钢琴演奏技巧的自然表现与教学实践 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

朱艺 著

图书标签:

• 钢琴演奏
• 钢琴技巧
• 自然表现
• 教学实践
• 音乐教育
• 钢琴教学
• 演奏技巧
• 音乐表现
• 钢琴艺术
• 音乐教学方法

出版社： 吉林大学出版社

ISBN：9787569202755

版次：1

商品编码：12265117

包装：平装

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：212

正文语种：中文

内容简介

　　《钢琴演奏技巧的自然表现与教学实践》内容全面、系统科学、通俗易懂易学，用图揭示抽象概念，强化其直观效果等几方面的教学效果。从钢琴的基本知识、基础乐理讲起，从规范弹奏手型入手，讲解了基本奏法、基本指法、基本节奏练习、基本弹奏技术。实例讲解中选取的乐曲大多是国内外经典名曲，使学习者在掌握弹奏方法和技巧的同时，欣赏、感受不同风格的音乐作品，拓宽音乐视野。力求使钢琴学习者将必需的弹奏技法学全、学会、学到手，为今后的提高和发展奠定良好的基础。
　　《钢琴演奏技巧的自然表现与教学实践》按照由浅入深、由易到难、循序渐进的写作思路展开，弹奏技法分成概念、要领、练习曲多个层次讲述，每首曲子都有教学提示，阐明其重点、难点、新知识点、练习方法、易犯错误及注意事项等。

作者简介

　　朱艺，讲师，硕士研究生，四川省音乐家协会会员。2007年西华师范大学本科毕业并以优异的成绩保送本校攻读硕士研究生，师从西华师范大学音乐学院院长曾晓安教授。主攻钢琴演奏与教学，学习期间曾到国内多家知名音乐学院进修，积累了丰富的经验。2010年硕士研究生毕业至今就职于内江师范学院音乐学院主授钢琴。多次获得各项技能比赛的奖项，曾在2015年5月参加中国音乐“小金钟”奖长江钢琴第三届全国钢琴比赛四川赛区（川南分赛场），获得高校教师组铜奖：成功举办个人独奏、协奏音乐会并多次担任大型声乐比赛、独唱音乐会、独奏音乐会、合唱比赛的伴奏嘉宾。

目录

前言

第一章 钢琴演奏的理论基础
第一节 钢琴入门概述
一、乐器简介
二、选购与养护
三、钢琴调律
四、乐器与演奏技术的演变
第二节 钢琴的基本知识
一、钢琴教学法基础的说明
二、钢琴基础知识
第三节 钢琴演奏基本原则

第二章 钢琴演奏的乐理知识
第一节 学习钢琴乐理知识必要性
第二节 钢琴演奏乐理系统构成要素
一、节奏
二、和弦
三、力度
四、曲式
五、曲体
六、析研
第三节 音
一、概念
二、音的种类
第四节 键盘、五线谱、音名、唱名一
一、音级、中央C、音组划分一
二、五线谱一
三、音名、唱名、音级一
第五节 识谱
一、谱号一
二、加线及加间一
三、变音记号一
四、谱表
五、音符、休止符、附点
第六节 节拍、拍号
一、节拍
二、拍号
三、小节、小节线、段落线、终止线
四、时值
五、切分音
六、音值的特殊划分

第三章 钢琴演奏的自然表现
第一节 节奏与钢琴演奏的自然表现
第二节 触键、音色与钢琴演奏的自然表现
第三节 音乐作品的自然理解与表现
第四节 放松演奏与自然表现
一、演奏中放松的含义
二、钢琴演奏紧张成因
三、放松演奏的前提
四、钢琴演奏时放松的技巧

第四章 钢琴弹奏的正确姿势
第一节 坐姿
一、身体状态和坐的位置
二、关于琴凳
三、双脚与踏板
四、远距离坐姿
第二节 手型
一、手指及关节的编号
二、正确的手型
三、错误的手型
四、手型的练习方法
第三节 触键
第四节 演奏坐姿实践问题
第五节 坐姿对触键的影响

第五章 钢琴演奏基本奏法与指法
第一节 钢琴弹奏法的发展与演变
一、古钢琴演奏法的发展
二、巴洛克时期的钢琴演奏法
三、古典主义时期的钢琴演奏法
四、浪漫时期的钢琴演奏法
五、印象主义时期的钢琴演奏法
六、现代钢琴演奏法
第二节 钢琴的基本弹奏方法
一、连音奏法
二、断音奏法
三、跳音奏法
四、双音奏法
第三节 从心理学角度分析钢琴奏法
一、从生理角度看弹奏技巧的形成过程
二、从心理角度分析弹奏中记忆规律
第四节 音色与奏法
第五节 钢琴弹奏基本指法
一、顺指法
二、扩指法
三、缩指法
四、穿指法
五、跨指法
六、换指法
七、轮指法
八、长音暗换指法
九、落滚指法
第六节 指法总结与指法设计
一、指法总结
二、基本指法标注方法的探讨
三、指法设计

