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店鋪： 後浪齣版公司官方旗艦店

齣版社： 北京聯閤齣版公司

ISBN：6201805140026

商品編碼：28675668849

品牌：後浪

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2017-09-01

用紙：膠版紙

正文語種：中文

商品參數

 

內容介紹

鏡頭的語法(插圖修訂第2版)

前 言

第壹章 鏡頭及如何取景

第2章 構圖的藝術

第三章 構圖進階

第四章 把鏡頭放在一起：預想剪輯過程

第五章 動態鏡頭：運動中的演員和攝影機

第六章 實際操作指南

第七章 總結

重要詞匯 

譯後記

齣版後記

電影語言的語法(插圖修訂版) 

齣版前言
推薦序
原編者的話
序言

作為一種視覺交流係統的電影語言
1.1 電影語言的起源 
1.2 電影創作者的類型
1.3 電影的錶現形式
1.4 明確我們的目的

電影平行剪輯的重要性
2.1 兩種基本類型 
2.2 動作和反應 
2.3 高峰瞬間和理解力 
2.4 怎樣運用平行剪輯 
2.5 一個寬廣的前景

基本手段的定義
3.1 新聞電影
3.2 紀錄電影 
3.3 故事電影 
3.4 三種類型的場景 
3.5 電影語法諸元素 
3.6 鏡頭
3.7 運動
3.8 距離 
3.9 剪輯類型 
3.10 視覺分句法 
3.11 場景的匹配 
3.12 對視 
3.13 注意中心的交替

三角形原理
4.1 基本的身體位置 
4.2 關係綫 
4.3 頭部的重要性 
4.4 三角形原理的五個基本變化 
4.5 構圖重點 
4.6 視覺重點的類型 
4.7 三角形原理：一個人

兩個演員的對話
5.1 麵對麵 
5.2 數量對比 
5.3 演員肩並肩 
5.4 演員一前一後 
5.5 注意事項 
5.6 攝影機的距離 
5.7 攝影機和演員的高度
5.8 人物並排躺著 
5.9 電話裏交談 
5.10 相反的對角綫 
5.11 半透明的遮闆 
5.12 演員在麵鏡中的反映

三個演員的對話
6.1 常規的情況 
6.2 非常規的情況 
6.3 內／外反拍攝影機位 
6.4 內反拍攝影機位 
6.5 平行攝影機位 
6.6 樞軸 
6.7 注意中心的突齣 
6.8 局部突齣 
6.9 全部突齣 
6.10 “北一南”變為“東一西” 
6.11 隻用四個攝影機位 
6.12 引入內反拍鏡頭 
6.13 使用八個攝影機位 
6.14 采用三種攝影機位的簡易方法 
6.15 使用樞軸鏡頭 
6.16 有意的捨棄 
6.17 小結

四人或更多人的對話場麵
7.1 若乾簡單的情況 
7.2 圍桌而坐的人群 
7.3 人群再細分為若乾組 
7.4 幾何圖形 
7.5 幾個相對立的區域 
7.6 處理一大群人 
7.7 一個演員麵對觀眾 
7.8 關係綫的交叉變化 
7.9 主要演員處於中心的人群 
7.10 作為樞軸的演員

靜態對話場麵的剪輯形式
8.1 接近與遠離形式 
8.2 一場戲如何開始 
8.3 再交代鏡頭 
8.4 沉默的反應的重要性 
8.5 插入鏡頭與切齣鏡頭 
8.6 數量對比 
8.7 主鏡頭的平行剪輯 
8.8 關係綫變換軸側 
8.9 對話之間的頓歇 
8.10 時間的壓縮加速 
8.11 對白的節奏

畫麵動作的特性
9.1 運動的分割
9.2 隨著運動變換視點 
9.3 切齣鏡頭的使用 
9.4 中性方嚮
9.5 用演員錶明方嚮的變換 
9.6 在同一半邊畫麵的對立運動 
9.7 鏡頭切換的條件 
9.8 切換點 
9.9 在運動中切

運動結束後的剪接

第十一章 畫麵內的運動
11.1 轉身 
11.2 起立
11.3 坐下和躺臥
11.4 行走和奔跑
11.5 穿過門洞
11.6 小結 
11.7 個人愛好

第十二章 入畫和齣畫的動作
12.1 多片段 
12.2 三個片段運動

第十三章 演員A走嚮演員B
13.1 會聚運動 
13.2 攝影機直角位置 
13.3 反嚮攝影機角度 
13.4 平行攝影機位 
13.5 共同視軸 
13.6 A越過B

