辛笛应用钢琴作曲教程弹钢琴 学作曲二册2本 辛笛钢琴教材书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806925850

商品编码：29525857033

出版时间：2014-01-01

商品详情

《二十世纪音乐风格分析与实践》 一、 聚焦前沿：解析二十世纪音乐的多元面貌 本书旨在为音乐学习者、演奏者及研究者提供一套系统、深入的二十世纪音乐分析与实践指南。它将目光投向一个充满变革与探索的时代，系统梳理了自德彪西和斯特拉文斯基肇始，直至后现代主义盛期的主要音乐流派、核心作曲技法及其对音乐美学的深刻影响。全书摒弃了传统教材的线性叙事模式，转而采用主题式、跨领域对比的结构，力求展现二十世纪音乐的复杂性、多样性与内在逻辑。 内容深度剖析： 第一部分：印象主义、表现主义与新古典主义的奠基 本部分首先回溯了德彪西、拉威尔为代表的印象主义（Impressionism）对和声语言的彻底革新。详细分析了全音阶、五声音阶、增三和弦的非功能性使用，以及对音色、织体（Texture）的细致描绘，并辅以大量乐谱实例，解析《牧神午后前奏曲》、《夜之气》等作品中的“色彩和声”。 紧接着，深入探讨了荀伯格、贝尔格、魏恩贝格构成的维也纳第二学派。我们着重分析了从晚期浪漫主义半音化走向无调性（Atonality）的心理驱动力，并对十二音体系（Twelve-Tone Technique）进行了详尽的技法剖析。读者将学习如何构建音列（Tone Row）、进行音列的转化（如逆行、倒影、逆行倒影），并理解其在《组曲，作品25》等作品中的结构功能。同时，对格鲁吉亚人（Schoenberg）的“情感的喷发”与表现主义哲学基础进行了哲学层面的探讨。 新古典主义作为对前一阶段极端主义的反拨，在本部分占据重要篇幅。重点解析了斯特拉文斯基（Stravinsky）在《普契涅拉》、《卡农舞曲》中的回归古典形式、对巴洛克与古典时期语法的借鉴，以及他标志性的“尼科尔斯基”节奏（Stravinskyan Rhythmic Displacement）和多重调性（Polytonality）的应用。 第二部分：节奏的解放与音色的探索 二十世纪音乐最引人注目的变革之一在于节奏的自主化。本部分专门开辟章节，系统梳理了对传统节拍概念的瓦解。详细分析了斯特拉文斯基、巴托克（Bartók）作品中的民间音乐节奏吸收，以及对复合节拍、非对称节拍、自由节奏的运用。通过对巴托克的《弦乐与打击乐奏鸣曲》中复杂节奏组合的拆解，使读者掌握节奏驱动音乐发展的方法论。 在音色探索方面，本书详述了对传统乐器性能的拓展。对管弦乐配器，着重分析了拉威尔在《波莱罗》中对音色叠加和配器渐变的精妙处理。此外，还涵盖了对非传统音响的引入，如对打击乐器的扩展使用，以及对新乐器（如萨克斯风家族）在管弦乐中的整合。 第三部分：序列音乐、机会音乐与电子音乐的革命 进入战后阶段，音乐的结构观与创作理念发生了根本性的转变。本书详细介绍了马塞尔·米勒（Messiaen）的“受限的非重复性序列”（Restricted Non-Retrogradable Rhythm）与他基于圣歌和鸟鸣的创作方法。 随后，进入对序列主义（Serialism）的深入探讨。重点解析了布列兹（Boulez）将十二音体系扩展至所有音乐元素（力度、时值、音色）的“总体序列音乐”（Total Serialism），并对比了施托克豪森（Stockhausen）在序列领域中对空间性、随机性的初步尝试。 机会音乐（Aleatoric Music）的出现标志着作曲家主体性的部分让渡。卡尔海因茨·施托克豪森的《玄思I、II》和约翰·凯奇（John Cage）的《4分33秒》被作为核心案例，深入探讨了概率理论、易经哲学在音乐结构中的应用，以及“静默”作为音乐元素的哲学意义。 第四部分：极简主义与后现代的多元回归 本书末章聚焦于对战后激进主义的反思与新兴流派的崛起。极简主义（Minimalism）部分，详细分析了莱利（Reich）、格拉斯（Glass）如何通过相位技术（Phasing）、重复模式和微小变化来构建宏大结构。读者将学习到如何通过持续性的织体运动来营造时间感知的变化。 后现代思潮下的“新浪漫主义”与“回归调性”现象也被纳入讨论范围。如潘德列茨基（Penderecki）早期的噪音音乐美学，以及他后期对新调性的探索。本书将分析这些流派如何重新审视传统的美学价值，并在新的语境下赋予其新生。 二、 实践导向与分析工具 本书不仅是理论的陈述，更是实践的蓝图。每章后附有精选的二十世纪经典曲目片段，引导读者进行“主动聆听”与“技法还原”。 1. 乐谱分析模板： 提供针对无调性、十二音、序列音乐的标准化分析框架，帮助学生快速识别复杂的结构关系。 2. 配器法应用： 包含针对特定音色效果（如颤音群、噪音颗粒）的写作指导，并提供管弦乐配器案例演示。 3. 技术练习： 包含若干“作曲小练习”，要求学生应用本章所学技法，如构建一个四小节的节奏变位乐段，或设计一个基于五声音阶的短小和声进程。 目标读者： 本教程适合具有扎实古典和声与对位基础的音乐学院本科生、研究生，以及希望系统拓宽音乐视野的钢琴、作曲专业教师与业余爱好者。通过本书的学习，读者不仅能“听懂”二十世纪音乐的复杂表象，更能掌握驾驭其背后严密逻辑与丰富可能性的工具。本书力求打破二十世纪音乐“难懂”的壁垒，引导学习者直面其创作的深度与广度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种低调又不失艺术气息的配色，很符合我对一本严肃音乐教程的期待。我之前也买过一些号称能“零基础入门”的教材，结果拿到手才发现内容太空泛，或者就是把一些基础乐理知识东拼西凑，完全没有一个清晰的学习路径。但是翻开这本《XX教程》后，我立刻感受到了一种严谨的体系感。它不像有些书那样急于求成，上来就让你模仿复杂的曲式结构，而是非常耐心地从最基础的音符识别、节奏划分讲起，每一个知识点的引入都像是在铺设一条坚实的地基。我尤其欣赏它在讲解和弦进行时所采用的图示方法，那些色彩分明的和弦图谱，即便是一个初学者，也能立刻明白和弦之间的“亲缘关系”，这比干巴巴的文字描述有效多了。而且，它对不同风格的音乐元素是如何融入到钢琴创作中的探讨，也展现了编者深厚的音乐底蕴，绝非一般市面上那些“速成”读物可比。我感觉，这本书不是简单地教你怎么“写”一首歌，而是引导你去“理解”音乐的内在逻辑，这对我来说，是学习作曲最核心的一环。

