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[法] 昆汀·巴耶克 著

图书标签:

• 摄影史
• 现代摄影
• 摄影理论
• 艺术史
• 文化研究
• 图像研究
• 20世纪艺术
• 西方摄影
• 摄影批评
• 摄影美学

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787517903178

版次：1

商品编码：11750170

包装：精装

开本：32开

出版时间：2015-08-01

用纸：铜版纸

页数：160

产品特色

编辑推荐

　　▲《摄影现代时期》概述了从1880年至1960年，由柯达为代表的“瞬时摄影”时代开始，那便是现代摄影的诞生，伴随着摄影艺术的传承与发展，记录了这一部简明的摄影史。
　　▲本书通过不同的时间段，不同的摄影类别以及强有力的历史资料带领读者从“瞬时摄影”的开始经过摄影器材的数次变革和实践，深刻的了解现代摄影的发展过程。
　　▲《摄影现代时期》讲述了从“瞬时摄影”、“画意摄影”、“新闻摄影”、“新视野运动”、“大众摄影”到“战地摄影”这几块在在现代摄影中有重大意义的历史版块，从而更好的让读者现代摄影的历史进程。

内容简介

　　《摄影现代时期》是一部简明的摄影史，概括地叙述了1880-1960年间，从明胶溴化银干版摄影术发明，到摄影艺术传承发展的历史进程。经过摄影器材的数次变革和众多摄影人的实践，摄影艺术在扬弃传统、迂回曲折中不断发展，其中的艰难探索与伟大成就值得每一个关注摄影的人铭记。

作者简介

　　昆汀·巴耶克，自1995年起就是奥赛博物馆馆长，他曾经参与了一些19世纪摄影展的组织工作，其中包括“与太阳为伍”、“维克多·雨果”、“流浪摄影”（1998年）、“永生”、“维多利亚梦幻摄影”（1999年）、“摄影小镇”（2000年）及“星田：摄影与天空，1850-2000”（2000年）。他目前正在准备一个法国达格雷照片展。

