音乐等级考试音乐基础知识(乐理视唱练耳分册中级音乐版上) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵易山 编

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103053713

商品编码：23480905536

开本：8

出版时间：2017-07-01

基本信息

• 商品名称：音乐等级考试音乐基础知识(乐理视唱练耳分册中级音乐版上)
• 作者：编者:赵易山
• 定价：52
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103053713

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-07-01
• 印刷时间：2017-07-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：活页
• 页数：71

内容提要

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作者简介

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目录

一
二
三
四
五
阶段复习（一）
六
七
八
九
十
阶段复习（二）

好的，这是一份关于其他音乐学习资料的详细介绍，完全不涉及您提到的那本书的内容。 --- 精进之旅：古典音乐演奏技巧与演绎深度剖析 图书名称：《大师之境：钢琴演奏中的情感表达与技术革新》 内容详述： 本书深入探讨了古典音乐演奏的多个维度，聚焦于如何将纯粹的技术转化为具有深刻感染力的艺术表达。全书结构严谨，分为四个核心部分，旨在为中高级演奏者提供一套系统化、富有洞察力的指导框架。 第一部分：触键的哲学与音色的雕琢 本部分首先从物理学和生理学的角度，解构了钢琴演奏中“触键”的本质。我们不仅分析了手指如何与琴键接触，更重要的是，探讨了演奏者如何通过细微的肌肉控制，来实现对音色（Timbre）的精确塑造。书中详细阐述了重量转移（Weight Transfer）、指尖的压力分布（Pressure Distribution）以及触键深度（Depth of Engagement）对声音颗粒感、丰满度和穿透力的影响。 特别设置的章节“音色光谱的探索”带领读者超越“明亮”与“柔和”的二元对立，进入一个更为细致的音色调制领域。通过对巴赫赋格曲中线条的清晰度、莫扎特奏鸣曲中晶莹剔透的音质，以及勃拉姆斯作品中温暖厚重和声的处理，我们展示了不同作曲家对音色特性的内在要求。书中收录了大量来自不同历史时期演奏流派的案例分析，对比了现代钢琴与古钢琴在音色处理上的差异与融合可能性。 第二部分：节奏的结构与时间的弹性 节奏是音乐的骨架，但优秀的演奏绝非僵硬地遵循节拍器。本部分的核心在于探讨“节奏的弹性”（Rhythmic Flexibility）——即如何在保持音乐结构完整性的前提下，赋予节奏以生命力。 我们详细研究了“韵律学”（Prosody）在音乐中的应用，借鉴了语言学中重音、停顿和语速变化的原理，来指导演奏中的时值处理。书中对“自由速度”（Tempo Rubato）进行了深入的理论阐述和实践指导，区分了源自肖邦时代的内敛式Rubato与浪漫主义晚期更为戏剧化的处理方式。通过对德彪西和拉威尔作品中模糊时间感处理手法的剖析，读者将学会如何在不破坏整体平衡的前提下，灵活地驾驭时间感，使音乐如同呼吸般自然流畅。 此外，本部分还收录了关于精确对位演奏的技巧，例如如何在复杂的赋格中保持各声部的独立性和清晰的进行，这要求演奏者具备高度的“多声部听觉意识”。 第三部分：诠释的路径：风格与语境的重建 真正的艺术深度来源于对作品历史、文化背景和作曲家意图的深刻理解。本部分致力于引导演奏者跨越单纯的音符阅读，进入到作品的“语境重建”过程。 书中系统梳理了从巴洛克时期到二十世纪中叶的主要音乐风格特征。对于巴洛克音乐，重点讨论了装饰音（Ornamentation）的即兴化原则与速度的取向；对于古典主义，则强调了清晰的结构逻辑与克制的力度对比；对于浪漫主义，则深入探讨了情感的张力和叙事性。 关键章节“手稿中的秘密”鼓励读者直接面对不同版本的乐谱、作曲家的书信和同时代评论家的记载。例如，通过对比早期施坦威钢琴时代的演奏记录与当代录音，读者可以清晰地洞察音乐诠释的历史演变，从而形成自己既尊重传统又富于个性的演奏观点。本书提供的不仅是“如何演奏”，更是“为什么这样演奏”的深层逻辑支撑。 