汉字书法之美 蒋勋 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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蒋勋 编

图书标签:

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• 中国文化
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出版社： 广西师大

ISBN：9787563391264

商品编码：1277705010

开本：16

出版时间：2009-11-01

基本信息

• 商品名称：汉字书法之美
• 作者：蒋勋
• 定价：49.8
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787563391264

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2009-11-01
• 印刷时间：2014-08-01
• 版次：1
• 印次：7
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：245
• 字数：150千字

编辑推荐语

汉字书法之美，不仅在指腕之间，而且“是呼吸，是养生，是身体的运动，是性情的表达，是做人处事的学习，是安定保佑的力量”，*终成为“与自己相处*真实的一种仪式”。 蒋勋著的《汉字书法之美》是写给每个中国人的书法美学，唤醒每个中国人的书写记忆。作者以其独特的美学情怀，述说动人的汉字书法故事。文字编织成画面，我们走进了那古老却又现代的汉字时间光廊，东方书写的敬意与喜悦，就在你我的指间心中！

内容提要

五千多年前，象征黎明曙光的**个汉字出现了 ，文字在天地之间被创造出来，在动物骨骸、金属、 石头、竹简、纸帛上被记录下来，在各个朝代以或沉 重朴厚，或飞扬婉转，或森严宏大，或肆意狂放的书 写线条，完成了每个时代美学*集中的表现。到了现 代，汉字不曾消失、不肯遗忘，*将拥有悠长丰沛的 活力。
     《汉字书法之美》作者蒋勋以其独特的美学情怀 ，述说动人的汉字书法故事。文字编织成画面，我们 走进了那古老却又现代的汉字时间光廊，东方书写的 敬意与喜悦，就在你我的指间心中！

作者简介

蒋勋，福建长乐人。1947年生于古都西安，成长于宝岛台湾。台湾文化大学历史学系、艺术研究所毕业。1972年负笈法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台。曾任《雄狮美术》月刊主编，并先后执教于文化大学、辅仁大学及东海大学美术系，现任《联合文学》社长。 其文笔清丽流畅，说理明白无碍，兼具感性与理性之美。著有小说、散文、艺术史、美学论述作品数十种，并多次举办画展，深获各界好评。近年专事两岸美学教育推广，他认为，美之于自己，就像是一种信仰，而自己用布道的心情传播对美的感动。

目录

自序“上”，“大”、“人”——*早*美的书写
序篇 *初的汉字
汉字演变
结绳
绳结
仓颉
象形
毛笔
甲骨
金文
石鼓
李斯
由篆入隶
秦隶
简册
书法美学
波磔与飞檐：汉隶水平线条
即兴与自在：王羲之《兰亭序》
厚重与飘逸：碑与帖
平正与险*：行草到狂草
法度与庄严：唐楷
意境与个性：宋代书法
形式与表现：元明书法与文人画
古朴与拙趣：走向民间的清代书法
感知教育
卫夫人《笔阵图》
**课：“点”，高峰坠石
第二课：“一”，千里阵云
第三课：“竖”，万岁枯藤
第四课：“撇”，陆断犀象
第五课“弋”，百钧弩发
第六课：“力”，劲弩筋节
第七课：“辶”，崩浪雷奔
汉字与现代
建筑上的汉字
墨：流动在光里的烟
帖与生活
书法云门：与身体对话
回到信仰的原点
回到九官格