内页插图

目录

前言/序言

《光影织梦：近代摄影的先驱与变革》 序言 在这个信息爆炸的时代，图像的力量日益凸显，而摄影，作为一种记录现实、表达情感、传达思想的媒介，早已渗透进我们生活的方方面面。然而，我们如今习以为常的按下快门、捕捉瞬间，其背后却是一段漫长而跌宕的探索史。从模糊的影像到清晰的呈现，从简单的复制到艺术的升华，近代摄影的诞生与发展，不仅是技术革命的奇迹，更是人类视觉表达方式的深刻变革。 本书《光影织梦：近代摄影的先驱与变革》并非一本枯燥的技术说明书，也不是一本简单的作品集，而是试图深入挖掘近代摄影发展脉络中那些鲜活的面孔、关键的转折和深远的影响。我们将穿越时空，跟随那些怀揣着对光影奥秘无限好奇与执着追求的先驱们，一同见证摄影从一项科学实验，逐渐蜕变为一门独立艺术的艰辛历程。这是一段关于智慧、勇气、坚持与创新的史诗，它塑造了我们今天的世界，也为我们理解当下以及未来的视觉文化奠定了坚实的基础。 第一章：黑暗中的曙光——摄影的早期探索与技术萌芽 在近代摄影技术问世之前，人类早已梦想着能够“画”出眼睛所见的一切，并且更加精确、更加快速。于是，我们不得不追溯到那些为摄影的诞生奠定基础的早期探索者。 1.1 朦胧的远眺：相机暗箱与化学感光 早在文艺复兴时期，古希腊人就已发现“小孔成像”的原理，并由此发展出“相机暗箱”（Camera Obscura）。这个简陋的装置，利用光线透过一个小孔，将外部景物投射到内壁上，形成一个倒置的影像。艺术家们，如达·芬奇，就已经开始利用相机暗箱作为辅助绘画的工具，它提供的精确透视和比例，无疑为后来的摄影提供了重要的视觉参照。然而，相机暗箱只能“看到”影像，却无法将之“固定”下来，仿佛一场短暂的幻影，一旦光线停止，影像便随之消失。 与此同时，化学家们也在不经意间发现了某些物质在光照下会发生变化的特性。例如，早在18世纪，德国的约翰·海因里希·舒尔茨（Johann Heinrich Schulze）就意外地发现，硝酸银在光照下会变黑。这虽然只是一个孤立的化学现象，但它却如同埋下一颗种子，为日后“固定影像”的可能性埋下了伏笔。这些早期的光学和化学知识，如同散落的星辰，各自闪耀，等待着被汇聚成璀璨的星河。 1.2 曙光初现：塔尔博特与达盖尔的世纪之争 近代摄影的真正开端，通常被认为是19世纪30年代末期，两位欧洲的先驱——英国的威廉·亨利·福克斯·塔尔博特（William Henry Fox Talbot）和法国的路易·达盖尔（Louis Daguerre）——几乎同时迈出了关键的一步。 塔尔博特，一位博学的学者和艺术家，他痴迷于用相机暗箱作画，却因绘画技艺的不足而深感挫败。他的创新在于，他尝试使用涂有氯化银的纸张，在相机暗箱中曝光，然后通过化学方法将影像“固定”下来。他发明的“卡罗纸法”（Calotype process），虽然成像效果不如达盖尔法精细，但其革命性在于它能产生“底片”，从而可以复制出多张相同的照片。这种“负片—正片”的原理，至今仍是摄影的基础，其意义深远。 而达盖尔，一位经验丰富的画家和舞台设计师，他的研究则侧重于利用碘化银在抛光的镀银铜版上成像。他发明的“达盖尔银版法”（Daguerreotype process）成像清晰、细节丰富，所产生的图像是独一无二的银版照片，无需复制。1839年，法国政府高价买下达盖尔的专利并将其无偿赠予世界，这一举动极大地推动了摄影的传播。 尽管两人都取得了突破，但他们的技术在细节、复制性和成本上存在差异。塔尔博特的卡罗纸法虽然可以复制，但清晰度稍逊；达盖尔法成像精美，但无法复制。这场被后世称为“摄影史上世纪之争”的较量，实际上共同推动了摄影技术向更成熟的方向发展，为后来的创新者们提供了宝贵的经验和教训。 1.3 摄影的命名：一个新词的诞生 在两位先驱几乎同时宣布发明摄影术的时代，如何称呼这项新技术成了一个问题。最终，在1839年，法国天文学家弗朗索瓦·阿拉戈（François Arago）在向法国科学院介绍达盖尔的发明时，首次使用了“Photographie”一词。这个词来源于希腊语的“phos”（光）和“graphein”（书写），意为“用光来书写”。这个词的诞生，标志着一种全新的艺术形式和记录方式的正式问世。 第二章：技术的激荡与艺术的觉醒——摄影的早期发展与风格探索 摄影术诞生后，其发展并非一帆风顺，技术的进步与艺术的探索相互交织，共同塑造了近代摄影的面貌。 