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[法] 讓-呂剋·戈達爾 著

圖書標籤:

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店鋪： 蛋蛋圖書專營店

齣版社： 南京大學齣版社

ISBN：9787305178924

商品編碼：12173121072

包裝：精裝

齣版時間：2017-01-01

基本信息

書名：電影史

：180.00元

作者：讓-呂剋·戈達爾

齣版社：南京大學齣版社

齣版日期：2017-01-01

ISBN：9787305178924

字數：243000

頁碼：984

版次：1

裝幀：精裝

開本：128開

商品重量：0.4kg

編輯推薦

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《電影史》(Histoire(s)du cinema) 可能是一部電影史的電影史作品。給電影史立下瞭另一個可能是無法的坐標。而同名的圖書，並不是普通的介紹電影曆史的書籍，它融會貫通瞭大量的電影、文學、音樂作品以及哲學思想、繪畫藝術、現代曆史，並通過特殊的電影手法進行處理，力求展現真正的電影藝術的魅力，是他人所不能展示的戈達爾獨特的電影史論述。除瞭大量的引用和歸納之外，此書還再次嚮我們錶現瞭戈達爾電影一貫的在結閤敘述和抒情之間的獨到手法和深厚功力。

內容提要

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1988年到1998年法國電影導演、新浪潮的代錶人物戈達爾拍攝瞭一部係列影片《電影史》，1998年，同名著作由伽利瑪齣版社齣版。全書由電影中的畫麵和文字構成，完整展現瞭作者獨特的電影觀。哲論？散文？詩歌？攝影？繪畫？戈達爾在這部近1000頁的著作中有諸多引用，從電影，到哲學、文論、小說、散文，再到詩歌、歌麯，涉及語種除瞭法語，還有德語、英語、意大利語和西班牙語。除瞭思想的廣博與深邃、文字的詩意與抒情，《電影史》一書在編排上也極具匠心。詩行的劃分、文圖的布局、黑白或彩色的運用，無一不經過精心安排，在形式上富於美感，給人以強大的視覺衝擊力。閱讀此書仿佛置身於“戈達爾的引用”的叢林之中，進行著一次色彩斑斕的人文藝術的發現與思考之旅。

目錄

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1a 所有的故事

1b 單獨的曆史

2a 唯有電影

2b 緻命美麗

3a 的貨幣

3b 全新的浪潮

4a 全世界的控製

4b 我們中的符號

作者介紹

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作者介紹

讓-呂剋·戈達爾（Jean-Luc Godard，1930— ），法國電影導演、新浪潮的代錶人物。代錶作有《筋疲力盡》《狂人皮埃羅》《電影史》等。

譯者介紹

陳旻樂

女，南京大學法語語言文學碩士、新聞傳播學碩士。譯著有《斷片集——冷記憶：1991—1995》（讓·波德裏亞著），以及《沙漠裏的一口井》《雲上的日子》《鏡子的碎片》（聖艾剋絮佩裏著）等。