第六章 钢琴演奏技能技巧
第一节 钢琴技术门类
一、织体技术
二、歌唱性技术
三、踏板技术
第二节 乐曲练习
一、柱式和弦伴奏型
二、分解和弦伴奏型
三、半固定分解和弦型
四、阿尔贝蒂分解和弦伴奏音型
第三节 节奏
第四节 音阶
第五节 和弦
一、和弦及其色彩
二、和弦弹奏的分类及其训练
第六节 琶音
第七节 双音、八度
一、双音的训练
二、八度的训练
第八节 装饰音
一、倚音
二、波音
三、回音
四、颤音
第九节 触键
一、指力触键
二、手力触键
三、臂落触键
四、全臂触键
第十节 踏板
一、踏板介绍
二、右踏板的使用
三、左踏板的使用
四、中踏板的使用
五、踏板的使用原则
第十一节 钢琴演奏协调性
一、手指独立性
二、手指灵活性
三、手指均匀性
四、手指指力的训练
五、腕、肘、臂协调的作用
六、碗、肘、臂协调的训练
第十二节 钢琴演奏心理技术

第七章 教学中钢琴乐曲处理技巧
第一节 钢琴作品的研究与处理
一、分析、理解作品
二、钢琴作品的处理
第二节 练习曲的处理与表现
一、练习曲的技术难点
二、练习曲的处理方法
第三节 复调作品的处理与表现
一、复调作品的弹奏特点
二、复调作品的处理方法
第四节 大型钢琴作品的处理与表现
一、大型作品概述
二、小奏鸣曲的处理方法
三、奏鸣曲的处理方法
第五节 中国钢琴作品的处理与表现
一、中国钢琴作品的创作特点
二、中国钢琴作品的演奏特点
三、中国钢琴作品的处理方法
参考文献