《翰墨丹青：中国传统绘画的意境与技法》 内容提要： 本书深入剖析了中国传统绘画——这一中华文明瑰宝的深厚底蕴、核心美学思想及其在不同历史时期的演变与技法精髓。我们不谈文字书写，而是聚焦于笔墨如何在宣纸上构建起一个独立于现实、充满精神寄托的“意境”世界。全书共分六个部分，从理论基石到实践探讨，旨在为读者提供一套系统且富有启发性的中国画认知框架。 第一章：气韵生动——中国画的哲学基石 中国画并非仅仅是对物象的摹写，而是一种哲学的表达和精神的寄托。《气韵生动》这一中国画最高的美学标准，是六法之首，也是理解中国画精髓的关键。本章将追溯“气”与“韵”的道家、禅宗思想渊源，探讨画家如何通过笔墨的提按顿挫，捕捉和传达对象的生命力与内在精神，而非徒具其表。我们将详细解析“传神写照”与“形似”之间的辩证关系，并通过魏晋、唐代的经典画论，阐释古代画家是如何将个人修养、学识与艺术创作融为一体的。此处的焦点是“心手相应”，即心灵的感知如何转化为指尖的律动。 第二章：墨分五色——笔法与皴法的体系构建 水墨，是中国画的灵魂。本章将系统梳理“墨分五色”的奥秘——焦、浓、重、淡、清，这五种层次的墨色变化，如何替代了西方绘画中的色彩体系，构建出丰富的光影、空间和质感。我们将详细解析中国画中至关重要的“笔法”——如中锋、侧锋、藏锋、露锋的运用及其对线条力量感和韧性的决定。 更进一步，本章聚焦于“皴法”，这是山水画表现对象（如山石、树木）体积、肌理和时代感的关键技术。从李思训的“金碧山水”的硬朗线条，到荆浩、关仝的“斧劈皴”的雄浑气势，再到董源、巨然“披麻皴”的温润柔和，我们将逐一拆解这些经典皴法的结构原理、适用的描绘对象，并探讨它们在不同流派中的演变轨迹。例如，如何通过不同角度的排线模拟岩石的风化痕迹，如何利用枯笔表现苍劲的古松之感。 第三章：咫尺千里——空间与构图的东方智慧 与西方绘画强调的焦点透视不同，中国画运用的是“散点透视”或“移动视点”，以实现“咫尺之内再造乾坤”的宏大叙事。本章将深入探讨中国画独特的空间处理方式。 首先分析“高远、平远、深远”三种经典的山水画空间布局法，它们是如何引导观者视线在画面中游走的。其次，我们将讨论“计白当黑”的构图哲学。留白，在中国画中绝非“空缺”，而是被赋予了无限的想象空间、空气感和意境的延伸。例如，一处恰到好处的云雾留白，如何将远山衬托得更加缥缈，体现了“虚实相生”的辩证美学。此外，还会解析如“S”形主线、借景、框景等构图技巧，如何在有限的画幅中营造出无限的层次感与层次感。 第四章：梅兰竹菊与花鸟世界的生命哲学 花鸟画是中国画中极为贴近生活、表达个人情操的重要分支。本章集中讨论“四君子”——梅、兰、竹、菊所承载的文化寓意。我们将研究不同朝代画家（如宋代的院体画与文人画）对这些题材的处理差异。 例如，宋徽宗的工笔花鸟，如何以科学的观察和细腻的笔触捕捉瞬间的生命形态；而文人画家则更注重以“写意”的手法，通过寥寥数笔，表达自己坚韧、高洁的品格。本章会具体分析“写意”的花鸟画中，如何运用“意笔”，如墨兰的“一笔过”，体现其超然物外之态；以及如何通过水墨的晕染来表现禽鸟羽毛的绒感和生动性。 