国际时装设计经典系列丛书：国际时装画大师作品精选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[英] 托尼·格伦维尔 著，辛芳芳 译

图书标签:

• 时装设计
• 时装画
• 大师作品
• 绘画
• 艺术
• 时尚
• 服装设计
• 插画
• 国际时尚
• 经典作品

出版社： 东华大学出版社

ISBN：9787566907066

版次：1

商品编码：11626909

包装：平装

丛书名： 国际时装设计经典系列丛书

开本：16开

出版时间：2015-03-01

用纸：胶版纸

页数：211

字数：466000

正文语种：中文

内容简介

　　时装画一直是远超时尚服装的杰出画作。《国际时装设计经典系列丛书：国际时装画大师作品精选》集结了当今著名艺术家们精湛的技艺和作品体裁特征的多样性画作。从大卫当顿到塞西莉亚卡尔斯泰德，以及从杰森布鲁克斯再到乔迪兰博达，28位来自世界各地的艺术家们，一个接一个将其优秀的代表作呈献给我们。在《国际时装设计经典系列丛书：国际时装画大师作品精选》中，我们可以看到大多数艺术家将高科技多媒体效果和传统绘画技巧在作品中混合使用。同时，每幅作品都附有艺术家们对作品生动的评论，能让读者更进一步的了解其思维。

目录

简介
卡洛斯·阿彭特
蒂娜·伯宁
詹森·布鲁克斯
塞西莉亚·卡斯特德
让·菲利普·德罗莫
比尔·多诺万
大卫·唐顿
彼得拉·多夫卡娃
加里·费尔南德斯
杰夫瑞·富尔维马里
托比·基德
理查德·加里
理查德·海恩斯
卡里姆·伊里亚
霍尔迪·拉万达
唐雅·凌
佐伊·莫尔·奥菲拉
珍妮·默特塞尔
皮特·帕里斯
斯蒂娜·帕森
塞德里克·瑞安
萨拉·辛格
藤原浩田边
朱莉·范霍文
安娜贝儿·韦鲁瓦
奥特姆·怀特赫斯特
李察·彼得·温纳特
伊扎克·祖鲁

