辛笛应用钢琴伴奏教程简易儿歌伴奏(第二册) 陈欣 上海音乐学院出版社 9787556602 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 钢琴伴奏
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• 音乐教学
• 上海音乐学院出版社
• 陈欣
• 第二册
• 9787556602

店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787556602438

商品编码：29525857032

出版时间：2017-08-01

商品详情

书名：辛笛应用钢琴教学丛书 钢琴伴奏教程简易儿歌伴奏（第二册）

出版社：上海音乐学院出版社

定价：30.00元

作者：陈欣

 

钢琴演奏的艺术与技术：经典曲目与进阶技巧探索 本书旨在为中、高级水平的钢琴学习者和演奏者提供一套系统、深入的进阶学习资源，专注于提升演奏技巧的精细度、音乐理解的深度以及对经典作品的诠释能力。全书内容涵盖了从巴洛克时期到近现代的钢琴文献精选，并辅以详细的演奏提示和技术解析。 第一部分：巴洛克与古典主义时期的精粹解析 本部分聚焦于奠定西方键盘音乐基础的两个重要时期，旨在帮助学习者掌握那个时代特有的织体、清晰度和力度控制。 第一章：巴赫的复调世界与手指的独立训练 本章深入探讨了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的键盘作品，重点分析了《平均律钢琴曲集》（The Well-Tempered Clavier）的结构与和声逻辑。我们不着眼于初学者的简单练习，而是侧重于对赋格曲（Fugue）中多声部线条的清晰分离与独立控制的训练。 技术解析： 探讨了“手指的重量转移”在处理巴赫作品中不同声部运动时的关键作用。详细分析了如何通过手腕的微妙放松来实现声部间的动态对比，避免声音的“粘连”。 曲目精选与诠释： 选取了《平均律》中难度较高的C小调前奏曲与赋格，以及《法国组曲》中的某些技巧难点乐章。针对装饰音的演奏，提供了基于历史演奏实践的规范指导，区别于浪漫主义时期的处理方式。特别强调了触键的“清晰度”而非“力度”。 织体分析： 教授如何利用踏板的精确控制（或不用踏板）来揭示巴赫作品中精密的对位结构，确保高音声部始终保持清晰的旋律轮廓。 第二章：莫扎特与海顿的平衡艺术 本章转向古典主义的典范，探讨了沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）和弗朗茨·约瑟夫·海顿（F.J. Haydn）奏鸣曲（Sonata）中的“歌唱性”与“结构性”的完美结合。 结构把握： 重点分析了奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、展开部和再现部的内在逻辑，强调了主题动机（Motive）如何在全曲中发展和转化。 触键与音色： 研究古典钢琴对音色细微变化的要求。莫扎特的音乐要求轻盈、透明的触键，避免过度沉重的音色。提供了针对不同力度记号（如p, mp, f）的精确指法训练，以达到“透明的力度变化”。 装饰音的规范性演奏： 详细讲解了古典时期颤音（Trill）和回音（Mordent）的起始点和结束方式，严格遵循当时乐谱的要求。 第二部分：浪漫主义的激情与个性化表达 本部分深入探索了十九世纪钢琴音乐的特点：情感的深度、踏板的创新使用以及演奏技巧的炫技化发展。 第三章：贝多芬的英雄气概与戏剧张力 路德维希·范·贝多芬（L.v. Beethoven）的作品是连接古典与浪漫的桥梁。本章侧重于处理其作品中蕴含的巨大张力和结构上的突破。 力度对比的极致化： 针对贝多芬常用的sforzando (sfz) 和突然的力度变化，设计了专门的技巧练习，旨在提高手指爆发力与控制力的瞬间切换。 踏板的革命性运用： 探讨贝多芬时代钢琴制造技术的进步对踏板使用的影响。分析了如《升C小调奏鸣曲》（“月光”）第三乐章或《热情奏鸣曲》中的踏板运用，强调其如何服务于音乐的叙事性。 速度与连贯性： 如何在极快的速度下保持长乐句的呼吸感和连贯性，特别是在奏鸣曲的终曲乐章中。 第四章：肖邦、李斯特与炫技的艺术 本章关注浪漫主义中对技巧极限的探索，但强调“技术服务于美学表达”的原则。 肖邦的歌唱性与指法设计： 详述弗雷德里克·肖邦（F. Chopin）作品中独特的指法安排，以及如何在宽广的音域和复杂的琶音中保持旋律的“歌唱性”（Cantabile）。分析了夜曲（Nocturne）和叙事曲（Ballade）中，如何利用和声的色彩变化来塑造情绪。 李斯特的力度与音响： 专注于弗朗茨·李斯特（F. Liszt）作品中对钢琴最大音响潜能的开发。探讨八度技巧、快速重复音和巨大的跨度跳跃的有效练习方法，同时警惕过度依赖蛮力的倾向，强调“手指的弹性”是力量的来源。 练习曲的深度研习： 不仅仅是弹奏练习曲，更是分析其背后的技术原理。例如，肖邦练习曲中特定技巧是如何解决演奏中遇到的普遍性难题。 第三部分：印象派、民族乐派与二十世纪探索 本部分引导学习者进入更现代的听觉世界，关注音色、和声的模糊化处理以及节奏的复杂性。 第五章：德彪西与拉威尔的音色魔术 克劳德·德彪西（C. Debussy）和莫里斯·拉威尔（M. Ravel）的作品要求演奏者彻底改变传统的触键观念。 “光影”的描绘： 学习如何使用非常轻柔的、近乎“掠过”琴键的触键方式来营造印象派音乐中特有的朦胧感和色彩感。分析了平行和弦与全音阶的应用对演奏带来的挑战。 踏板的“浸润”效果： 深入研究德彪西乐谱中对延音踏板的指示，如何利用踏板使和声在空气中“混合”，创造出水波般的流动感。 节奏的自由度： 探讨复节奏（Polyrhythm）和非传统节拍在拉威尔作品中的处理，如何在保持整体结构稳定的前提下，赋予局部乐句以即兴的色彩。 第六章：二十世纪的节奏与和声实验 本章涉猎了斯特拉文斯基、巴托克等作曲家对传统音乐语言的颠覆。 节奏的冲击力： 针对巴托克（Béla Bartók）作品中强烈的民间音乐色彩和不规则的重音，提供增强节奏精准度和爆发力的训练方法。 新的和声语言： 分析十二音体系或新调式在钢琴上的表现力。重点在于如何清晰地演奏这些结构复杂的织体，并理解其背后的逻辑，而非仅仅是机械地重复音符。 附录：演奏状态与舞台准备 本附录提供了针对专业演奏者和高级业余爱好者的建议，旨在完善演奏的整体呈现。 心理调适： 科学的舞台焦虑管理方法，包括表演前的身体放松和心理聚焦练习。 曲目选择与背谱策略： 提供多维度（技术、情感、记忆）的背谱分析方法，以及如何根据不同音乐厅的声学条件调整演奏动态。 乐器适应性： 如何快速适应不同品牌、不同触感和音色的钢琴，并调整个人演奏习惯以达到最佳效果。 本书是为那些已经掌握基础技法，渴望在音乐表达和技术深度上寻求突破的学习者量身打造的参考书。它不提供任何针对入门级儿歌或简易曲目的教学内容，而是致力于提升演奏者对钢琴艺术的整体驾驭能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量，尤其是纸张的选择，是完全超乎预期的。通常这类专业教材为了成本考虑，纸张要么太薄，一不小心就会撕破，要么反光严重，在灯光下阅读时眼睛非常疲劳。但这本书选用了那种略带哑光质感的厚实纸张，墨色沉稳，即便是长期翻阅和在钢琴上反复展开，也不会有任何损坏的担忧。而且，它的开本设计非常人性化，平摊在琴谱架上时，页面的跨度和大小处理得非常完美，不需要我费力地去按住书页防止它合拢，这在进行双手配合演奏时至关重要，极大地提升了练习效率。这种对细节的极致追求，体现了出版社对专业学习者体验的尊重。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提一下这本书的选曲口味，简直是为我这种“怀旧”型乐迷量身定制的！它没有一味地追逐最新的流行单曲，而是巧妙地穿插了一些经典的老歌和一些富有文化底蕴的民谣片段，这些旋律带着一种历经时间沉淀的韵味。每次弹奏这些曲目时，我都能感受到一种深沉的情感共鸣，仿佛在与过去的时光对话。更重要的是，作者在改编上展现了极高的水准，没有为了追求伴奏的华丽而牺牲歌曲的原有风貌，而是用最恰当的和声色彩去烘托主旋律，既能满足演奏者的技巧展示需求，又能保证听者的舒适感。这让我觉得，这本书不仅仅是一本练习册，更像是一本精选的“音乐回忆录”，每一页都藏着一个小小的惊喜，让人忍不住想去探索背后的故事。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理教材的排版设计实在让人眼前一亮，色彩运用大胆却不失和谐，特别是那些复杂的音符和和弦图示，通过巧妙的布局和字体变化，变得异常清晰易懂。我记得我以前学乐理时，很多书的图表都挤在一起，看着就头疼，但这本书的编排就像是请了一位顶级的视觉设计师来操刀，每一页的留白都恰到好处地引导了读者的视线，让人在学习枯燥知识点的同时，也能享受到一种视觉上的愉悦感。尤其是对初学者来说，这种友好的界面设计极大地降低了学习的心理门槛，仿佛书本本身就在用最温柔的方式告诉你：“别怕，这并不难。” 我甚至会忍不住多翻几页，仅仅是为了欣赏它的设计美学，这在学术教材中是相当难得的体验。它成功地将功能性与艺术性完美融合，让人在汲取知识的同时，心情也变得格外舒畅。

