外国音乐表演用语词典(第2版)第二版 音乐爱好者从业者实用的参考教材书 978710301 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787301011195

商品编码：29524996740

出版时间：2011-07-01

商品详情

西方艺术音乐史纲要：从格里高利圣咏到二十世纪先锋 一部全面而深入的音乐文化之旅 本书旨在为音乐爱好者、学生及专业人士提供一部翔实而富有洞察力的西方艺术音乐史概览。它不仅仅是一部简单的年代罗列或作曲家名录，更是一部深入探讨音乐如何作为人类思想、社会结构和技术进步的镜子的文化史。我们聚焦于音乐风格的演变、核心作曲家的创新及其作品在特定历史语境中的意义，力求构建一个连贯而生动的音乐发展脉络。 第一部分：起源与奠基（中世纪至文艺复兴早期） 本部分将追溯西方音乐的源头，探究早期宗教音乐如何塑造了西方记谱法的基本框架，并逐步过渡到世俗音乐的兴起。 第一章：古希腊与罗马的遗产与早期基督教音乐的萌芽 我们将首先简要回顾古希腊音乐理论对西方思维的深远影响，特别是“和谐”（Harmony）与“音阶”（Modes）的概念。重点将放在查理曼大帝时期宗教音乐的标准化进程，以及格里高利圣咏（Gregorian Chant）作为西方音乐的基石是如何确立其旋律、节奏和记谱法的。探讨单音音乐（Monophony）在弥撒与日课中的绝对主导地位。 第二章：复调的诞生与中世纪的创新（约900年 - 1400年） 复调（Polyphony）的出现是音乐史上最伟大的飞跃之一。本章将细致分析早期复调——奥尔加农（Organum）的发展，特别是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School），如莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）如何系统化了对位法。我们将深入研究中世纪世俗音乐的重要性，包括游吟诗人（Troubadour）、游吟乐师（Trouvère）和明净歌手（Minnesinger）的作品，他们对叙事和抒情主题的关注，为后来的歌剧和声乐体裁埋下了伏笔。同时，也将讨论十四世纪的“新艺术”（Ars Nova）及其在节奏复杂性上的突破。 第三章：文艺复兴的理想与音乐的清晰化（约1400年 - 1600年） 文艺复兴时期，人文主义思潮对音乐产生了深刻影响。本章将考察早期佛兰德斯乐派，如杜法伊（Dufay）和雅各布斯·奥布雷赫特（Obrecht），他们如何将复调技巧推向新的精致高度。重点阐述约瑟夫·帕莱斯特里纳（Palestrina）在特伦特会议背景下对“纯净”宗教音乐的典范确立。世俗音乐方面，我们将分析法国香颂（Chanson）和意大利假面音乐（Madrigal）的特点，特别是后期意大利牧歌中文字与音乐的紧密结合，预示着巴洛克的情感表达。 第二部分：风格的转型与体系的建立（巴洛克至古典主义） 本部分聚焦于音乐语言的剧烈变化，如歌唱的戏剧化、和声系统的确立以及器乐形式的规范化。 第四章：巴洛克早期的变革与歌剧的诞生（约1600年 - 1700年） 巴洛克时代以其强烈的对比、装饰性和“激情理论”（Doctrine of the Affections）为标志。本章将详细考察佛罗伦萨的“中产阶级”尝试如何催生了歌剧这一“综合艺术”。蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔费奥》中对情感的描绘，以及早期清唱剧（Oratorio）和康塔塔（Cantata）的发展，将是本章的核心。同时，对器乐领域，如协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）形式的初步确立也将进行讨论。 第五章：巴洛克盛期：宏伟与精湛的融合（约1700年 - 1750年） 此阶段是巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）的时代。我们将剖析巴赫对复调技巧（如赋格）的登峰造极，以及他如何将所有已知音乐语言融汇贯通。