第十四章 用主鏡頭拍攝畫麵中的動作

第十五章 不規則的例子
15.1 若乾人的視覺間歇 
15.2 省略間歇 
15.3 用相反的攝影機位 
15.4 分散運動 
15.5 一個演員在畫麵上的某一固定位置 
15.6 兩個演員同時運動

第十六章 演員A離開演員B

第十七章 演員們一起運動
17.1 間斷運動

第十八章 睏難的剪輯情況的解決
18.1 攝影機和靜態人物之間的運動 
18.2 第2個鏡頭開始時的動作 
18.3 在靜態演員身後的動作 
18.4 運用90°角的攝影機位 
18.5 兩個演員都在運動 
18.6 第壹個鏡頭中遮住一個運動的人物 
18.7 使用一個強烈的前景動作 
18.8 靜態人物的替換 
18.9 重新轉移注意力 
18.10 運用非人體的動作 
18.11 拉開帷幕的效果

第十九章 其他類型運動
19.1 環形運動 
19.2 垂直運動 
19.3 強烈的停頓

第2十章 運動鏡頭的二十條基本規律
20.1 運動和攝影機 
20.2 攝影機運動的基本準則 
20.3 有根據的戲劇動機

第2十一章 搖攝鏡頭
21.1 全景搖攝 
21.2 追逐場麵 
21.3 間歇搖攝 
21.4 環形搖攝 
21.5 快速搖攝 
21.6 用兩個方嚮 
21.7 垂直搖攝 
21.8 傾斜搖攝 
21.9 固定鏡頭和搖鏡頭的連接 
21.10 兩個連貫的搖鏡頭的剪接 
21.11 雜耍式的搖鏡頭

第2十二章 移動攝影
22.1 用連續移動拍攝間歇動作 
22.2 把一個靜止鏡頭和一個移動鏡頭連接起來 
22.3 攝影機的間歇移動 
22.4 運用軌道兩側的移動 
22.5 蜿蜒路綫 
22.6 移動時搖攝 
22.7 攝影機和演員反方嚮移動 
22.8 單列縱隊 
22.9 移動攝影的速度 
22.10 拍攝對象接近移動的攝影機 
22.11 剪輯連貫的移動鏡頭 
22.12 在一個移動的主鏡頭中切入靜止鏡頭 
22.13 環形移動

第2十三章 攝影升降機和變焦距鏡頭
23.1 跟隨動作 
23.2 前景道具強調高度 
23.3 把兩個或更多的情節要點從視覺上加以結閤 
23.4 把動作注入靜態情境中 
23.5 以搖攝動作突齣情節重點 
23.6 為動作中的剪接提供有力的運動 
23.7 變焦距 
23.8 變焦的速度 
23.9 變焦和搖攝相結閤 
23.10 仰俯拍鏡頭使用變焦距效果 
23.11 攝影機在變焦距時移動 
23.12 穿過前景障礙物變焦

第2十四章 動作性場麵
24.1 標準的公式 
24.2 主觀視點 
24.3 加強視覺動作的五種方法 
24.4 推嚮視覺高潮 
24.5 把高潮動作分為若乾鏡頭 
24.6 動作性場麵中使用高速和慢動作 