评分☆☆☆☆☆

从教学法角度来看，这本书的渐进性设计简直是教科书级别的典范。我从前一本教材跳到这本时，最担心的就是难度跨度太大，结果出乎意料地平顺。作者似乎非常懂得“搭脚手架”的艺术，每一个新的技巧点——比如某种特定的琶音进行或者转调处理——都会在前一章的知识点基础上进行微小的、可控的增加。它不是那种堆砌难点的书，而是真正意义上关注学习者心智成长的指南。我尤其欣赏它对节奏复杂性的处理，总能用最直观的图示先分解，再逐步整合到实际的伴奏模式中，让人有一种“原来如此”的豁然开朗之感，而不是被生硬的规则压得喘不过气。这种循序渐进的节奏，让练习过程中的成就感得以持续累积。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书里附带的一些“小贴士”和“演奏提示”，它们往往出现在一个技巧讲解的末尾，内容简短却极富洞察力，像是经验丰富的老教授在耳边低语。这些提示并非是公式化的技术说明，而是关于“如何将技术转化为音乐表达”的深刻见解。比如，在处理一段抒情段落时，它会提醒你注意呼吸感，即使是用键盘来模仿，也要找到旋律的起伏和停顿，这让我开始从“弹奏音符”的机械状态，转向“塑造乐句”的艺术思考。这些点拨，是任何单纯的乐谱讲解都无法替代的，它们是连接理论与实践之间那座最关键的桥梁，让我的演奏立刻增添了一层温暖的人文色彩。