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内容简介
《元代绘画十讲》通过对自然的再认识，元代文人开始了中国绘画史上的第二次完善。他们直接追溯到绘画的源头，体会中国书画艺术的本质精神，然后遵循自己对自然万物的理解，用自己的图式表达当下的心态。元代绘画体现出的重要意义是：在主流渠道无法继承和发展传统文化时，绘画比其他艺术形式更能承担起传承文脉的重要职责。
作者简介
陈文璟，艺术管理学博士、中国艺术研究院助理研究员、艺术品投资专家、书画评论家、著名策展人。其著作主要有《云舒浪卷—南宋时期的名画》、《陈玉圃山水小品集》、等。他在艺术品投资领域有着多年的实践经验与深入理论研究，其关于艺术收藏和文化的文章陆续发表在多家***核心刊物及重要报纸之上。目录
自序第一讲 元代画坛的变化
第二讲 泪泉和墨写离骚——郑思肖
第三讲 今日有谁怜骏骨——龚开
第四讲 平生只合书画老——钱选
第五讲 胸次磊落品自高——高克恭
第六讲 鸥波落月夜窗虚——赵孟頫
第七讲 风流总如东流水——黄公望
第八讲 天阔江湖雁影长——倪瓒
第九讲 只钓鲈鱼不钓名——吴镇
第十讲 王侯笔力能扛鼎——王蒙
附录 元代绘画思想研究
精彩书摘
《元代绘画十讲》：以阴以雨。之子于归，远送于野、何彼苍天，不得其所！“呜呼，泰山其颓，梁木其坏，起木铎而无所应，游诸国而穷于途，圣人是以自拟于兰草，非唯言其萧索，更取其自得之意也。事实上，”鸟兽不可与同群，吾非斯人之徒与而谁与？天下有道，丘不与易也“（《论语·微子》），才是圣人的胸怀。兰花比德于君子，非为其体态之幽静足以显君子之落寞，更有其卓然自得之姿不因枝叶柔软而不挺拔，沁人心肺之幽香不因杂草群居而不自有。节操于人，也应如此：环境纵可以改变，国家也可以破亡，而我自为我，传递的是文化脉络，是”楚虽三户，亡秦必楚“的文化精神。此即庄子所谓”指穷于为薪，火传也，不知其尽也“。
因此历代遗民画家，尤喜画兰而意不在兰，因其意不在兰，兰花的文化内涵才能充分体现。所以，郑思肖的《墨兰图》成为历代以来最负盛名目.最具感染力的兰花作品，也就不奇怪了。此图以简淡之笔墨似乎随手撇出一花数叶，构图简单，左右对称，仿佛人人可以为之。然而，不说兰花似柔而刚、生机旺盛的形态，单说看似平淡的构图其实也充满变化，没有足够的修养和笔墨认识是画不出来的。这不正是中国文化简单而丰富的表现吗？此图的兰花颇似天平，衡量着两首遗民的诗。右边是郑氏题诗：“向来俯首问羲皇：汝是何人到此乡？未有画前开鼻孔，满天浮动古馨香一”左边是遗民陈氏题诗。郑氏诗寓意明确而决绝，对于文化的信仰和对外来者的拒绝都表达得非常直接有力。这兰花就是遗民，它承担着文化的传承。思肖于此，应该不仅仅是表达兰花无土，土为番人所夺之意，更主要的是在自况，表明文化归属和继承的志向、文化理想和认识的信仰。只可惜世人多从表相看画，仅得其一，不得其二，遗憾。
事实上郑思肖还是很自由的。此画的落款为“丙午正月十五日作此壹卷”，钤以“求则不得，不求或与，老眼空阔，清风今古”之章。前者天千地支的纪年表明他与当时统治者对立的坚决态度，而闲章表明他至少还有独立创作的环境。这一则显示，当时社会对文化艺术的忽视，另外也说明郑思肖还有一个比较厚实的群众基础。他36岁时，母亲去世，友人再次劝他娶妻成家，他大声哭泣说：“一心中国梦，万古《下泉》诗”——国家都没有了，我还要祖宗香火干什么？时人闻之莫不流泪。流泪就说明有同感，虽然身不能力行，但对郑思肖至少是有感情支持的。郑思肖还可以对强索作品的嘉定县吏说：“手可断，兰不可得也”，说明他一定还是有群众基础的，否则手不仅会断，头也会断。
相对于画家来说，郑思肖首先是一个诗人，他的著作有《心史》《所南诗集》等，诗歌较于书画更直接和有力。当然，也因为很直接有力的缘故，写的诗歌和文字不能被当即刻版印刷，所以他把写好的诗集存在铁盒子里，藏在井壁中，直到三百多年以后才被发现。一些人怀疑是伪书，因为发掘的时机太过可疑，正好是明未清初的时候。是否当时人为了振奋精神而作伪了呢？我想，现在做学问的人都成了学术机器了，难道就没有一点点文化感觉吗？且不说这诗集是郑思肖的思想，诗歌如同人的灵魂，没有真灵魂做不出真诗歌，郑思肖的风格并不是那么容易被伪造。而就算是伪书，它的文化精神可以因此而否定吗？
……
前言/序言
用户评价