亨德尔的英国清唱剧，尤其是《弥赛亚》，展示了宏大叙事能力与公众接受度的完美结合。本章还将探讨意大利歌剧的“正歌剧”（Opera Seria）传统，以及维瓦尔第等人在协奏曲中的速度对比与炫技性。 第六章：古典主义的清晰、平衡与形式的完善（约1730年 - 1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐追求清晰、平衡与普世性。本章将聚焦于“维也纳古典乐派”——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）的贡献。我们将深入分析奏鸣曲式（Sonata Form）作为核心结构如何被确立和发展，交响曲（Symphony）、室内乐（如弦乐四重奏）和协奏曲的体裁如何达到完美的典范。莫扎特的歌剧——特别是其对人物心理的深刻刻画，也将被详尽分析。 第三部分：情感的爆发与民族的声音（浪漫主义至民族乐派） 浪漫主义是音乐史上个性解放和情感表达达到顶峰的时期。作曲家们开始挑战古典的规范，探索个人内心世界和广阔的自然景象。 第七章：早期浪漫主义的抒情与幻想（约1800年 - 1850年） 贝多芬的晚期作品作为桥梁，开启了浪漫主义的序幕。本章关注舒伯特（Schubert）对艺术歌曲（Lied）的革新，将诗歌与钢琴伴奏提升到同等重要的地位。肖邦（Chopin）对钢琴语汇的拓展，以及舒曼（Schumann）充满内省的钢琴套曲，展示了音乐如何成为个人日记的载体。此外，威尔第（Verdi）在意大利歌剧中的人文主义精神，以及柏辽兹（Berlioz）在“广板”交响曲中对“意象旋律”（Idée Fixe）的运用，标志着交响诗的诞生。 第八章：晚期浪漫主义的宏大叙事与民族主义的兴起（约1850年 - 1910年） 随着管弦乐队规模的空前扩大，音乐变得更具戏剧性和史诗感。瓦格纳（Wagner）的“乐剧”（Music Drama）及其对“主导动机”（Leitmotif）系统的发展，彻底改变了歌剧的结构。本章还将详细梳理李斯特（Liszt）对交响诗的贡献，以及勃拉姆斯（Brahms）对古典传统的坚守与浪漫情感的调和。同时，我们将考察欧洲各地的民族乐派，如俄罗斯的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克（Dvořák）和斯美塔那（Smetana），他们如何从民间音乐中汲取灵感，构建独特的国家音乐身份。 第四部分：世纪之交的裂变与探索（二十世纪至今） 二十世纪是音乐风格最为多元、实验性最强的一个时期。传统的功能和声系统被打破，全新的音色、节奏和结构被不断探索。 第九章：印象主义、表现主义与音乐语言的瓦解（约1890年 - 1930年） 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）以其对音色和氛围的微妙处理，开启了印象主义的篇章，模糊了传统调性。与此同时，在维也纳，勋伯格（Schoenberg）对调性的彻底放弃，发展出无调性音乐，并最终导向十二音体系（Serialism），这是对西方音乐数百年体系的一次彻底颠覆。本章还将讨论斯特拉文斯基（Stravinsky）的早期作品，特别是《春之祭》首演引发的巨大反响，以及巴托克（Bartók）在东方欧洲民族音乐田野调查中的发现。 第十章：战后音乐的实验与多元化（1945年至今） 二战后，音乐探索进入了前所未有的广阔领域。我们将考察序列主义的深化，如韦伯恩（Webern）对结构的极端控制。同时，对电子音乐（Musique Concrète和电子合成）的早期实验，以及约翰·凯奇（John Cage）对偶然性音乐（Aleatoric Music）和“静默”概念的哲学探索。最后，本章将涉及极简主义（Minimalism）的兴起，如莱克（Reich）和格拉斯（Glass）对重复、过程和稳定和声的回归，以及当代音乐在全球化背景下的复杂图景。 本书通过严谨的学术梳理与生动的叙事风格，确保读者不仅能“听懂”音乐的演变，更能理解这些变化背后的社会、哲学和艺术动机。它是一部指导您探索西方艺术音乐殿堂的必备指南。

