全球景观中的中国古代艺术(精)/复旦大学光华人文杰出学者讲座丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

巫鸿 编

图书标签:

• 中国古代艺术
• 艺术史
• 中国文化
• 全球视野
• 光华讲座丛书
• 复旦大学
• 文化研究
• 艺术
• 历史
• 学术著作

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 三联书店

ISBN：9787108057020

商品编码：12077963547

开本：32

出版时间：2017-01-01

基本信息

• 商品名称：全球景观中的中国古代艺术(精)/复旦大学光华人文杰出学者讲座丛书
• 作者：巫鸿
• 定价：59
• 出版社：三联书店
• ISBN号：9787108057020

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-01-01
• 印刷时间：2017-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：精装
• 页数：293
• 字数：80千字

内容提要

巫鸿所著的《全球景观中的中国古代艺术（精） 》从“全球美术史”的视点，分四部分对中国古代美 术的重要特点进行反思，并结合考古发现和对传世艺 术品的解读，阐述传统中国美术对整体的人类美术史 做出了什么较独特的也是较有价值的贡献，确定中国 美术中具有的既是鲜明文化特性，同时又是源远流长 、深具影响一些基本线索。作者学术功底深厚，视野 开阔、思维敏捷、语言流畅，在阐释上多有独到且新 鲜的见解。全书篇幅不长，但非常有助于读者打开眼 界，认识中国艺术史乃至全球艺术史研究中的新观念 、新视角及新课题。
    

作者简介

巫鸿，**艺术史家，芝加哥大学教授。1963年考入中央美术学院美术史系学习。1972—1978任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980—1987年就读于哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位。随即在哈佛大学美术史系任教，于1994年获终身教授职位。受聘支持芝加哥大学（The University of Chicago）亚洲艺术的教学、研究项目，执“斯德本特殊贡献教授”讲席。2000年建立东亚艺术研究中心并任主任。同年兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。

目录

自序
开题 全球景观中的中国古代艺术
**讲 礼器：微型纪念碑
第二讲 墓葬：视线不及的空间
第三讲 手卷：移动的画面
第四讲 山水：人文的风景
附录一 全球景观下如何重写中国美术史：专访芝加哥大学艺术史系教授巫鸿
附录二 巫鸿：以“全球景观中的美术史”视野兼看中国古代与当代
出版后记