2.1 技术的飞跃：湿版火棉胶与干版时代 达盖尔银版法和塔尔博特卡罗纸法虽然是里程碑，但它们都存在操作繁琐、对光线要求高等缺点。1851年，弗雷德里克·斯科特·阿彻（Frederick Scott Archer）发明的“湿版火棉胶法”（Collodion process）极大地改善了这一状况。该方法使用涂有火棉胶的玻璃底版，在拍摄前必须湿润，并立即进行冲洗。虽然操作依然需要现场的暗房设备，但它结合了达盖尔法的精细和塔尔博特法的可复制性，成像质量也大大提高。这一技术在很大程度上取代了前两者，并在很长一段时间内占据主导地位。 然而，湿版火棉胶法的现场操作依然不便，尤其是在户外拍摄时。于是，对更便捷摄影技术的追求从未停止。1871年，理查德·利奇·马多克斯（Richard Leach Maddox）发明了“干版法”（Dry plate process），使用明胶乳剂作为感光材料。这种干版可以在预先制备好的状态下储存，拍摄后可以随时冲洗，极大地解放了摄影师，使得摄影器材更加便携，拍摄也更加灵活。干版法的出现，为摄影的普及奠定了基础，也为后来的胶卷摄影开启了大门。 2.2 风格的萌芽：纪实、肖像与风景 随着技术的不断成熟，摄影开始显露出其艺术潜力，不同的风格和题材应运而生。 纪实摄影的先驱： 在摄影术发明之初，记录现实的冲动就已存在。例如，塔尔博特在他的著作《自然的历史》（The Pencil of Nature）中，就收录了许多他拍摄的风景、建筑和生活场景，展现了摄影作为一种新的记录媒介的价值。法国摄影师布拉斯赛（Nadard）为他拍摄的凡尔赛宫和巴黎景象，也以其独特的视角和清晰的记录性，成为早期纪实摄影的典范。甚至在战争题材上，罗杰·芬顿（Roger Fenton）拍摄的克里米亚战争场景，虽然受制于当时的技术，无法捕捉动态画面，但已经展现了摄影作为历史见证者的巨大潜力。 肖像摄影的兴盛： 达盖尔银版法因其精细的成像，非常适合拍摄肖像。达盖尔银版工作室在巴黎迅速涌现，人们趋之若鹜地想要留下自己的影像。早期肖像摄影往往是严肃、程式化的，但随着时间的推移，摄影师们开始尝试捕捉人物的性格和情感。例如，美国摄影师马修·布雷迪（Mathew Brady）及其工作室，虽然以拍摄南北战争的战争场面而闻名，但他们也拍摄了大量当时美国名人的肖像，这些肖像不仅是历史记录，也具有很高的艺术价值。 风景摄影的探索： 从古老的相机暗箱投射的景象，到摄影师们用镜头捕捉的山川河流、城市风貌，风景摄影的魅力也逐渐显现。早期风景摄影常常是静谧、宏伟的，是对自然景致的赞颂。例如，美国的卡尔顿·沃金斯（Carleton Watkins）拍摄的美国西部风光，以其壮丽和史诗般的氛围，向人们展示了一个未知的世界。 2.3 摄影作为艺术的争议与确立 尽管摄影在记录和表现上展现出巨大的潜力，但在很长一段时间里，它始终面临着一个核心的争议：摄影究竟是艺术，还是仅仅是一种技术？许多传统艺术家认为，摄影只是对现实的机械复制，缺乏人类创造力和情感的注入。然而，一些富有远见的摄影师和评论家，开始探索摄影的艺术可能性。 他们试图通过构图、光影、视角等摄影语言，赋予照片超越简单记录的内涵。例如，纳达尔（Nadar）拍摄的巴黎地下水道和艺术家肖像，展现了对生活细节的关注和对人物内心的洞察。这标志着摄影开始从单纯的“记录工具”向“表达工具”转变，艺术的种子开始在技术的光影中悄然萌发。 第三章：走向多元——近代摄影的进一步发展与艺术流派的萌生 进入19世纪后期和20世纪初期，摄影技术的发展达到了一个新的高度，其艺术表达也呈现出前所未有的多元化趋势。 3.1 机械的革新与大众的拥抱 技术的进步总是源源不断。19世纪80年代，乔治·伊士曼（George Eastman）创立柯达公司，推出了便携式的胶卷相机和“你按快门，我们做其余的”（You press the button, we do the rest）的口号，极大地降低了摄影的门槛。胶卷的出现，彻底改变了摄影的制作过程，使得摄影从专业人士的领域，逐渐走向普通大众。 随后，各种新型相机和镜头不断问世，如小型相机、变焦镜头等，为摄影师提供了更多创作的可能性。自动曝光、自动对焦等功能的出现，进一步简化了拍摄过程，让人们能够更专注于眼前的画面和想要表达的情感。 