服饰纹样素材集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出类艺术 编 编，余雅汝 张金辉 校

图书标签:

• 服饰纹样
• 纹样设计
• 服装设计
• 图案
• 素材
• 设计素材
• 时尚
• 艺术
• 绘画
• 参考

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534057151

版次：1

商品编码：12177236

包装：平装

开本：32开

出版时间：2017-03-01

用纸：特种纸

页数：127

正文语种：中文简体

附件：光盘

附件数量：1

编辑推荐

适读人群 ：设计类读者

本素材集既可作为设计素材，亦可鉴赏收藏，是设计师与设计爱好者的案头必备。选用特种纸印刷，还原了和服纹样的题材及装饰形式散发出的华美而精巧的艺术魅力。

内容简介

本素材收集了二百余幅日本明治时期经典服饰纹样，纹样多取材于自然风光，从不同的季节变化里吸取营养来表现自然的美和纤巧。其中季节感浓厚的植物被运用得较多。春季多以樱花和梅作为设计的主题;夏季则以清凉色系为主，采用菖蒲、水草加以嬉戏的鱼儿和浪花;秋天采用菊花、秋草等;冬天雪景和盎然挺立的松柏及其意象被较多地运用。

内页插图

目录

花之舞
海之韵
百鸟鸣
万物生

古籍修复技艺探微：一项跨越时空的文化传承实践 图书名称： 古籍修复技艺探微 图书简介： 本书旨在深入探讨中国传统古籍修复技艺的精髓、历史演变及其在当代文化遗产保护中的实践应用。全书从宏观的历史视角切入，细致入微地剖析了历代文献修复工艺的流变，并结合大量的实物案例与技术图解，力求为读者构建一个全面、立体、可操作的古籍修复知识体系。 第一部分：溯源与脉络——中国古籍修复史的千年流转 本部分聚焦于中国古籍修复技艺的起源与发展脉络，勾勒出一条清晰的文化传承轨迹。 一、早期文献的保护理念初探：从竹简到绢帛的过渡期 探讨先秦至魏晋时期，文献载体变化对早期保护观念产生的影响。重点分析了泥封、锦囊、木牍函套等早期保护措施的局限性与进步性。此阶段的“修复”更多体现为一种“维护”与“替换”，缺乏系统性的科学理论支撑。 二、雕版印刷兴盛期的技艺成熟：宋代的“锓手”与“装帧”革新 宋代是古籍文献大量复制与流通的时代，对修复技术提出了更高的要求。本章详述了宋代装帧形式（如经折装、蝴蝶装）的特点，以及针对虫蛀、水渍等常见损害的初步应对策略。着重剖析了“锓手”（即修复师）在当时的社会地位与技术垄断性。对“朱砂批注”的修补痕迹进行类型学分析，揭示不同时期修复师的审美倾向与职业规范。 三、明清两代的精细化与流派形成：集大成与地域差异 明清时期，古籍修复技术达到一个高峰，出现了注重细节处理和材料考究的趋势。本章将重点介绍“擘笺”、“补洞”、“嵌补”等精细技术的成熟，并考察江南地区（以文徵明、董其昌为代表的文人士大夫群体）与北方官府修复机构在用料和风格上的差异。分析了清代官修《四库全书》在修复与装帧中体现出的标准化管理理念。 第二部分：核心技术解构——古籍修复的“七十二般变化” 本部分是本书的技术核心，系统梳理了当代古籍修复中仍在广泛应用的关键传统技艺，并辅以精确的步骤图解和工具介绍。 一、材料的哲学：纸张的选择与处理 深入探讨了修复用纸的选取标准——韧性、酸碱度、纤维结构。详细介绍了“仿古纸”的制作工艺，包括竹浆、皮纸的浸泡、蒸煮、打浆、抄造等环节。着重讲解了如何通过“润纸”和“焙纸”工艺，使新纸与古纸在色泽、手感上达到和谐统一，避免“新旧有别”的突兀感。 二、损毁形态的诊断与分类：以“病理学”指导修复 将古籍损伤分为物理损伤（撕裂、断口、缺损）和化学/生物损伤（霉变、水渍、虫蛀）。提出了“因病施治”的原则，强调修复前对原件的全面勘察与记录。详细描述了不同类型墨迹的渗透性测试，以确保后续湿法处理不致使墨色扩散。 三、核心湿法修复技术详解：无损性与可逆性的平衡 1. 濡补与拼接（Lining and Mending）： 详细演示如何使用特制的浆糊（如麦糊、淀粉糊）进行纸张纤维间的粘接。重点分析了“浸润法”的控水技巧，如何精确控制纸张的膨胀与收缩，实现纤维的自然融合。 2. 去污与褪色处理： 介绍传统基于“蒸气”和“局部擦拭”的去污方法，以及使用特定植物提取物进行“局部增白”的古老经验。