真正让我眼前一亮的是这本书在“跨媒介”解读上的尝试。它超越了传统的图录式介绍，将绘画视为一个多维度的文化载体进行剖析。比如，在讲解某一幅花鸟画时，作者不仅仅停留在对色彩和造型的分析，还会旁征博引地引入当时的诗词、书法理论，甚至对相关器物（如所用的笔、墨、纸张的产地和特性）都有所涉猎。这种“全景式”的解读方式，极大地拓宽了我们理解艺术作品的维度。它让我意识到，一幅元代画作绝不是孤立存在的，它是那个时代思想、技术、审美观念相互交织的产物。通过这本书，我仿佛获得了一套解读古代艺术的“多语言翻译器”，能够同时读懂画面的视觉语言、背后的文人情怀，以及历史环境的制约与推力。这种融会贯通的分析视角，对我今后欣赏其他时期的艺术品也大有裨益，是一种思维方式上的提升，而非单纯的知识点累积。
评分这本书的学术严谨性，在我看来，是建立在极其扎实的文献基础之上的，这一点从它引用的注释和参考文献的广度就可以窥见一斑。我特意翻阅了几处涉及争议性断代和流派归属的关键章节，发现作者的处理方式非常审慎和客观。他并非武断地下结论，而是会详细梳理不同学派的观点，列举正反两方的证据，最终给出自己基于材料推导出的倾向性判断，但同时又留下了让读者思考的空间。这种“存而不论”的审慎态度，恰恰体现了一位真正学者应有的风范，避免了将复杂的历史简单化、脸谱化的倾向。例如，在讨论元四家各自的风格差异时，他不仅分析了笔墨技巧上的区别，还深入挖掘了他们各自师承和对赵孟頫思想的继承与发展，层次感极强。这种对细节的深挖和对论据的尊重，使得全书的说服力大大增强，让人在阅读过程中感到非常踏实，完全不用担心吸收了片面的或未经考证的信息。
评分我特别喜欢作者在处理不同地域和流派之间的关系时所展现出的宏大视野。元代艺术的发展，往往被地域风格或师承关系切割得非常零散，但这本书成功地编织了一条清晰的脉络，将原本看似分散的艺术现象有机地串联起来。它没有陷入某种地域的偏爱，而是用一种平等的姿态去审视每一支艺术力量的贡献。从南方的文人写意到北方的院体遗风，作者总能精准地指出它们之间的张力与融合点，揭示出在动荡的时代背景下，艺术家们是如何在继承传统与寻求个人突破之间寻找平衡的。阅读时，脑海中浮现出的不再是一个个孤立的画家形象，而是一幅幅动态的艺术版图，清晰地展现了元代美学是如何在历史的洪流中不断演变、吸收、最终定型的。这种将局部细节置于整体时代背景下进行考察的叙事结构，让整个元代绘画史的图景变得立体且富有逻辑性，读完后对那个时期的艺术生态有了全局性的认知，收获甚丰。
评分我花了整整一个下午的时间来“品读”这本书的叙事节奏，发现它不像那种传统的学院派教科书，上来就是满篇的年代考据和晦涩的理论术语，读起来让人昏昏欲睡。相反，作者采用了非常鲜活、近乎于“讲故事”的方式来展开论述。他似乎懂得如何抓住读者的好奇心，总能在看似寻常的一笔一划中，挖掘出那位伟大画家的心绪和那个时代特有的社会背景。比如说，在谈到某位山水画大师的“气韵生动”时，他会穿插描绘当时文人圈子的雅集情景，将艺术创作与士大夫的生活哲学紧密地联系起来，让那些冷峻的线条一下子变得有血有肉，充满了人情味。这种叙事策略极大地降低了艺术鉴赏的门槛，即便是对元代历史不甚了解的读者，也能很快地沉浸进去，理解画家为何如此描绘，为何选择这样的构图。这种从“人”的角度切入艺术的写作手法，极大地增强了阅读的代入感和趣味性，让人感觉自己不是在“学习”，而是在与古人进行一场跨越时空的对话，非常引人入胜。
评分这本书的装帧设计简直太精美了，拿在手里沉甸甸的，就知道是下了血本的。封面那种深邃的墨绿色调，配上烫金的标题，立马就流露出一股古朴典雅的气息，让人忍不住想立刻翻开一睹为快。内页的纸张选择也十分考究，摸上去有种温润的质感，印刷的色彩饱满而又不失细腻，特别是那些高清复制的画作，即便是微小的笔触变化和皴法细节，都能清晰地呈现出来，这对于我们这些痴迷于艺术细节的爱好者来说，简直是莫大的享受。我尤其欣赏它在版式编排上的用心，文字和图像的布局错落有致，阅读起来毫不费力，仿佛每幅名作旁边都有一个博学的讲解者在轻声细语地引导，而不是那种把文字堆砌在一起的枯燥感。这套书的实体质量，完全符合我对“收藏级艺术画册”的所有期待，光是放在书架上，都感觉整个书房的文化气息都提升了好几个档次。可以说，光是凭着这份对实体书制作的极致追求，就值得把它郑重地收藏起来，没事时拿出来翻阅，都是一种视觉和触觉的双重盛宴。
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