前言/序言

国际时装设计经典系列丛书：建筑美学与结构创新 一、 丛书定位与核心价值 本卷《建筑美学与结构创新》隶属于“国际时装设计经典系列丛书”旗下，旨在突破传统服饰的二维平面思维，深入探索时装设计与建筑学、结构工程之间的深层对话与融合。我们深知，一件卓越的时装，其骨架、比例、空间感和对人体形态的重塑，无不烙印着建筑艺术的深刻印记。本卷并非单纯的服装图集，而是以“可穿戴的建筑”为核心理念，系统梳理和剖析近百年来，那些将结构逻辑、材料张力与空间布局视为首要设计元素的时装大师之作。 本书聚焦于那些在面料处理、廓形构建和结构支撑方面展现出革命性创新的设计师，他们如同建筑师一般，精确计算着面料的悬垂性、支撑点的强度，以及服装内部形成的“负空间”（Negative Space）。我们的目标是为当代设计师、服装理论研究者以及对跨学科设计感兴趣的读者，提供一个清晰、深入的框架，用建筑学的视角去重新解读高级定制（Haute Couture）和实验性成衣（Avant-garde Ready-to-Wear）的精髓。 二、 内容结构与深度剖析 本卷内容分为四个核心部分，层层递进，力求全面覆盖“结构”在时装设计中的应用维度。 第一部分：骨架与支撑——从紧身胸衣到现代结构塑形 本部分追溯了时装结构历史的演变，重点分析了支撑性结构对时装廓形的影响。 历史回顾： 详细对比文艺复兴至二十世纪初，鲸骨、金属支架和衬裙等传统支撑系统在塑造理想人体轮廓中的作用。不再简单罗列服饰图片，而是深入解析这些支撑物如何定义了特定时代的“美学标准”。 结构力学入门： 引入基础的材料科学和力学概念，解释不同纤维（如真丝、羊毛、合成高分子材料）在受力下的表现。分析设计师如何利用这些材料的内在“刚性”和“柔性”来控制服装的形态，实现静态与动态的平衡。 立体剪裁的几何基础： 探讨立体剪裁（Draping）的原理，分析褶皱（Drape）与折叠（Fold）之间的几何关系。重点展示立体剪裁如何通过精确的布料定位，在没有内部支撑的情况下，自行形成稳定的三维形态，这与建筑中的张拉整体结构有异曲同工之妙。 第二部分：空间塑造——体量、空腔与光影的游戏 本部分着重研究设计师如何利用服装的体积感，在人与环境之间创造出可感知的空间。 体积的戏剧性： 选取如巴伦西亚加（Balenciaga）的茧型（Cocoon）、茧式大衣和球形裙等经典案例，分析这些设计如何通过夸张的体量，模糊人体的自然界限，形成一个独立的“微观建筑”。我们关注的不是“美观”，而是其内部空间对穿着者的心理暗示。 负空间的应用： 深入分析那些故意在服装上设计出“空洞”或“凹陷”的设计。这些空腔并非装饰，而是结构性的组成部分，它们与人体的实体部分形成对比，强调了视觉重量和轻盈感的辩证关系。例如，某些解构主义设计中，剪裁出的缺口如何引导视线流向，如同建筑中的开窗和洞口。 光线与透明度： 探讨面料的透明度如何影响服装内部空间的感知。分析使用欧根纱、薄纱或网状材料时，光线穿透层叠结构所产生的层次感，以及这种层次感如何模拟建筑内部复杂的光影效果。 第三部分：材料的工程学——硬挺面料与新材料的实验 本部分集中于那些将面料本身视为“结构材料”而非单纯覆盖物的创新实践。 刚性材料的重塑： 剖析设计师如何使用传统上不用于服装的材料，如金属箔片、塑料板材、甚至工业用纤维，通过热压、粘合或编织技术，赋予其建筑般的硬度和可塑性。重点分析这些材料在服装上如何实现非自然的曲线和尖锐的几何造型。 可编程的织物： 追踪对智能材料和可编程纺织品的研究。虽然很多仍处于概念阶段，但本部分将展示早期先驱者如何通过精确计算布料的预应力（Pre-tension），使其在特定条件下（如温度变化或肢体动作）能自动“展开”或“收缩”，实现动态结构变化。 层叠与复合结构： 这一节详细解构了多层复合面料的技术。分析设计师如何通过热熔胶、衬垫和不同密度面料的精确叠加，在不依赖传统骨架的情况下，创造出具有雕塑感的厚重廓形，如同建筑的复合墙体结构。 第四部分：人体作为基座——解构与重构的界面 最后一部分将视角收回到人体与服装的交互界面，探讨结构设计如何服务于“人”这一特殊的“底座”。 仿生结构与有机形态： 探讨受自然界（如骨骼、昆虫外壳、植物茎干）启发的时装结构。分析这些设计如何通过模仿有机体的分支结构或分段式支撑，实现既具有强大支撑力又保持最大灵活性的效果。 暴露的结构： 关注那些将缝线、衬里、接缝甚至内部支撑系统直接展示在外的设计风格。这种“诚实的结构表达”是对传统隐藏式结构的颠覆，如同现代主义建筑对钢筋和混凝土的裸露展示，强调了设计过程的逻辑性。 模块化与适应性： 分析模块化时装系统的概念，即服装可以通过拆分和重组不同的结构单元来适应不同的环境或功能需求。这种设计理念直接映射了现代建筑中可变空间和预制构件的趋势。 三、 读者对象与理论价值 本书面向的读者群体广泛，包括： 1. 时装设计专业学生及研究人员： 提供一个跨学科的、理论性与实践性并重的结构分析工具箱。 2. 高级定制和实验服装的实践者： 启发他们在面料工程和三维造型上进行更具建筑思维的探索。 3. 艺术史与设计史学者： 提供一个全新的视角，将时装史置于更广阔的二十世纪艺术与工程发展脉络中进行考察。 《建筑美学与结构创新》致力于揭示，真正的时装革新，往往源于对基本结构原理的深刻理解和无畏的工程挑战。它不仅是关于“穿什么”，更是关于“如何构建”的哲学思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，简直是为我这种“细节控”量身定做的！它没有采取那种平铺直叙的编年史写法，而是巧妙地将不同地域、不同风格的设计师作品进行了主题式的碰撞与对话。比如，它将六十年代伦敦的青年文化浪潮和同期巴黎的高级定制中的反叛元素放在一起对比分析，这种跨越性的视野让我对“时尚”这个概念有了更宏大、更立体的理解。我发现作者在探讨设计理念时，总是能穿插一些当时社会、经济背景的简短描述，这让每一件作品的诞生都显得有理有据，不再是孤立的艺术展示。这种“大背景下的微观研究”的处理方式，极大地丰富了我的知识储备。我特别欣赏其中对日本“解构主义”大师们早期草图的呈现，那些看似凌乱却充满结构张力的线条，透露出他们颠覆传统的决心。读完这一部分，我感觉自己对“形式追随功能”这句话有了更深一层的感悟。这本书的学术深度和可读性达到了一个绝佳的平衡点，让人欲罢不能。