好的，这是一本关于中国古代艺术史的深入探讨的图书简介，内容涵盖了从史前到明清的演变历程、核心思想、技术革新及其在不同历史语境下的文化意义，但完全不涉及“全球景观中的中国古代艺术”这一特定主题或“复旦大学光华人文杰出学者讲座丛书”的系列特质。 --- 华夏之魂：中国古代艺术的千年流变与精神图景 图书简介 本书旨在为读者构建一幅宏大而精微的中国古代艺术全景图。我们摒弃碎片化的叙事，以时间为轴，以精神内涵为纲，深入剖析了自新石器时代萌芽至清代衰落的数千年间，中国艺术赖以生存的哲学基础、技术迭代及其所承载的社会文化使命。全书力求展现的，不仅是器物和图像的演变，更是中华文明在不同历史阶段对于“美”、“秩序”与“永恒”的独特理解与表达。 第一编：源起与奠基（史前至秦汉） 本篇聚焦于中国艺术的最初形态，探讨其如何从原始的生存需求和巫术信仰中脱胎而出，奠定其后两千年艺术发展的基石。 1. 史前彩陶与玉礼：形制与图腾的初次书写 我们将追溯仰韶、马家窑等文化遗址出土的彩陶，分析其抽象的几何纹样、人面鱼纹中蕴含的早期宇宙观和生殖崇拜。特别关注良渚文化玉琮、玉璧等礼器，阐释“礼制”观念如何通过特定材料和形制，构建起早期的社会等级与神灵沟通的媒介。玉器的温润与坚韧，象征着早期中国人对“德”与“天道”的初始体悟。 2. 青铜时代的威仪与神秘 商周青铜器的铸造技术登峰造极，其上的饕餮纹、夔龙纹并非单纯的装饰，而是权力、祭祀与王权的具象化。本章细致辨析了礼器（鼎、簋、尊）的形制等级，以及铭文（金文）作为信史和政治宣言的作用。从狞厉的兽面到森严的规范，青铜器展示了早期国家机器对精神力量的绝对控制。 3. 秦汉：帝国气象与写实精神的觉醒 秦朝的统一带来了艺术表达上的宏大叙事需求。兵马俑群像的军事化序列与写实性，标志着国家意志对个体形象的塑造。汉代艺术则进入了“气象万千”的阶段。画像石、画像砖不再拘泥于神怪想象，开始大量描绘历史故事、车马出行和宴饮场景，透露出对现世生活秩序的肯定与歌颂。丝绸之路的开辟，也使得早期艺术的交流初见端倪，但汉代艺术的主旋律仍是“雄浑”与“秩序”。 第二编：精神的张力与风格的成熟（魏晋南北朝至唐代） 这一时期是中国艺术史上最为剧烈变革的阶段，佛教的传入与玄学的兴盛，深刻地重塑了艺术的审美取向。 1. 魏晋风度与文人审美的萌芽 在政治动荡和玄学思潮的影响下，艺术开始关注个体的生命体验与精神自由。顾恺之的人物画中，“传神写照，妙在阿难之相”的理论，强调了精神气韵（气韵生动）高于形体描摹。书法领域，王羲之的行书打破了隶书的古板，追求自然、率性的书写，“意”开始凌驾于“法”之上。 2. 佛教艺术的本土化与辉煌 佛教雕塑与壁画在南北朝时期蓬勃发展。云冈、龙门石窟的造像，展现了从犍陀罗风格向汉地风格的艰难过渡。初期佛像的异域面孔与肌肉感，逐渐被唐代“丰腴、慈悲、健康”的本土化形象所取代。敦煌壁画则以其叙事性、色彩的绚烂和对世俗生活的描摹，成为宗教艺术服务于大众的典范。 3. 盛唐气象：雍容华贵与万象包容 唐代是中国封建社会的鼎盛期，其艺术也达到了前所未有的自信与开放。陶瓷领域的唐三彩以其斑斓的色彩和生动的造型，展现了盛世的富足。人物画强调结构与力度，山水画开始独立成科，奠定了其后千年中国画的叙事主体地位。唐诗的意境、音乐的恢弘，与视觉艺术相得益彰，共同构筑了一个“博大、自信、圆融”的审美高峰。 第三编：内敛与哲思（宋元时期） 宋代艺术的基调从唐代的“外放”转向了“内敛”，对笔墨的纯粹性、理学的影响以及文人阶层地位的提升，使得艺术进入了更深层次的哲学思辨阶段。 1. 宋瓷的极致追求：单色釉的沉思 宋代美学推崇“天人合一”的境界，这在陶瓷上表现为对釉色纯粹性的极致追求。汝窑的雨过天青、哥窑的开片之美，体现了对自然随机性与人工控制之间微妙平衡的偏爱。宋瓷的内敛含蓄，是对唐代华丽的反拨与超越。 2. 文人画的成熟与水墨的独立 宋代，山水画理论体系的完善标志着水墨画的彻底成熟。荆浩、关仝的“北方山水”追求雄伟，而南方的董源、巨然则以“江南温润”为基调。特别是米芾的“墨戏”和李公麟的白描，确立了“不着色而意境深远”的文人画标准。艺术不再是描摹客观景象，而是“写胸中之逸气”。 3. 元代：以书入画与士人的坚守 元代士人因政治失意，将艺术视为安顿性灵的最后净土。以“元四家”（黄公望、倪瓒等）为代表，他们进一步强化了笔墨的表现力，倪瓒的“萧疏冷寂”成为对世俗的无声抗议。书法与绘画的界限日益模糊，“诗、书、画、印”的四绝合一，成为中国艺术最为标志性的成就。 第四编：规范与程式（明清时期） 明清两代，艺术发展呈现出对经典的继承、整理与僵化并存的复杂局面。技艺的精湛达到了顶峰，但创新性则面临挑战。 1. 明代：复古思潮与院体风格的博弈 明初的宫廷艺术（院体）继承了宋代的精细，但逐渐趋于僵硬。而文人画内部则形成了吴门画派（沈周、文徵明）与松江画派（董其昌）之间的对话。董其昌提出的“南北宗论”，虽有理论价值，但也为后世的艺术评价定下了严格的宗法框架。 2. 清代：集大成与形式的繁缛化 清代前期，宫廷对前代经典的搜集与研究达到了空前的高度，但也催生了刻板的临摹风气。工艺美术领域，如景德镇的彩瓷（粉彩、珐琅彩）技术达到了登峰造极的程度，图案日益繁复精美，细节处理几乎无懈可击。这一时期的艺术是对前代技艺的全面总结，同时，也预示着传统艺术在面对新的时代挑战时，转向对形式技巧的过度精研。 --- 本书通过对上述四个历史阶段的系统梳理，力求还原中国古代艺术作为一种独特的文化载体，如何承载、反映并塑造了中华民族的精神世界。它不是简单的作品罗列，而是对“中国式审美”内在逻辑的深度探寻。