3.2 绘画主义摄影（Pictorialism）的巅峰与反思 在摄影技术快速发展的背景下，一批摄影师为了争取摄影在艺术界的地位，开始模仿绘画的风格和技法。他们追求柔和的光影、模糊的焦点、丰富的层次感，力图使照片具有绘画般的“美感”。这就是“绘画主义摄影”（Pictorialism）。 代表人物如美国的阿尔弗雷德·斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）早期的一些作品，以及英国的彼得·亨利·爱默生（Peter Henry Emerson）等。他们通过在暗房中进行各种处理，如局部曝光、染色、多重曝光等，试图赋予照片更多的艺术感染力。绘画主义摄影在一定程度上提升了摄影的艺术地位，但其过度模仿绘画的倾向，也逐渐引起了一些人的反思。 3.3 直接摄影（Straight Photography）的兴起与对摄影本体的追求 正当绘画主义摄影如日中天时，一股新的思潮开始出现，他们主张放弃对绘画的模仿，回归摄影的本质，追求“直接摄影”（Straight Photography）。他们认为，摄影最独特的魅力在于其清晰、锐利、真实的记录能力，以及通过精确的构图和对光影的敏锐把握来表达。 斯蒂格利茨在后期，尤其是他的“291画廊”时期，成为了直接摄影的坚实拥护者。他开始拍摄大量具有现代感、关注城市生活和人物精神的作品。保罗·斯特兰德（Paul Strand）更是直接摄影的旗手，他的作品以其严谨的构图、精确的细节和深刻的人文关怀而著称。爱德华·韦斯顿（Edward Weston）和安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）等摄影师，则通过对自然景物的极致表现，展现了摄影在形式美感上的独特成就。直接摄影的出现，标志着摄影开始真正确立其独立的艺术地位，并形成了独特的视觉语言。 3.4 记录与社会责任：社会纪实摄影的崛起 与此同时，摄影在记录社会现实、揭示社会问题方面的力量也日益被认识。尤其是在20世纪初的美国，伴随着工业化和城市化的进程，社会贫富差距、工人困境等问题日益突出。 路易斯·海因（Lewis Hine）以其“人道主义”的镜头，拍摄了大量关于童工、移民和建筑工人的照片，这些照片不仅具有强烈的视觉冲击力，更是推动了社会改革的重要力量。他的作品证明了摄影可以成为一种强大的社会评论工具，唤醒公众的意识，并促使社会进步。 结语 从朦胧的光影捕捉到清晰的影像定格，从单一的技术探索到多元的艺术表达，近代摄影的发展历程是一部波澜壮阔的史诗。那些先驱者的智慧与勇气，点亮了视觉记录的新篇章；而那些不断涌现的创新与变革，则为摄影注入了不竭的生命力。 《光影织梦：近代摄影的先驱与变革》试图梳理这段历史，并非为了罗列枯燥的事实，而是希望通过对历史的回溯，让读者更深刻地理解摄影这门艺术的起源、演进及其在我们今天文化中的重要地位。每一个被定格的瞬间，都承载着历史的重量和时代的印记；每一次艺术的突破，都折射出人类对美与真实的永恒追求。当我们再次按下快门，或许能从中汲取更多的灵感，去发现并记录属于我们这个时代的“光影织梦”。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的整体印象是，它构建了一个极具美学张力的叙事框架。作者在描述从19世纪末到20世纪中叶的这段摄影史上，对“纯粹性”与“介入性”的拉锯战描写得淋漓尽致。一方面，有追求摄影本质、模仿绘画质感的“纯粹摄影”流派；另一方面，又有积极拥抱工业化、热衷于新闻纪实和社会干预的“新客观性”思潮。书中对于这两种力量的相互作用、相互影响，以及最终如何共同定义了“现代”的审美标准，分析得非常细致入微。我特别喜欢作者对不同国家流派的区分，比如德国的魏玛时期摄影与美国的“直拍”风格之间，那种在技术操作和视觉意图上的微妙差异，被作者用富有感染力的文字描绘出来，仿佛亲眼目睹了这些风格的诞生现场。这本书的价值在于，它没有提供一个单一的、封闭的“现代摄影”定义，而是展示了一个充满活力、不断自我辩驳和重塑的过程。它鼓励读者像历史学家一样去审视每一张经典作品的诞生背景，而不是简单地接受其既定的艺术地位。总而言之，这是一部需要反复阅读、每次都能从中挖掘出新层次意义的佳作。