评分☆☆☆☆☆

我是一位已经学了几年钢琴，但一直对“创作”抱有敬畏之心的业余爱好者。很多时候，当我试图在键盘上即兴或尝试写点东西时，总感觉自己像个迷路的孩子，手边的乐思总是七零八落，无法组织成一个完整的“段落”。这本书的出现，就像是给我配备了一张精密的地图。我特别喜欢其中关于“动机发展”那几个章节的论述，它不是简单地告诉你“重复”、“变化”，而是深入剖析了如何通过节奏的拉伸、音程的转换、以及对位法的初步运用，将一个最简单的旋律动机扩展成一个具有生命力的乐段。书中提供的练习曲目设计得非常巧妙，它们既有足够的趣味性，让你在练习中不至于枯燥，同时又精准地对应了当章节教授的技巧。举个例子，有一段练习要求用“三度音程模写”一个小鸟的叫声，这种具象化的引导方式，瞬间打破了我对创作的距离感。它让我意识到，作曲不是玄学，而是对听觉经验的系统梳理和表达。这种实用性与艺术性的完美结合，让我对后续的学习充满了期待，感觉自己终于有了一个可以信赖的“领航员”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上那些针对“钢琴作曲”的教程，很多都把重点放在了如何快速套用流行歌曲的和弦框架上，结果写出来的东西听起来千篇一律，缺乏个性和灵魂。这本书给我的感受则完全不同，它更偏向于一种古典主义的训练视角，但又非常注重对现代音乐语汇的兼容并包。它没有回避复杂的功能和声，但同时又巧妙地引入了对位法和配器思维的早期概念。我特别注意到，书中对于“旋律线”的描绘，是下了大功夫的。它分析了如何构建一个具有“呼吸感”的旋律，包括对乐句起承转合的处理，以及如何利用休止符来增强音乐的张力。这对我这种过去写出的旋律总是“平铺直叙”的人来说，简直是醍醐灌顶。此外，书中还穿插了一些对伟大作曲家（比如巴赫、莫扎特）片段的简要分析，用的是这本书独有的分析工具，这使得理论不再是冰冷的规则，而是鲜活的创作经验的结晶。这本教材的深度，足以支撑一个学习者从初级走向中级，甚至对专业人士也有极高的参考价值。

评分☆☆☆☆☆

我已经开始用这本书的练习来指导我日常的钢琴练习了。我发现它在“钢琴织体设计”方面的讲解，可以说是教科书级别的细致。在以往，我写完旋律和和弦后，往往是把它们机械地铺在键盘上，左手和声，右手旋律，了事。但这本书展示了如何通过分解和弦、增加经过音、运用琶音和装饰音，来丰富钢琴的音响效果，让原本简单的音乐变得层次分明、光彩照人。书中有一章专门讨论了“钢琴的音区运用”，用图表清晰地展示了不同音区适合承载何种任务——是主导旋律、是填充和声，还是构建低音基础。这种对乐器特性的深刻理解，是很多理论书所忽略的。通过这本书的练习，我开始有意识地去“聆听”我自己在键盘上创造的音响空间，而不是仅仅停留在音符的排列组合上。这种对“触键感”和“音色感”的重视，让我觉得我在学习如何更好地“驾驭”钢琴这件乐器，而不仅仅是学习如何记录想法。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和排版设计也值得一提，虽然我更看重内容，但阅读体验同样重要。纸张的质感很好，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳，印刷的清晰度极高，特别是那些五线谱和复杂的节奏标记，都非常准确无误，这在音乐教材中至关重要，因为一个小小的记号错误就可能导致演奏或理解上的偏差。而且，整个教材的知识点布局非常“人性化”，每一课的内容既有足够的深度去思考，又不会因为信息量过大而让人产生畏惧感。章节之间的过渡自然流畅，仿佛是一次精心策划的音乐漫步。这本书更像是一位耐心且学识渊博的导师，它从不苛责你必须马上掌握所有技巧，而是鼓励你反复咀嚼每一个概念，直到它们内化为你自己的音乐语言。对于那些真正想深入学习，而不是走马观花地了解一下作曲皮毛的读者来说，这本书提供了一个扎实、可信赖且富有启发性的学习路径，绝对是值得反复研读的珍藏之作。