好的，這是一份關於不包含您提到的那套書籍內容的圖書簡介，重點放在其他相關的電影製作、敘事技巧和視覺傳達領域。 --- 電影敘事與視覺構建：從概念到銀幕的轉化 圖書簡介 在光影交織的電影藝術中，故事的講述遠不止於文字的堆砌和畫麵的堆疊。一部引人入勝的作品，需要對敘事節奏、視覺語言和情感傳達進行精妙的掌控。本書旨在為電影製作人、編劇、剪輯師以及所有對視覺敘事懷有熱忱的創作者提供一套係統而深入的理論框架與實踐指南，聚焦於如何在創作的各個環節中構建一個完整、有力的電影世界。 第一部分：敘事架構與劇本的骨架 電影的靈魂在於其故事結構。本部分深入探討經典敘事理論，如英雄之旅、三幕結構、以及當代敘事中的碎片化和非綫性敘事手法。我們不探討具體的剪輯語法，而是著重於如何將故事的“骨架”搭建得堅實可靠。 1. 故事的內在邏輯與驅動力： 角色動機的深度挖掘，衝突的層層遞進，以及如何設計高潮和轉摺點，確保故事的內在邏輯能夠自然地牽引觀眾的情緒。我們會分析不同類型片（如驚悚片、劇情片、科幻片）在基礎結構上的差異與共性。 2. 場景設計與功能性： 每個場景都必須服務於整體敘事。本章細緻剖析場景的功能——是推進情節、揭示人物性格，還是烘托氛圍？我們將通過大量案例研究，展示如何通過場景的布局和信息的精準投放，來構建懸念和預期。 3. 劇本語言的張力： 優秀的劇本不僅是對話的集閤，更是行動的藍圖。我們將探討如何用簡潔、有力的動作描述來代替冗餘的對白，讓畫麵本身成為敘事的主體。 第二部分：視覺語言的構建：構圖、光影與空間 電影是一門視覺的藝術。本部分將帶領讀者超越單純的技術參數，進入到如何利用視覺元素來錶達主題和情感的深層領域。 1. 視覺的符號學與心理學： 探討色彩、綫條、形狀在不同文化語境下的潛在含義。我們將分析導演如何利用特定的色彩調性（如冷色調的疏離感或暖色調的親密感）來潛移默化地影響觀眾的情緒認知，而非僅僅停留在“好看”的層麵。 2. 空間感的營造與控製： 鏡頭與場域的關係至關重要。本書詳述如何通過廣角鏡頭拉伸空間感，或使用長焦鏡頭壓縮景深，以達到特定的心理效果。重點在於理解“空間”在電影中不僅是背景，更是角色的延伸和情感的容器。 3. 光影的戲劇性運用： 光綫是塑造畫麵的核心要素。我們將深入研究自然光、人工光的特性，特彆是倫勃朗光、蝴蝶光、逆光等經典布光模式在敘事中的作用。如何利用高反差的光影來凸顯人物的內心掙紮，是本章的重點探討方嚮。 第三部分：節奏的掌控與敘事的流動性 節奏是電影的脈搏，它決定瞭觀眾體驗的舒適度與刺激性。本部分關注的是如何通過場麵調度和時間感的設計來調節觀眾的呼吸。 1. 場麵調度與群戲的編排： 在一個固定的鏡頭框架內，如何安排演員的走位、動作和焦點轉移，以引導觀眾的視綫流嚮，並同步傳達多重信息。這要求創作者對演員調度有極強的預見性和控製力。 2. 敘事時間與感知時間的張力： 電影中的時間是主觀的。通過慢鏡頭（拉長瞬間）或快速濛太奇（壓縮曆史），導演可以操縱觀眾對時間流逝的感知。本書將分析在不同敘事情境下，如何精確地選擇時間處理的手法以最大化情感衝擊力。 3. 聲音設計在節奏中的隱形作用： 聲音並非僅僅是畫麵的附屬品。環境音、擬音和音樂的介入點，極大地影響著畫麵的節奏感。我們將探討如何利用聲音的“缺失”或“突兀”來製造緊張或釋放壓力，從而建立起一種更立體的敘事節奏感。 第四部分：風格的確立與導演意圖的錶達 一個成熟的導演必須擁有清晰的個人風格，這種風格是技術運用與哲學思考的統一。 1. 視聽語言的統一性： 如何確保你在劇本、布景、攝影選擇和後期處理上所做的每一個決定，都指嚮同一個核心主題和導演意圖？本書強調風格的連貫性，避免技術炫技對故事錶達的乾擾。 2. 對經典的反思與創新： 電影史是不斷對話和反叛的過程。本章鼓勵讀者在學習經典手法的同時，批判性地思考現有範式，並嘗試在構圖、運動和敘事結構上找到屬於自己的獨特錶達方式。 3. 觀眾的代入感與共情機製： 最終，電影是關於連接。如何設計鏡頭語言，讓觀眾感覺自己不是在“觀看”故事，而是“置身”於故事之中？這涉及對主觀鏡頭、過肩鏡頭以及景深運用的深層理解。 本書旨在提供一個廣闊的視野，讓學習者明白，無論是選擇固定長鏡頭還是快速剪輯，所有技術選擇的最終落腳點，永遠是清晰、有力地傳達故事的核心信息與情感共鳴。它提供的是構建電影世界觀的底層邏輯，而非單純的工具書手冊。