评分☆☆☆☆☆

这本《外国音乐表演用语词典》（第二版）对我来说，绝对是备考和日常教学的“救星”。作为一名音乐学院的学生，即将面临毕业考试，其中有一部分内容就是对音乐术语的理解和运用，尤其是涉及到外国音乐作品时，那些密密麻麻的意大利语、德语、法语术语，简直让人头疼。我之前使用的教材，对于这些术语的解释往往比较浅显，而且不够系统。我非常渴望一本能够深入浅出、解释详尽的词典。我特别希望第二版能够提供更全面的术语覆盖，尤其是那些在现代音乐教育中越来越被重视的，例如一些现代作曲家常用的、非传统的演奏技法术语。同时，我期待它能提供更丰富的例证，比如引用一些著名乐曲片段来解释某个术语在实际演奏中的应用，这样我不仅能记住术语本身，更能理解它在音乐中的实际意义，这对于我的音乐理解能力和表演实践都将有极大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

这本《外国音乐表演用语词典》第二版的到来，对我而言，简直是一份久违的学术礼物。作为一名音乐理论的学习者，我在学术研究中经常会遇到大量源自不同文化背景的音乐术语，它们构成了理解西方音乐史和音乐实践的基石。此前，我只能依赖零散的资料和有限的词典来拼凑这些概念，效率不高且容易产生误解。而一本专门针对“外国音乐表演用语”的工具书，其价值不言而喻。我特别期待它在第二版中能够对一些关键术语进行更深入的溯源和阐释，比如某些术语在不同历史时期或不同地域的演变，以及它们在具体作品中的实际应用案例。同时，我也希望它能够涵盖更广泛的音乐体裁和表演形式，不仅仅局限于传统的古典音乐，也能包含一些当代音乐、爵士乐、甚至一些特定民族音乐表演中的常用语。如果能提供更详细的文献索引或相关音乐作品的推荐，那将大大提升其作为学术参考的价值。

评分☆☆☆☆☆

我是在一次偶然的机会下了解到这本书的，当时正在学习指挥，有很多在乐谱上看到但又不太明白的标记和术语，比如一些特殊的弓法、指法、或者演奏力度和情感表达的细微差别。我尝试在网上搜索，但信息碎片化严重，而且很多解释都比较笼统。这本书的标题“外国音乐表演用语词典”立刻吸引了我，它似乎就是为解决我这类困境而生的。我特别希望第二版能够更加细致地解释那些在乐谱中非常常见的，但又常常容易被忽略的细节。比如，一些表情术语，不同作曲家对于同一术语的使用可能存在细微的差别，希望这本书能够给出一些权威的解读。另外，作为一名演奏者，我深切理解一个细微的演奏技巧术语可能对最终的音乐呈现产生巨大的影响。所以，我非常期待这本书能够提供清晰、准确的解释，甚至配上一些简明的演奏示范图示，帮助我们这些一线演奏者更好地理解和诠释音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书我早就关注了，终于等到它更新出第二版，真是太让人期待了！我是一名普通的音乐爱好者，虽然不是专业人士，但对音乐的热爱是毋庸置疑的。平时喜欢听听古典音乐，偶尔也会接触一些流行音乐的现场演出。在欣赏音乐的过程中，常常会遇到一些陌生的术语，比如一些乐器演奏的特殊技巧，或者是指挥在排练中使用的那些指令，很多时候都一知半解，感觉就像隔着一层纱，无法真正深入理解。我一直想找一本既权威又实用的工具书，能够帮助我扫清这些知识盲点，这本书的出现简直就是及时雨。我特别看重它“音乐爱好者从业者实用参考教材”的定位，这意味着它不会像学术著作那样过于晦涩难懂，而是更贴近实际应用，能够真正帮助到我们这些普通听众或者刚刚入行的新人。希望第二版在内容上更加丰富，解释更加清晰，并且最好能加入一些插图或者乐谱示例，那样会更容易理解。我已经迫不及待想要翻开它，用它来武装自己，更深入地去感受音乐的魅力了！

评分☆☆☆☆☆

收到这本书的电子版预览，我立刻被它庞大的内容量和严谨的编排所震撼。作为一名音乐编辑，我日常的工作就是处理大量的音乐文本，包括乐谱、评论、传记等。在与国外音乐作品打交道时，经常会遇到各种各样我不太熟悉的表演术语，这些术语的准确理解直接关系到我的翻译质量和编辑判断。这本书的出现，就像是在我面前铺开了一张详尽的音乐语言地图。我特别看重它“实用参考”的定位，这意味着它不仅仅是一本冰冷的工具书，更能为实际工作提供便捷的解决方案。我希望第二版在内容上能够更加与时俱进，收录一些近些年出现的新兴表演技术术语，或者是一些非西方传统但已在国际音乐界被广泛应用的表演方式。另外，如果能针对某些术语提供不同学派或不同时期音乐家的解读差异，那将极大地提升这本书的深度和学术价值，让我在处理更复杂、更 nuanced 的音乐文本时，能够有更扎实的支持。