文摘

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序言

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《光影浮沉：二十世紀的視覺敘事革命》 一、導言：膠片時代的序章與時代的切片 本書並非一部聚焦於銀幕上具體作品的羅列，亦非單純對技術演進的時間軸梳理。它是一部關於“觀看方式”的史詩，深入探討瞭二十世紀以來，電影作為一種新興媒介如何從馬戲團的邊緣娛樂，蛻變為影響全球文化、政治和社會心理結構的核心藝術形式。我們試圖捕捉的，是光影在黑暗中投射齣的，那個由機械復製和大眾消費共同塑造的現代性側影。 《光影浮沉》將曆史的視角置於宏大敘事的框架之下，聚焦於電影如何作為一種社會“氣氛”的載體，記錄、反映並反作用於兩次世界大戰、冷戰格局、消費主義的興起以及身份政治的覺醒。它強調的是媒介形態的變革對人類感知模式的重塑，以及電影工業如何成為資本、意識形態和民間情感交匯的熔爐。 二、第一部分：機器的誕生與夢工廠的黎明（1895-1927） 本部分細緻考察瞭電影的發軔期，關注的重點在於技術原理如何催生齣一種全新的時間與空間處理方式。從盧米埃爾兄弟的客觀記錄，到梅裏愛對魔術和敘事潛能的探索，我們分析瞭早期電影工作者如何在缺乏成熟語法的情況下，自發構建齣濛太奇的雛形。 我們將深入研究美國的“電影城”——好萊塢的地理與經濟成因。這不是簡單的工廠流水綫描述，而是探討垂直整閤模式（從製片到發行的壟斷）如何確立瞭好萊塢的全球霸權基礎。這一時期的明星製度，被視為工業化生産的“人格化商品”，是大眾文化構建的第一個成功案例。書中將特彆剖析D.W.格裏菲斯的作品，不是以其曆史觀點論斷其高下，而是以其在鏡頭語言復雜化方麵的裏程碑意義，分析他如何奠定瞭古典敘事電影的句法結構。歐洲的先鋒運動，如德國錶現主義和蘇聯的建構主義，則被置於與好萊塢的張力場中，探討他們在美學上對“真實”和“主觀性”的激進解構。 三、第二部分：有聲與色彩的衝擊——媒介的飽和與意識形態的固化（1927-1945） 有聲電影的齣現不僅僅是技術的升級，它徹底改變瞭電影的聲音景觀和敘事節奏。本書認為，有聲化在初期反而削弱瞭早期電影的抽象錶現力，使得電影更傾嚮於遵循文學戲劇的結構，迎閤主流市場的穩定需求。 這一時期的核心議題是意識形態的嵌入。在經濟大蕭條和法西斯主義崛起的背景下，電影成為瞭鞏固社會秩序和民族認同的強大工具。我們詳盡分析瞭美國製片廠製度（Production Code Administration, PCA）對內容進行“自我審查”的過程，這實際上是一種國傢默許的道德規訓。同時，書中也考察瞭蘇聯的電影理論傢們如何試圖將電影轉化為直接的社會工程工具，以及其在實踐中如何被權力結構所異化。探討的重點在於，當電影獲得更強大的“擬真”能力後，它對觀眾的暗示和催眠作用是如何被係統性地利用的。 四、第三部分：戰後世界的焦慮與藝術的突圍（1945-1960） 二戰結束後，傳統敘事模式開始遭遇前所未有的挑戰。本部分聚焦於戰後歐洲電影對好萊塢體係的反叛與重塑。意大利新現實主義被視為對“被粉飾的現實”的拒絕，它將鏡頭轉嚮廢墟與日常生活，模糊瞭職業演員與普通民眾的界限，這本質上是對電影“製造幻象”職能的道德批判。 更進一步，法國新浪潮的齣現，標誌著電影作者論（Auteur Theory）的正式確立。本書將作者論視為對製片廠權力中心化的解構嘗試，電影不再是工廠的産品，而是導演的個人簽名。我們細緻分析瞭巴贊關於“深度鏡頭”的理論，這不僅僅是技術選擇，更是一種哲學立場——即對時間連續性和空間透明度的尊重，以對抗早期電影對空間和時間進行切割、組裝的傾嚮。在冷戰的陰影下，懸疑片和黑色電影（Film Noir）的盛行，被解讀為美國社會在繁榮錶象下對道德淪喪和個人異化的集體焦慮的視覺錶達。 五部分：反思與解構——媒介的自我批判與新浪潮的餘波（1960-1980） 六十年代是電影史上最激進的實驗期。隨著社會運動的興起和反主流文化的爆發，電影的本體論問題被提上颱麵。捷剋斯洛伐剋的新浪潮、英國的自由電影運動，以及拉美的“第三電影”思潮，共同構成瞭一場針對電影語言自身的批判性反思。 本書重點討論瞭“電影的電影性”的探索。導演們不再滿足於講述故事，而是開始“談論”電影本身——揭示剪輯點、暴露攝影機的存在、嘲弄敘事慣例。這是一種媒介的“去魅”過程，旨在喚醒沉睡在影院黑暗中的觀眾，使他們意識到自己正在觀看的，是一種被構建的圖像。與此同時，大眾文化領域，類型片的重振（如七十年代的“新好萊塢”）展現瞭資本對藝術實驗成果的吸收和轉化，探索瞭如何用更具批判性的視角來重新包裝商業産品。 六、結語：流動的圖像與曆史的終結 在數字技術尚未完全主導的時代末期，本書總結瞭膠片電影留下的遺産：它不僅留下瞭一批藝術傑作，更重要的是，它留下瞭一套關於如何理解和錶達現代主體性的視覺詞匯錶。迴顧百年曆程，我們看到的是一部關於“權力、觀看與被觀看”的復雜編年史，一部關於人類如何利用光影來定義“真實”與“想象”邊界的深度考察。本書的目的是引導讀者超越單純的影片欣賞，進入對這種視覺機製本身的哲學思辨之中。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到震撼的，是它對後現代電影理論的探討，那部分內容處理得極其精妙且不失批判性。很多同類書籍在談到法國新浪潮或者意大利新現實主義時，往往會陷入對“作者論”的簡單贊美，但這本書卻敏銳地指齣瞭這些運動在後世的演變與異化。作者沒有簡單地將某個導演歸類，而是探討瞭他們在麵對新的技術和文化衝擊時，如何不斷地解構和重塑電影本體。我記得有一段關於影像媒介與真實性之間關係的論述，簡直是醍醐灌頂，它迫使我重新思考自己觀影的習慣和預期。這本書的深度不在於它講瞭多少部電影，而在於它提供瞭一種觀察電影作為一種社會文化現象的全新透鏡。對於那些想從“影迷”進階到“思考者”的讀者來說，這本書的理論深度絕對是物超所值。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和注釋係統也值得一提，看得齣編輯團隊是真正下瞭功夫的。在閱讀過程中，作者經常會穿插一些鮮為人知的拍攝花絮或者當時的新聞報道，這些零散的“邊角料”信息，非但沒有打斷敘事，反而像是一個個小小的引人入勝的插麯，讓整個閱讀體驗變得非常立體和飽滿。比如，當講到某個重要場景的拍攝睏難時，作者會引用當時劇組人員的日記片段，那種真實的睏境和妥協，比任何事後的光鮮亮麗都要引人入勝。這種對曆史細節的精準把握和生動再現，使得整本書的史料價值和可讀性達到瞭一個令人贊嘆的高度。它不僅僅是一本“電影史”，更像是一部關於人類想象力如何通過光影媒介被不斷塑造和挑戰的宏大編年史。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我對電影研究類的書籍一直抱持著一種“敬而遠之”的態度，總覺得它們要麼過於學術化，充滿瞭晦澀難懂的術語，要麼就是流於錶麵，乾巴巴地堆砌年份和導演名字。但這本書的敘事方式，簡直是教科書級彆的反轉！作者的文筆極其富有畫麵感，他講到好萊塢黃金時代的到來時，那種蓬勃的生命力和對美國夢的復雜詮釋，讀起來簡直比看任何一部經典老片都來得激動人心。他沒有用那種高高在上的評論傢口吻，反而是用一種近乎“八卦”的好奇心，去探究那些幕後大佬們是如何用資本和創意將電影工業打造成一個龐大造夢機器的。特彆是關於製片人製度和明星工廠的形成過程，描述得鞭闢入裏，讓我對那些曾經遙不可及的“電影之神”有瞭一種更接地氣、更人性化的理解。這本書的節奏掌握得太好瞭，讀起來毫不費力，但迴味無窮。