强调在不损伤纤维的前提下，对水渍、油渍进行视觉弱化的过程。 3. 装帧恢复： 详细阐述了“线装”的重新穿线技术，包括线材的选择（棉线、麻线）以及不同穿线法的结构力学意义。对卷轴的“裱绫”与“引首”的修复流程进行图文并茂的展示。 四、干法修复的精微之处：针对脆弱纸张的保护 针对过于脆弱、无法承受湿处理的宋元善本，本书介绍并实践了全流程的干法保护技术，包括使用极细的绢丝进行“衬托加固”以及使用特制拓印工具进行“纹理恢复”。 第三部分：当代实践与未来展望——科技介入下的文化守护 本部分将视角转向现代博物馆语境下的古籍修复工作，探讨传统技艺与现代科学的结合点。 一、修复工作环境的标准化建设 论述了恒温恒湿环境（温湿度、光照强度）对古籍保存的重要性。介绍了现代修复室的空气过滤系统和灾害预防措施。 二、科技辅助手段的应用与审慎 探讨了X射线成像、高光谱成像技术在揭示原貌、判断修复痕迹方面的价值。审慎分析了使用化学稳定剂、激光除霉等现代技术时，必须遵循的“可逆性”与“最小干预”原则，确保修复行为本身不对历史文献造成二次伤害。 三、修复人才的培养与知识的传承 分析了当前修复领域面临的人才断层问题，并提出了将传统师徒制与现代高等教育相结合的培养模式建议。强调修复实践者不仅需要精湛的手艺，更需要深厚的文献学、版本学素养，以确保每一次修复决策都是基于对文献历史价值的深刻理解。 结语：时间的艺术与守护的责任 本书总结了古籍修复不仅仅是技术层面的修补，更是一种与历史对话、与匠人精神共鸣的文化实践。每一页的修复痕迹，都应是历史的注脚而非改写，体现着对中华文明绵延不绝的敬畏之心。 本书适合古籍保护专业人员、图书馆学与档案学学生、博物馆管理人员，以及所有对中国传统工艺和文化遗产保护抱有浓厚兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏《服饰纹样素材集》的一点，是它对于“动态”和“人体结构”的关注。很多纹样设计者容易陷入二维平面的误区，画出来的图案在平铺时很美，一旦应用到立体的、会运动的人体上，就会产生奇怪的拉伸和变形。这本书里特别设置了一个章节，专门展示了如何根据人体曲线（如胸部、腰部、肩部）来调整和导引纹样的走向，例如如何通过对角线或弧线的设计来达到视觉上显瘦或突出重点的效果。书中配有大量的局部放大图和“上身效果”的模拟插画，这些实例演示清晰地解释了为什么某些纹样在特定位置会“起飞”或“塌陷”。这对我这种喜欢做原创设计，并且需要考虑服装工程学的美工来说，是无可替代的参考。它教会我的不仅仅是如何“画”纹样，更是如何“思考”纹样在三维空间中的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的印刷质量和色彩还原度，达到了令人发指的专业水准。我之前购买过几本国外的纹样参考书，虽然内容很棒，但由于印刷油墨和纸张的限制，很多细微的色彩渐变和复杂晕染效果都丢失了。但这本《服饰纹样素材集》选用了高克重的哑光铜版纸，配上先进的四色或五色印刷技术，使得那些需要表现丝绒质感或金属光泽的图案，其细节都能被精准捕捉。特别是那些涉及传统缂丝或多层叠印效果的纹样，其色彩过渡的层次感极其丰富，几乎可以媲美原作的实物观感。这对于需要进行高精度色彩匹配或进行数码印花打样的设计师来说，是至关重要的。我甚至可以根据书中的色卡，初步判断出需要使用的Pantone色号范围，这极大地减少了从参考到实际生产环节中的色彩误差，让我的工作流程顺畅了许多。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的定价虽然偏高，但看完之后我完全觉得物超所值，简直是行业内的良心之作。我注意到它在索引和分类上做得非常科学严谨。它不仅仅是按照“花卉”、“动物”、“几何”这种基础分类，更是引入了“时代风格”（如新艺术运动、装饰艺术时期）和“地域起源”的双重索引系统。这意味着，如果你正在进行一个特定历史背景下的服装复原项目，或者你只想快速找到某一时期特有的线条特征，都可以通过不同的路径快速定位目标素材。这种系统性的组织结构，极大地提高了查找效率，让原本枯燥的素材检索过程变成了一种有趣的探索。此外，书中还穿插了一些关于纹样版权和基础矢量化处理的简要说明，这种对专业细节的关注，体现了编纂者对目标读者群体需求的深刻理解，不像有些出版物只注重数量堆砌，而忽略了实用性工具的价值。