评分☆☆☆☆☆

我是一个业余的暗房爱好者，一直对早期摄影的技术演变很感兴趣，这本书在技术史的描绘上，虽然不是主线，但其穿插的细节却让我大开眼界。它对不同显影剂配方对图像风格的影响，以及大画幅相机在“纯粹摄影”运动中所扮演的技术角色，做了精妙的阐述。作者巧妙地将技术变革与美学追求联系起来，而不是孤立地看待它们。比如，在谈到包豪斯学派如何利用摄影的拼贴和蒙太奇手法时，书中不仅仅展示了那些惊艳的视觉作品，更详细解释了当时的摄影师如何利用冲印过程中的二次曝光和裁剪，来表达对机器时代的复杂情感。这种对制作过程的尊重和深入挖掘，对于动手实践的摄影者来说，简直是宝藏。我甚至根据书中的一些只言片语，回去尝试了早期的一些对比度调整方法，发现对最终的影调控制确实有帮助。而且，书中对于那些被主流史学常常忽略的女性摄影师的努力也给予了应有的篇幅，她们在家庭主题和个人叙事中，如何用摄影挑战了当时僵化的社会性别规范，这一点非常令人鼓舞。这本书的价值就在于，它让历史不再是遥不可及的陈列品，而是可以被重新理解和实践的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我购买这本书的初衷是想寻找一些关于“后现代摄影”转型的理论铺垫，但没想到，关于“现代”本身界限的探讨，反而成了最大的收获。这本书在论述现代摄影如何确立其“艺术地位”时，花费了大量篇幅去剖析摄影的“时间性”问题。摄影是凝固时间，但现代摄影师如何通过序列、运动轨迹的暗示，甚至是对“慢速快门”的运用，来重新诠释流逝的时间感，这个讨论非常高阶。书中引用了许多哲学家的观点来佐证摄影理论，使得整本书的学术厚度非常扎实，但阅读体验却一点不累。比如，作者对布列松的“决定性瞬间”与埃德加·莫雷纳的“时间碎片”理论进行对比分析时，那种跨学科的思辨张力，让人拍案叫绝。它强迫读者跳出“照片”这个静态的物体去看待摄影行为，将摄影视为一种在时间维度上展开的实践。对于那些希望将自己的摄影创作提升到理论高度的创作者而言，这本书提供了极其丰富的思维模型。它告诉你，如何看待一张照片的诞生过程，以及它在时间长河中可能承载的意义的延展性，这种深层次的洞察力是很多入门书籍无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本《摄影现代时期》真是让人醍醐灌顶，尤其是对那些在胶片与数码的十字路口徘徊不定的摄影爱好者来说，它提供了一个极佳的历史坐标系。我记得在读到关于20世纪初先锋派运动如何冲击传统肖像摄影的章节时，那种震撼感是难以言喻的。作者深入剖析了如阿尔弗雷德·史蒂格利茨（Alfred Stieglitz）这类巨匠如何将摄影从纯粹的记录工具提升到与绘画并驾齐驱的艺术表达层面，文字间充满了对那个时代美学思潮的精准把握。他不仅仅是罗列了哪些人做了什么，更重要的是，他解释了“为什么”会发生这种转变，背后的社会结构、工业化进程乃至哲学思辨是如何共同塑造了现代摄影的面貌。我尤其欣赏作者在阐述“决定性瞬间”这一概念时，那种抽丝剥茧的严谨，它不再仅仅是一个光影捕捉的技巧，而上升到了一种关于时间、偶然性与艺术家主观能动性的深刻哲学探讨。这本书的排版和图片选择也极为考究，那些早期现代主义作品的复刻，即便是通过印刷品展现，也依然能感受到其强烈的视觉冲击力。对于希望系统性了解摄影从古典向现代范式过渡的读者，这本书无疑是不可或缺的基石读物，它将那些晦涩难懂的艺术史理论，用一种近乎讲故事的流畅方式呈现出来，让人在知识汲取的同时，也享受了一次美学熏陶的过程。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本关于摄影发展脉络的书时，我原本预期会是一本比较枯燥的学术论著，毕竟“现代时期”这个概念本身就带着一定的严肃性。然而，它的叙事节奏和视角转换却出乎我的意料。这本书最吸引我的是它对摄影的“社会功能性”的探讨。它没有将焦点仅仅锁定在艺术家的个人成就上，而是细致描绘了摄影如何渗透进新闻报道、社会纪实乃至广告传播等领域，成为一个强大的社会信息媒介。比如，书中关于“法医摄影”和“人类学摄影”如何建立起一套关于“客观真实”的视觉话语体系的分析，非常犀利。它揭示了相机背后隐藏的凝视权力和被观看者的身份建构，这对于我们今天被海量图像信息包围的时代，具有极强的警示意义。我感觉作者在处理这些严肃议题时，保持了一种批判性的距离，既尊重历史事实，又敢于对既定的“现代性”叙事提出质疑。特别是对比了欧洲大陆和美洲在摄影作为纪实工具方面的不同侧重点时，那种跨文化的比较视角，让原本单一的理解变得立体而丰满。这本书不仅是关于摄影史，更像是一部关于视觉文化如何塑造现代意识形态的教科书，读起来非常过瘾，让人忍不住想要停下来思考自己日常观看行为的根源。

评分☆☆☆☆☆

很好

评分☆☆☆☆☆

实在是好东西，不会后悔的

评分☆☆☆☆☆

摄影现代时期

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评分☆☆☆☆☆

很好，价格便宜，送货也快，正版

评分☆☆☆☆☆

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摄影现代时期

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评价你麻痹 给劳资滚蛋

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