评分☆☆☆☆☆

这本书的引证和参考资料的详实程度，简直达到了令人咋舌的地步。我注意到作者在每一个关键论点后面，都清晰地标注了其出处，无论是古典文献的引用、考古报告的参考，还是学界最新的研究成果，都得到了充分的尊重和梳理。这种严谨的态度，极大地增强了文本的可信度和学术价值。对于像我这样需要进行更深入研究的读者来说，这本书简直就是一把开启宝库的钥匙，它指引的方向非常明确，每一条引注都可能指向一个新的研究领域或视角。对比我书架上其他几本同类书籍，这本在参考文献的广度和深度上明显更胜一筹，它不只是告诉我们“是什么”，更深层次地探讨了“为什么会是这样”，构建了一个非常坚实的学术框架，让人对所阅读的内容深信不疑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计真的让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，光是捧在手里就能感受到内涵的厚重。封面那几个洒金的汉字，在灯光下熠熠生辉，透露出一种古典的韵味，但整体排版又很现代，没有那种老学究式的刻板。内页的纸张选择也十分考究，触感细腻，墨色饱满，即便是印刷的图片和图表，细节也清晰可见，这对于研究艺术史的读者来说太重要了。装订方式结实耐用，我想即使是经常翻阅也不会轻易散页，这可以看出出版社在细节上的用心。说实话，现在很多学术著作在工艺上都比较粗糙，能把内容和形式做到如此和谐统一的，实属不易，这绝对是一本值得收藏的书籍，光是摆在书架上，就觉得整个书房的格调都提升了不少。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件经过精心雕琢的艺术品，体现了出版界对“内容为王”和“形式至上”的双重追求。每次翻开它，都能感受到一种仪式感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角非常开阔，它没有将目光局限于传统的宫廷艺术或帝王将相的偏好，而是深入挖掘了更具社会性和世俗化的艺术表达。我特别欣赏作者能够将不同地域、不同阶层乃至不同民族的艺术形式进行平视化的比较和分析，打破了以往那种单一中心主义的解读模式。通过这种多元的视角，我们得以更全面地理解古代艺术的复杂性和生命力，看到了艺术在日常生活中的渗透，看到了它如何在不同文化交流的碰撞中产生新的火花。这种包容性和批判性的研究方法，是当代学术研究的典范，它让我重新审视了许多过去被简单化处理的艺术现象，极大地拓宽了我对古代文明的理解深度，感触良多，这是一次真正的思想的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅时，我立刻被其叙事方式所吸引，它完全打破了我对传统艺术史论著那种刻板、枯燥的印象。作者仿佛化身为一位技艺精湛的导游，带着我们穿梭于历史的长廊之中，用极其生动的语言勾勒出那个时代的生活图景和精神风貌。他不像是在罗列史实和作品清单，而是在娓娓道来一个个鲜活的故事，将那些遥远的古代工匠和艺术家的心路历程、他们所处的社会背景，描摹得栩栩如生。这种叙述的张力使得即便是晦涩难懂的哲学思想，也被巧妙地融入到对具体器物或绘画风格的解读中，让人读来毫不费力，反而乐趣无穷。尤其是一些对细节的捕捉，比如对某一釉色变化原因的推测，或者对某一纹饰背后文化含义的考证，都显得那么的鞭辟入里，充满了人文关怀，让人不得不佩服作者深厚的学养和出色的表达能力。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验来看，这本书的结构安排非常巧妙，它似乎遵循了一种螺旋上升的逻辑。开篇总是以宏大的背景介绍入手，迅速建立起读者的认知框架，然后逐步深入到具体的技术分析和风格演变。但有趣的是，在看似深入细节之后，作者又会时不时地跳出来，将我们带回到更广阔的文化脉络中进行反思和定位，使得我们在具体的案例中不会迷失方向。这种主次分明、详略得当的布局，极大地提升了阅读的节奏感和整体的逻辑连贯性。我发现自己很少需要频繁地前后翻阅来查找上下文，因为作者已经将过渡和衔接处理得非常自然流畅，仿佛每一个章节都是前一个章节的自然延伸，又为下一个章节做好了充分的铺垫，阅读体验非常顺畅和愉悦。