好的，这是一份关于另一本主题图书的详细简介，内容完全独立于《钢琴演奏技巧的自然表现与教学实践》。 --- 图书名称：巴赫键盘作品的结构解析与演奏诠释 作者： [此处填写虚构作者名，例如：陈 景 鸿] 出版社： [此处填写虚构出版社名，例如：和声学苑出版社] 定价： [此处填写虚构定价，例如：RMB 128.00] ISBN： [此处填写虚构ISBN号，例如：978-7-5608-1234-5] --- 图书简介 《巴赫键盘作品的结构解析与演奏诠释》 是一部深入剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）键盘音乐精髓的学术专著与实践指南。本书旨在超越传统的技术指导层面，聚焦于巴赫作品深层的结构逻辑、对位思维以及在其历史与文化背景下的演奏处理方式。作者以严谨的音乐学研究为基础，结合多年的演奏实践经验，为音乐专业人士、高级学生以及巴赫音乐爱好者提供了一套系统而富有洞察力的解读框架。 本书的构建基于一个核心理念：理解巴赫音乐的“建筑性”是实现有效演奏的前提。巴赫的作品，无论是早期的赋格、后期的平均律，还是组曲与协奏曲，都展现出无与伦比的逻辑严密性和数学般的精确性。本书的结构因此被精心设计为三个递进的部分：基础理论的重构、核心作品的深度剖析，以及演奏实践的进阶策略。 第一部分：巴赫音乐的逻辑基石 本部分首先为读者奠定了理解巴赫键盘音乐所需的理论基础，但着重于将这些理论应用于实际的听觉与演奏体验中。 第一章：对位法与声部线条的视觉化 这一章详细阐述了巴赫如何运用各种对位技法——模仿、卡农、赋格的结构布局。重点在于如何“听见”每一个声部的独立生命力。书中引入了“声部追踪图谱”的概念，旨在帮助演奏者通过视觉辅助工具，清晰定位和平衡织体中的不同层次。我们探讨了巴赫作品中常见的“隐藏声部”与“转换声部”的处理技巧，强调在多声部织体中保持清晰度和连贯性的重要性。 第二章：调性布局与乐思的动机发展 巴赫的音乐不仅是和声的集合，更是调性空间中主题材料的有机生长。本章深入分析了巴赫如何构建长篇的乐章结构，包括主题的呈示、发展与再现过程中所采用的转调路径。特别关注了其作品中特有的“序列进行”（Sequences）的内在驱动力，以及如何通过对动机细微变化的把握，来驱动整体乐曲的张力走向。 第三章：节奏的张力与织体的内在律动 巴赫的节奏往往具有一种沉静而强大的内在驱动力。本章区别于简单地讲解节拍，而是探讨了复节奏（Polyrhythm）在巴赫音乐中的作用，以及如何通过对不同声部之间时值的微妙处理，营造出作品所需的“律动感”（Affekt）。书中对巴赫常用的切分音处理和重音逻辑进行了细致的分析，旨在帮助演奏者避免僵硬的机械演奏。 第二部分：核心作品的结构解码 本部分是本书的核心，选取了巴赫键盘作品中具有代表性的体裁进行深入的微观结构分析。 第四章：《平均律键盘曲集》的结构哲学 《平均律》不仅仅是技巧练习，更是巴赫对当时键盘乐器性能极限的探索。本章将《平均律》的两卷乐曲视为一个整体，探讨了大小调体系的完整布局。针对典型的赋格曲（Fugue），我们提供了详细的“赋格解剖图”，解析其呈示部、中段与再现部的结构边界，并探讨了不同演奏版本（如大键琴与钢琴）在处理赋格主题时的核心差异点。 第五章：英国与法国组曲的体裁特征与程式化 组曲是巴赫键盘作品中体现舞蹈性与抒情性交织的典范。本章对比了《英国组曲》和《法国组曲》在选曲偏好、风格倾向上的差异。重点分析了巴赫如何将传统的舞蹈形式（如阿勒曼德、库朗特、萨拉班德、吉格）进行个人化的提升与深化。对于萨拉班德中蕴含的沉思性，以及吉格中复杂的三声部交织，提供了特定的演奏策略。 第六章：帕蒂塔中的叙事性与技术挑战 《帕蒂塔》系列在技巧难度和音乐想象力上达到了新的高度。本章着重分析了其中标志性的变奏曲目，如《C小调帕蒂塔》中的“恰空”（Chaconne，此指《帕蒂塔》中的其他变奏或组曲中的技巧性舞曲），探讨其宏大的结构规划和密集的织体处理。本书提供了如何在大规模结构中保持气息连贯性和情绪起伏的独到见解。 第三部分：演奏实践与历史语境的融合 最后一部分将理论分析转化为可操作的演奏指导，并探讨了演奏实践的广阔视角。 第七章：指法与触键的“巴赫式”精确性 在现代钢琴上演奏巴赫，指法设计至关重要。本章摒弃了仅依赖指尖或掌压的片面论述，转而强调“声部独立性”的指法构建。详细讨论了巴赫时代常用的指法习惯与现代钢琴的适应性问题，并提出了一套优化触键力度、确保声部清晰度的“平衡触键模型”。 第八章：踏板在巴赫键盘作品中的审慎运用 踏板的使用是巴赫演奏中最具争议的领域之一。本书主张，踏板不应作为隐藏技术缺陷的工具，而应作为增强织体清晰度和烘托特定“情绪”（Affekt）的精细调味品。本章通过具体的实例，教授读者如何根据不同的音区、织体密度和作品的声学环境，精确控制踏板的深度和持续时间，以达到最大程度的透明度。 第九章：历史乐器背景对现代演奏的启发 理解巴赫创作时的历史乐器（如羽管键琴和早期的钢琴）的机械特性和音色特点，是深化演奏理解的关键。本章探讨了羽管键琴的“触击感”与现代钢琴的“延音性”之间的张力。作者建议，演奏者应从羽管键琴的颗粒感和清晰度中汲取灵感，从而在现代钢琴上创造出更具历史感的、结构分明的音响画面。 结语：巴赫精神的当代回响 本书最后总结了如何将这些严谨的结构分析和细致的演奏策略融入日常练习，使演奏者能够以更具洞察力的方式，去诠释这位音乐巨匠跨越时空的伟大遗产。 目标读者： 音乐学院学生、钢琴教师、专业演奏家、以及对巴赫键盘音乐有深入研究兴趣的听众。本书适合作为高等音乐教育机构的专业参考教材或进阶选修课程的指定读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，简直是为我这种“死磕派”的乐迷量身定做的。我一直觉得，要想把钢琴弹好，就必须把每一个音符都抠到极致，每一个技术都要练到滴水不漏。但长久以来，我总觉得我的演奏听起来像是在“演奏”一段段乐谱，而不是在“歌唱”音乐。那种灵魂上的共鸣，那种由内而外的情感流露，总是差那么一层窗户纸。 读了这本书，我才恍然大悟，原来“自然表现”并不是放弃技术，而是在扎实的技术基础上，赋予音乐以生命。它让我明白，所谓的“自然”，其实是建立在对音乐内在结构和情感逻辑深刻理解之上的。书中关于“节奏的自由度”和“音色的层次感”的阐述，简直是醍醐灌顶。它不再是简单的“加快”或“减慢”，而是告诉你如何在保持音乐的整体框架不变的前提下，进行微调，让音乐的呼吸更加舒畅，情感更加饱满。我开始尝试用新的视角去听音乐，去感受那些大师们的演奏，终于找到了那种“听似随意，实则精妙”的感觉。这本书真的让我从技术至上的思维模式中走了出来，开始真正享受音乐带来的美妙体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直打开了我的新世界！作为一个在钢琴道路上摸爬滚打了十几年的“老”业余爱好者，我总觉得自己的演奏总差点“味道”。不是技术不行，而是那种流动的、有生命力的感觉始终抓不住。我尝试过无数种方法，翻阅过各种教材，但总感觉隔靴搔痒。直到我读了这本书，我才明白，原来那些看似飘渺的“音乐感”和“表现力”，并非是天生的天赋，而是可以通过科学、系统的方法去培养和实现的。 书里对于“自然表现”的解读，让我耳目一新。它不是教你死记硬背一些程式化的表情，而是深入浅出地讲解了音乐的内在逻辑，比如乐句的呼吸、音色的变化如何与情感的起伏相呼应。它不是简单地告诉你“这里要弹得强一些”，而是分析了背后的原因，让你理解为什么强，以及如何才能让这个“强”变得有意义，而不是生硬的噪音。我尤其喜欢书中关于“触键”的论述，它把钢琴的键盘比作一个充满无限可能的画布，不同的触键方式能带来多么丰富细腻的音色变化，我之前根本没有意识到。书中提供的那些练习方法，也非常实用，不是那些枯燥的音阶琶音，而是巧妙地将技术训练与音乐表现结合起来，让我在不知不觉中提升了对音乐的感知能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字，有一种润物细无声的力量。我一直觉得，学习钢琴，尤其是在高阶阶段，更像是一种哲学上的探索，一种对美的追求。很多时候，我们会被技术上的困难所困扰，而忽略了音乐本身传递的情感和思想。这本书却恰恰能引导我们回归音乐的本质。 它没有用生硬的术语去堆砌，而是用一种非常亲切、诗意的方式去描绘“自然表现”的各个方面。我尤其喜欢书中关于“音色的细微变化”的描写，它将不同的音色比作不同的色彩，不同的情绪，让我能够更直观地去理解如何通过触键去塑造音乐的表情。书中的一些意象化的比喻，比如将乐句比作河流的流动，将音乐的起伏比作山峦的跌宕，都让我对音乐的感知更加立体和深刻。读这本书，我不再是机械地学习技巧，而是沉浸在一种对音乐美的欣赏和体验中。它让我明白，真正的钢琴演奏，是心灵与音乐的对话，是情感的自由流淌。这本书，对我来说，更像是一本音乐哲学的入门读物，让我对音乐的理解上升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