第五章：师古与创新——文人画的发展脉络 中国画的发展史，尤其自宋代以后，与“文人画”的崛起密不可分。本章将梳理唐、宋、元、明、清时期，文人画从萌芽到成熟的轨迹。我们重点探讨“士气”在绘画中的体现——即画家如何将诗词歌赋的意境融入画面，使画作成为“无声的诗，有形的画”。 我们将详细对比“院体画”的精工细致与“文人画”的率性自然，重点分析元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）如何通过对前人笔墨的继承与改造，建立起各自独特的面貌。倪瓒的“折笔”与“一 कोने之景”，如何反映其孤高清远的个性；而董其昌所倡导的“南北宗论”，对后世山水画的审美取向产生了何种深远影响。本章强调，真正的创新，源于对传统的深刻理解和化用。 第六章：材料与工具的物质基础 艺术的表达离不开物质载体。本章将回归到中国画的物理基础，详细介绍“文房四宝”——笔、墨、纸、砚的特性及其对绘画效果的直接影响。 我们将分析不同动物毛（狼毫、羊毫、兼毫）制作的画笔，如何决定了线条的刚柔和吸墨性；宣纸（生宣与熟宣）的吸水性差异，如何决定了水墨洇化的程度，这对于分水、渲染等技法至关重要；以及墨锭的研磨过程，如何影响墨色的光泽与层次。理解这些工具的物理属性，是掌握中国画技法，避免“匠气”的必要前提。本书鼓励读者亲自上手体验，感受笔触与介质的互动，从而真正理解“笔墨即是生命”。 结语：观画之道——如何进入中国画的意境 最后，本书将提供一套观画指南，引导读者超越单纯的“看图”，进入到与古人精神对话的境界。学习欣赏中国画，需要耐心和文化的背景知识，需要理解画中人物的典故、诗文的寓意，以及画家所处的时代心境。 《翰墨丹青》力求以严谨的学术梳理为基础，配以丰富的图例解析，带领读者跨越时空，领略中国传统绘画中那份独有的、超越物质形体限制的东方美学与哲学思辨。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书，仅仅是捧在手里，就能感受到那种沉甸甸的历史感和艺术气息。我原本以为书法只是中国传统文化中一种相对“严肃”的技艺，是写给少数精英把玩的对象，但读完之后，才惊觉它如同呼吸一般，渗透在中国人精神世界的每一个角落。作者对笔墨的理解，已经超越了单纯的技术层面，更像是一种哲学的阐述。他没有堆砌艰涩的术语，而是用一种近乎诗意的语言，引导我们去观察“一撇”如何蕴含着山川的起伏，“一点”如何凝聚着内心的波澜。尤其让我印象深刻的是，他剖析了不同时代书法风格背后的社会心理，比如魏晋风度的洒脱如何投射到竹林七贤的笔法中，那种不羁与率性，读起来让人仿佛能闻到空气中弥漫的兰花香。我尤其喜欢其中关于“气韵生动”的探讨，它不再是玄而又玄的口号，而是通过具体的范例，让我们明白，真正的美，在于流动，在于生命力，在于创作者如何将个体的情感与宇宙的秩序进行对话。这本书，与其说是教你如何写字，不如说是教你如何“看”世界，如何以一种更深邃、更有层次的眼光去品味生活中的每一个瞬间。它打开了一扇窗，让我看到了书法艺术背后那片广阔无垠的精神原野。