評分☆☆☆☆☆

坦率地說，我購買這本書原本是抱著試試看的心態，因為市麵上關於剪輯技巧的書籍多如牛毛，真正有價值的鳳毛麟角。但這本書在“鏡頭語法”部分的闡述，徹底顛覆瞭我的固有認知。它沒有陷入傳統運鏡方式的窠臼，而是強調瞭情境驅動下的鏡頭選擇。比如，它對“主觀鏡頭”在不同情緒下的微妙變化，以及如何通過景深來控製觀眾的注意力焦點，做瞭非常細緻的對比說明。我尤其喜歡其中關於“節奏的物理學”那一部分論述，它把時間流逝的主觀感受與剪輯點的精確計算關聯起來，這種跨學科的思維碰撞，讓原本枯燥的數學計算瞬間變得充滿藝術張力，感覺自己像是在閱讀一本高級的作麯手冊。

評分☆☆☆☆☆

市麵上很多電影理論書籍都傾嚮於堆砌晦澀難懂的專業術語，讀起來非常枯燥，但這本讓我感受到瞭完全不同的體驗。它在講解過程中穿插瞭大量非常貼閤當下電影趨勢的實例分析，那些例子都選取得極有代錶性，幾乎都能立刻在腦海中構建齣那個畫麵。更難得的是，作者在分析這些案例時，不僅僅是簡單地描述“這裏用瞭推軌鏡頭”或者“那裏做瞭跳切”，而是深入剖析瞭運用這些技巧時導演想要達成的具體心理效果，這種“知其然更知其所以然”的講解方式，真正培養瞭讀者的鑒賞力和創作敏感度。感覺作者真的是一位經驗豐富的實戰派導師，用最接地氣的方式傳授最核心的訣竅。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版簡直是視覺享受，每一個章節的標題設計都充滿瞭設計感，用色和字體選擇都非常考究，讓人在閱讀的過程中心情非常愉悅。雖然內容本身已經足夠乾貨滿滿，但這種精心打磨過的視覺呈現，真的讓學習過程變成瞭一種享受。特彆是那些理論概念的圖示和案例分析的截圖，清晰度極高，即使是初學者也能迅速捕捉到重點。我個人特彆欣賞它在章節過渡時采用的那種柔和的色彩漸變，非常符閤電影敘事的節奏感，從視覺上就開始引導讀者進入“語法”的學習狀態。這本書的紙質感和裝幀質量也讓人愛不釋手，拿在手裏沉甸甸的，一看就知道是下瞭成本的用心之作，完全符閤它“後浪”齣版的定位，讓人覺得物超所值。

評分☆☆☆☆☆

這本書的後半部分，關於“電影語言的語法”的探討，顯示齣瞭作者極高的格局和視野。它不再局限於單個鏡頭的技術實現，而是將焦點拉高到整體敘事結構和觀眾體驗的層麵。作者對“信息密度”和“情感留白”的權衡分析，極具啓發性。我感覺自己通過閱讀，學會瞭一種新的觀察世界的方式——不再是單純地看一部電影，而是開始像一個“解構者”一樣去拆解導演的每一個決策背後的意圖。這種能力的提升，對於任何想從事影像創作的人來說，都是無價的。這本書與其說是一本技術手冊，不如說是一本幫助創作者建立成熟電影觀的“內功心法”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的內容結構簡直是教科書級彆的典範，邏輯鏈條設置得極其嚴密，從基礎的“語法”概念引入，到具體的“鏡頭”實踐，再到宏觀的“電影語言”運用，層層遞進，毫不拖遝。我特彆留意瞭它講解復雜剪輯原理時的敘述方式，作者似乎非常擅長將抽象的理論轉化為讀者易於理解的口語化錶達，但同時又保持瞭足夠的專業深度。讀完前幾章，我感覺自己對濛太奇的理解上升到瞭一個新的維度，不再是停留在簡單的“畫麵A接畫麵B”這種膚淺認知，而是開始思考每個轉場背後蘊含的情感驅動和敘事意圖。這種由淺入深、由點及麵的編排方式，極大地節省瞭我的摸索時間，讓我能夠快速掌握電影製作的核心思維模式。