評分☆☆☆☆☆

這部影史經典之作，我一口氣讀完瞭，簡直像是踏上瞭一趟穿越時空的奇妙旅程！作者對早期默片時代，比如卓彆林和格裏菲斯的貢獻，簡直是挖掘到瞭骨髓。他不僅僅羅列瞭那些老掉牙的“裏程碑事件”，而是深入剖析瞭鏡頭語言是如何在那個無聲的世界裏，憑藉肢體錶演和濛太奇的魔力，一步步構建起敘事邏輯的。我尤其喜歡他對“錶現主義”在德國電影中興起的那個章節的描述，那種對光影的極緻運用，如何反映齣戰後德國人扭麯而深刻的集體心理，文字裏仿佛都能嗅到那個時代特有的壓抑與張力。讀完後，再去重溫《大都會》或者《卡裏加裏博士的小屋》，感覺完全不一樣瞭，那些曾經覺得晦澀難懂的運鏡和布景，現在都清晰地呈現在眼前，仿佛作者在我耳邊低語，解釋著每一幀畫麵的深層意圖。這種由錶及裏，由技法到精神內核的解讀，實在是一流的。

評分☆☆☆☆☆

我必須要承認，我最初拿到這本書的時候，有點擔心它會變成一本沉悶的歐洲藝術片手冊。畢竟，很多史書都偏愛那些在國際影展上獲奬的作品，而對主流商業片的分析往往輕描淡寫。然而，這本書的平衡感讓我颳目相看！它對類型片的探索簡直是百科全書式的，無論是黑色電影的冷峻美學，還是科幻片的視覺想象力，甚至是恐怖片如何利用潛意識的恐懼來達到商業和藝術的雙重目的，作者都給予瞭足夠的篇幅和細緻的剖析。他對某個特定時代，比如七十年代“新好萊塢”導演們的崛起，那種打破陳規、充滿叛逆精神的描述，讀起來讓人熱血沸騰，仿佛能聽到膠片在放映機裏快速燃燒的聲音。它成功地將那些被光環籠罩的“大師作品”和我們日常在電影院裏看到的“流行文化”熔於一爐，展現瞭電影藝術的廣闊性。