第四部分：舞台的张力与心理的构建 成功的演奏不仅发生于琴键之上，更发生在演奏者与听众之间的能量交换之中。本部分专注于舞台表演心理学和实践管理。 内容涵盖了“准备阶段的心理锚定”、“现场的专注力维持”以及“应对意外状况的应急机制”。我们引入了顶尖音乐家应对演出焦虑（Performance Anxiety）的科学方法，包括认知重构技术、身体放松练习与情境模拟训练。书中强调，舞台表现力并非外在的做作，而是内在情感充沛与技术自信达到完美平衡的自然流露。 最后的章节“录音室与音乐厅的辩证”探讨了录音技术对演奏习惯的影响，帮助演奏者在追求完美的录音效果与保持现场演奏的活力之间找到健康的平衡点。 适用读者群： 专业音乐学院本科及研究生，具有多年学习经验的业余高级钢琴爱好者，音乐表演专业教师。本书假设读者已经掌握了扎实的基础乐理知识和演奏技巧，旨在帮助他们实现从“技术熟练”到“艺术大师”的飞跃。 --- 图书名称：《管弦乐队配器法详解与实践应用》 内容详述： 本书是一部专为作曲、指挥和编曲专业人士设计的，关于管弦乐队配器法（Orchestration）的权威参考书和实践指南。它超越了对单个乐器音域的简单罗列，致力于构建一个动态、有机且富有色彩的整体音响概念。 全书以十九世纪中叶瓦格纳主义的全面兴起为分界线，系统梳理了配器法的历史演变，并将其置于现代音乐创作的语境下进行深入剖析。 第一部分：乐器家族的“个性”与“群体性” 本部分细致入微地描绘了弦乐、木管、铜管和打击乐四大组的核心特性。 弦乐组的精微： 不仅覆盖了各个声部的弓法（Bowing Techniques）、指法（Fingering）对音色的影响，更深入探讨了对位织体中各声部（如第一小提琴与第二小提琴）的平衡策略。书中详细分析了连弓（Legato）在不同速度下的声音质感差异，以及“Sul Ponticello”（靠近琴码）和“Sul Tasto”（靠近指板）等特殊奏法在营造特定情绪场景中的作用。 木管的混合艺术： 木管部分是配器色彩变化最丰富的领域。本书通过大量的范例，展示了如何通过不同木管乐器之间的巧妙组合来模拟“新的音色”。例如，双簧管的穿透力如何与单簧管的圆润感进行精确叠加，以达到既清晰又柔和的层次感。对长笛和短笛在高音区的辉煌感以及大管的低音支撑力进行了专门的篇幅研究。 铜管的能量管理： 铜管组的处理重点在于动态的控制和音量的渐变。书中详细区分了圆号在“封闭”与“开放”音色上的区别，以及小号与长号的音区特性对整体合奏的贡献。特别强调了如何利用铜管的“半音闷音”（Muting）技巧来创造出既有金属感又不失距离感的音响效果。 打击乐的维度拓展： 打击乐不再被视为单纯的节奏点缀。本部分将打击乐分为“有音高”和“无音高”两大类，详细介绍定音鼓、马林巴、颤音琴等乐器的音色特点和在不同和声背景下的使用原则。对于噪音元素（如铙钹的撞击时值）的处理，提供了精确的记谱和听觉预期。 第二部分：织体、张力和动态的构建 本书的核心理论在于“织体密度”（Textural Density）与“动态范围”（Dynamic Range）的相互作用。 和声与配器的交织： 探讨了如何通过配器来强化或削弱某一和声色彩。例如，在厚重的和弦中，如何利用低音区的弦乐与大管来“锚定”根音，确保和声的稳定感，同时通过木管的高音区增加色彩的“光泽”。书中特别分析了李姆斯基-科萨科夫和德彪西作品中，对色彩叠加的极致运用。 层次感的实现： 提供了“配器三层理论”模型，即前声部（旋律与主导织体）、中声部（和声填充与过渡）和后声部（低音基础与节奏驱动），指导创作者如何平衡这三个层面，确保音乐的立体感。 动态的叙事性： 分析了从极弱（pppp）到极强（ffff）的每一个动态记号背后的“演奏意图”。如何实现一个平滑、不可察觉的渐强（Crescendo）？如何用配器暗示一场即将来临的音乐高潮？这些都通过大量的图表和乐例进行解析。 第三部分：实践案例与现代挑战 本部分通过对数部经典管弦乐作品的精细解构，将理论付诸实践。选取了马勒、拉威尔、斯特拉文斯基等大师的管弦乐片段，逐句分析其配器决策的深层原因。 最后，本书探讨了当代配器面临的挑战，包括如何有效地为电子乐器与传统乐队结合配器，以及如何在新媒体艺术中应用管弦乐思维进行音响设计。本书是每一位希望在管弦乐队这一庞大音响工具箱中游刃有余的作曲家不可或缺的工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计我一直都很喜欢，封面色彩搭配和谐，字体清晰，一看就很有专业感，拿在手里沉甸甸的，感觉内容肯定很扎实。虽然我还没来得及深入研读，但粗略翻阅了一下目录，内容涵盖了乐理、视唱、练耳等多个音乐基础知识领域，而且是针对中级水平设计的，这正是我目前学习阶段急需的。