评分☆☆☆☆☆

与其他动辄堆砌设计稿的图录不同，这本书的“人物侧写”部分处理得极其精妙，充满了人性化的温度。它没有把那些设计大师神化，而是通过一些小故事和口述回忆的片段，勾勒出了他们作为“人”的一面。比如，有段文字描述了某位设计巨匠在面对灵感枯竭时的自我怀疑和焦虑，这让我感到非常亲切，原来顶尖的创造者也会有低谷。这种对“创造力如何运作”的探讨，远比单纯欣赏成品来得有启发性。它教会我的不是如何去模仿某一个廓形，而是如何去培养一种属于自己的设计思维和韧性。这本书更像是一位经验丰富的前辈，在耐心地与你探讨这个行业的本质与挑战，让人在赞叹之余，也感到一种被激励的力量。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这种“经典回顾”的书籍，内容可能有些陈旧，充斥着大量的历史名词和枯燥的理论。然而，这本书完全颠覆了我的预期。它最吸引我的是那种近乎“现场感”的记录方式。比如，书中收录了一些早期时装秀的侧面照片，模特在后台拉扯裙摆、设计师在焦急地调整细节的瞬间，这些“幕后花絮”比T台上的完美造型更有感染力。它让我意识到，伟大的设计背后，是无数次反复试验和近乎偏执的追求。我本来对某些特定年代的设计不太感冒，但读完这本书后，发现自己竟然被七十年代那种自由奔放的波西米亚风情深深吸引了。这得益于作者对那种“松弛感”的精准捕捉，文字描述中充满了对光影和空气流动的想象。这本书不仅仅是关于“看”时装，更是在“体验”设计者的心路历程，非常具有代入感。

评分☆☆☆☆☆

哇，终于拿到这本关于服装史的巨著了！迫不及待地翻开了第一页，我的天，里面的插图简直是艺术品！那些早期香奈儿的剪裁线条，那种毫不费力的优雅，被画家用铅笔勾勒得栩栩如生。不仅仅是展示了衣服的样子，更捕捉到了那个时代女性的精神面貌。我尤其喜欢其中关于战后“New Look”的描绘，那蓬松的裙摆和收紧的腰身，充满了对美好生活的渴望，每一笔都像是带着那个时代的香风。作者对材料质感的把握非常到位，光是看图就能想象出粗花呢的肌理和丝绸的光泽。这本书的排版设计也很有品味，留白恰到好处，让每一幅画作都有足够的空间呼吸，不会让人感到拥挤。它更像是一本精心策展的画册，而不是冰冷的教科书。对于一个真正热爱时尚设计的人来说，这种视觉上的享受是无可替代的。我甚至打算把其中几页装裱起来挂在工作室里，作为灵感的源泉。这本书收藏价值极高，绝对是值得所有设计爱好者拥有的瑰宝。

评分☆☆☆☆☆

这本书的印刷质量，简直是教科书级别的典范！我是一个对纸张和色彩非常挑剔的人。这本书所选用的铜版纸，厚实且具有完美的哑光质感，这对于呈现那些复杂的织物质感至关重要。很多其他画册为了追求亮度，会让深色显得死板，但这本选用的墨水和印刷工艺，即便是表现深沉的黑色天鹅绒，也能看到细微的纹理变化。我仔细对比了不同年代的色彩表现，比如五十年代那种饱和度极高的糖果色，和八十年代那种略带金属光泽的荧光色，过渡得自然而准确，丝毫没有失真。这对于学习色彩搭配和面料选择的读者来说，是极其宝贵的资源。很多设计师的设计稿，颜色是灵魂，这本书在这方面做得无可挑剔，可以说，它为我们保留了那个时代最真实、最鲜活的色彩记忆。