评分☆☆☆☆☆

我作为一个服装制作爱好者，寻找一本能真正帮助我提升手作难度的参考书已经很久了。市面上很多所谓的“纹样集”要么是过度数字化的、缺乏手感和肌理感的矢量图，要么就是古代纹样的简单复刻，缺乏现代感和可操作性。然而，《服饰纹样素材集》在这方面做到了一个极佳的平衡。它收录的许多纹样，比如那些具有强烈立体感的提花图案和几何拼贴，明显是经过了现代审美重新提炼的。书中对不同材质面料（如丝绸、粗麻、羊毛）与特定纹样搭配的建议部分，对我帮助尤其大。我以前总是在面料和图案的选择上犯愁，担心选错导致整体效果“土气”。这本书提供了详实的“面料-纹样-工艺”对应表，让你能直观地感受到，比如将某种复杂的巴洛克式卷草纹用在厚重的呢子上，和用在轻盈的雪纺上会有天壤之别。这不仅是视觉上的参考，更是材料科学在美学应用上的实践指南，让我的作品从“能看”提升到了“有质感”。

评分☆☆☆☆☆

这本《服饰纹样素材集》的装帧设计简直是艺术品级别的！封面采用了一种复古的织物纹理，触感细腻，色彩搭配上大胆却不失典雅，仿佛能透过封面就感受到里面那些精美的图案。我原本以为这种素材集无非就是平面的图案罗列，但翻开内页才发现，作者在版式设计上花了大心思。每一页的排版都错落有致，图案之间留白恰当，不像有些素材书堆砌得让人喘不过气。更让我惊喜的是，它不只是简单地展示成品纹样，还有一些基础图案的解构和演变过程，对于设计师来说，这简直是灵感源泉，能从中窥见纹样设计背后深层次的逻辑和美学原理。比如其中关于中国传统刺绣中“平针”和“套针”的应用对比，讲得非常细致，图例清晰明了，即便是初学者也能很快掌握其精髓。我尤其喜欢它对不同地域文化元素融合的探讨，能感受到作者深厚的文化底蕴和广阔的视野，这让这本“素材集”提升到了“设计宝典”的层面，绝非市面上那些千篇一律的图库可比拟。