我一直觉得音乐学习不仅仅是技巧的掌握，扎实的乐理基础和敏锐的听觉是必不可少的。很多时候，我们之所以在某些乐曲的理解上感到吃力，或者在即兴创作时遇到瓶颈，都与基础知识的欠缺有关。这本书的编排方式，从乐理到视唱练耳的递进关系，我个人觉得会很有逻辑性，能够帮助我们系统地梳理和巩固这些知识点。我期待它能在我演奏或欣赏音乐时，提供更深层次的洞察，让我不仅仅是“弹会”或“听懂”，而是真正“理解”音乐的内在逻辑和情感表达。而且，我看到它标注的是“中级音乐版”，这预示着内容会比初级更深入，但又不像高级那样难以企及，这种定位非常适合我这样希望在现有基础上进一步提升的音乐爱好者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在音乐学习道路上摸索了多年的爱好者，我一直都在寻找一本能够系统性地提升我音乐“内功”的书籍，而这本书给了我很大的惊喜。它不像市面上很多教材那样，仅仅关注技巧的训练，而是从更深层次的乐理、视唱、练耳等方面入手，帮助我们构建扎实的音乐基础。我尤其喜欢它在乐理讲解中的严谨性，每一个概念的提出都经过了细致的推导和解释，让我能够理解知识的来龙去脉，而不是简单地死记硬背。而视唱练耳部分的练习，也非常有针对性，能够有效地锻炼我们对音高、节奏、音程、和弦的敏感度。我常常觉得，很多时候我们觉得乐曲很难，或者听起来不够“味道”，往往是因为我们的耳朵不够“尖”，对音乐的感知不够敏锐。这本书就像是一位经验丰富的老师，耐心地引导我们去“听懂”音乐，去“感受”音乐。我期待通过这本书的学习，能够让我在音乐的道路上走得更远、更稳。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性让我印象深刻。我特别看重学习资料是否能够直接应用于实践，而这本书在这方面做得非常出色。在乐理部分，它不仅仅是枯燥的理论堆砌，而是将很多理论知识与实际的乐曲分析相结合，通过分析经典乐曲的结构和和声，来印证和巩固所学的乐理知识。这让我觉得学习乐理不再是纸上谈兵，而是能够真正帮助我理解和欣赏我正在演奏或聆听的音乐。在视唱练耳部分，书中提供了大量的练习曲目，这些曲目难度梯度合理，覆盖了中级阶段所需要的各种视唱和练耳能力。更重要的是，书中还提供了一些非常实用的练习技巧和方法，比如如何提高视唱的准确性、如何有效地进行音程听辨等等，这些都是非常宝贵的经验总结。我个人认为，学习音乐基础知识，最终还是要回归到音乐的实践中来。这本书的设计理念，就是将理论与实践紧密结合，让我学到的知识能够直接转化为音乐的理解和表达能力，这正是我想从一本教材中获得的东西。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常吸引我，即使是像我这样并非音乐科班出身的读者，也能在其中找到乐趣。作者在阐述乐理知识时，并没有使用过于晦涩难懂的专业术语，而是巧妙地运用了一些生动形象的比喻，让抽象的概念变得具体可感。例如，在讲解和弦功能时，他可能会将不同的和弦比作不同性格的人物，在乐句中扮演不同的角色，这种解读方式让我一下子就抓住了核心要义。同样，在视唱练耳的部分，虽然涉及的音准、节奏和听辨要求很高，但书中提供的练习方法循序渐进，并且配有大量的示范音频，这对于提升听觉敏感度和音准控制能力至关重要。我一直觉得，练耳就像是给大脑安装了一副高保真的耳机，能让我们更清晰地捕捉到音乐的每一个细节。而视唱，则能帮助我们内化听到的旋律，将耳朵接收到的信息转化为口头表达，这对于理解音乐的旋律走向和结构非常有帮助。我相信，通过系统地练习这本书中的内容，我的音乐感知能力和表达能力一定会有显著的提升。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排非常有条理，结构清晰，这对于我这种喜欢按部就班学习的读者来说简直是福音。我通常喜欢先对学习内容有一个整体的把握，再深入到细节。这本书的目录设计就做到了这一点，它将复杂的音乐基础知识分解成一个个易于理解的模块，并且在每个模块下又细分出具体的知识点。这种层层递进的学习方式，让我觉得学习过程非常有成就感。另外，我注意到书中还穿插了一些小贴士和重点提示，这些设计非常贴心，能够帮助我在学习过程中快速抓住关键信息，避免走弯路。在视唱练耳部分，我特别欣赏它提供的音频资源，质量很高，能够清晰地展现出乐谱上的音高和节奏，这对于我这样的初学者来说，是至关重要的。我一直相信，好的学习材料，不仅要有扎实的理论内容，还要有科学的学习方法和丰富的辅助资源，而这本书恰恰具备了这些要素，让我对未来的学习充满了期待。