手段，而这本书却将其提升到了“二次创作”的艺术高度。作者没有局限于某个特定的软件操作流程，而是从色彩心理学和视觉传达的角度，去解释为什么某些色彩搭配能引起特定的情感共鸣。它提供的不是生硬的“步骤A到步骤B”，而是让你理解每一步调整背后的逻辑和目的。比如，对高光和阴影的细微处理，如何影响画面的情绪张力，这些细节的阐述非常精确。阅读过程中，我经常会停下来，回想自己过去拍摄的一些照片，并对照书中的原则进行反思，发现自己过去在这些微妙的色彩把控上是多么的粗糙。这部分内容，即便是对于已经有一定后期经验的人来说，也是一次深入的洗礼，它让你从“修图”的泥潭中抽离出来，重新审视光影的本质。

评分☆☆☆☆☆

太好了

评分☆☆☆☆☆

很好

评分☆☆☆☆☆

书封面很脏…… 没有包装袋

评分☆☆☆☆☆

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很好

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太好了

评分☆☆☆☆☆

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