这本书让我对“教学”这件事有了全新的认识。作为一名在音乐培训机构工作的老师，我见过太多孩子因为枯燥的练习而对钢琴失去兴趣。传统的教学模式往往过于强调识谱和指法，而忽略了音乐本身的情感和表现力。这本书则提供了一个截然不同的视角，它将“自然表现”作为核心，将教学过程与对音乐的深度理解和情感体验紧密结合。 我特别欣赏书中关于“鼓励学生的主观能动性”的论述。它不是让学生被动地接受知识，而是鼓励他们去探索、去发现、去表达自己的音乐想法。书中提供的许多互动式教学方法，比如让学生用肢体语言来表达音乐的节奏和情绪，或者鼓励他们用不同的方式去诠释同一个乐句，都极大地激发了学生的学习热情。我尝试在课堂上运用这些方法，效果超乎我的想象。孩子们不再只是机械地模仿，而是开始主动思考，积极参与。他们甚至能够创造出令我惊喜的音乐瞬间。这本书，真的让我看到了音乐教育的另一种可能性，一种更具生命力和创造力的可能性。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的理论深度和实践指导性简直是完美的结合。作为一名钢琴教师，我一直在寻找能够真正帮助我的学生突破瓶颈的教学理念和方法。市面上有很多关于技巧的书籍，要么过于理论化，让学生望而却步；要么过于操作化，缺乏深层的思考。而这本书，它恰恰找到了那个黄金点。它没有回避复杂的音乐理论，但又用非常通俗易懂的语言去阐释，让即便是不具备深厚理论基础的学生也能理解。 最让我惊喜的是，它不仅关注“怎么弹”，更关注“为什么要这样弹”。书中对于音乐风格的分析，对于不同时期作曲家作品的理解，都提供了非常深入的视角。它教会我如何引导学生去挖掘乐谱背后的情感和思想，而不是仅仅把音符弹出来。书中提供的教学案例和实践步骤，也为我提供了很多宝贵的参考。我尝试了几种书中提到的教学方法，效果非常显著，学生们的演奏明显变得更加生动和富有表现力，而且他们自己对音乐的理解也提升了不少。这本书真的让我重新审视了我的教学理念，让我更有信心和方法去培养出真正热爱和理解音乐的学生。