评分☆☆☆☆☆

我是一个视觉学习者，对于纯粹的理论文字往往感到枯燥乏味，但这本关于书法的书，却让我体验到了一种罕有的阅读快感。作者似乎深谙文字与图像的张力，他笔下的描述，总能在我脑海中立刻构建出清晰的画面感，甚至能“听见”墨汁在宣纸上洇开时的沙沙声。他对于笔势的分析，简直是教科书级别的引导，例如，他会细致地描述提按顿挫之间，手臂、手腕、手指乃至整个身体是如何协同作用的，那种整体性的发力感，通过文字被精准地传达出来。而且，全书的结构安排非常巧妙，没有采用那种“先理论后实践”的刻板顺序，而是将理论融入到对具体作品的赏析之中，使得理论学习不再是孤立的任务，而是成为理解艺术的工具。我特别喜欢他分析一些著名碑帖时的角度，他总能挖掘出那些隐藏在墨痕之下的作者心绪，仿佛进行了一场跨越时空的对话。这种既具学术深度又富于文学色彩的表达方式，让即便是对书法知之甚少的读者，也能被其强大的感染力所吸引。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大震撼，在于它对“不完美之美”的推崇。我们成长过程中被灌输的传统审美，往往要求“尽善尽美”，要求规矩方圆，要求每一个结构都精准无误。但这本书却巧妙地引导读者去欣赏那些“失误”中的光芒，那些无意中产生的飞白、那些略微倾斜的重心，正是这些“破绽”，才使得作品拥有了鲜活的生命力。作者的文字充满了对“人性”的关怀，他深知，书法作为一种人与工具的互动，必然带有人的局限和情感的波动。因此，他鼓励学习者放下对绝对标准的执着，转而追求那种“恰到好处的偶然性”。这种论调在新时代的审美教育中尤为可贵，它教会我们接纳自己的不完美，并将其转化为一种独特的风格标识。我曾一度因为临摹不标准而感到沮丧，但读完这一段，我豁然开朗，原来真正的境界，是超越了“像”与“不像”的束缚，达到了“似与不似之间”的至高境界。这本书的价值，不仅仅体现在书法的技法层面，更在于它对现代人焦虑心理的疏导和安抚。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，一开始接触这本书时，内心是带着一丝抗拒的。我对“美学”这种东西总是保持着一种审慎的态度，总觉得文字描述的美，总会比实际的体验打折扣。然而，这本书的叙事节奏和行文的流畅度，完全颠覆了我的固有印象。它读起来不像是一本理论专著，更像是一位经验丰富的老者，在你耳边娓娓道来他毕生对美的体悟，那种信手拈来、不着痕迹的从容，极具说服力。书中对书体演变的梳理，逻辑清晰得令人赞叹，从篆隶的古朴浑厚，到楷书的规范严谨，再到行草的奔放自由，每一个转折点，作者都给出了极具洞察力的解读，仿佛历史的长河就在眼前徐徐展开。我特别欣赏作者在论述中展现出的那种“中道”精神，他既不盲目推崇古人，也不对现代创作妄加评判，而是力求在历史的脉络中找到当下创作的立足点。这种平衡的视角，使得全书的论述既有深度又不失温度，让人在阅读的过程中，不自觉地就沉浸其中，忘记了时间，只专注于笔尖与纸张之间那场无声的对话。读完合上书本，感觉胸中仿佛被注入了一种宁静的力量，对于那些日常的喧嚣和浮躁，似乎有了一种天然的免疫力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于传统艺术的书籍很多，但大多流于表面，要么是简单地罗列历史脉络，要么是过度美化，缺乏实操的指导意义。然而，这本书的独特之处在于，它成功地在宏大的文化叙事与个体实践之间架设了一座坚实的桥梁。作者并非高高在上的理论家，他似乎深谙初学者在面对艰深传统时所产生的迷茫和无措。书中对“学书路径”的阐述，非常务实且具有启发性。他强调的不是盲目地模仿，而是要先“入古”，理解古人的精神内核，才能在“出新”时有所依凭。这种循序渐进、注重内化的学习方法，让我对自己的未来练习方向有了一个清晰的规划。更重要的是，作者始终在倡导一种“生活中的书法”，他提醒我们，书法练习的最终目的不是为了成为一个匠人，而是为了通过线条的训练，提升我们感知世界、表达自我的能力。这本书，与其说是书法入门指南，不如说是一本关于如何通过艺术媒介，实现自我完善和精神升华的“心灵地图”，读后感觉自己的精神世界被拓展了不止一个维度。

评分☆☆☆☆☆

妙

评分☆☆☆☆☆

很好的书籍，孩子们很喜欢看！值得购买！

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

特别好哦

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！！！！！！！！

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好评如潮啊

评分☆☆☆☆☆

蒋勋的书没的说，出一本买一本

评分☆☆☆☆☆

特别好哦

评分☆☆☆☆☆

非常好的书，卖家发货很快！