单声部视唱教程下册 新修订版 初级入门视唱教材歌唱书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787806674635

商品编码：29526174068

出版时间：2015-08-01

商品详情

 

基本信息

出版社:上海音乐出版社; 第2版 (2014年2月1日)

平装:182页

语种： 简体中文

开本:16

条形码:9787806674635

商品尺寸:28.2 x 21 x 1.2 cm

商品重量:499 g

目录

教学法建议 

第五章变化音 

第六章四、五、六个升降记号 

一、四个升降号 

二、五个升降号 

三、六个升降号 

第七章转调 

一、转平行调 

二、转属调及属调的平行调 

三、转下属调及下属调的平行调 

四、同名调 

五、转远关系调 

六、模进转调 

第八章复杂的节奏及音调 

第九章 C谱表（三线、四线） 

一、三线C谱表 

二、四线C谱表 

附录 

音乐术语 

指挥图式

内容介绍

《单声部视唱教程(下)(修订版)》根据调性和节奏两条线的循序渐进和某一阶段突出重点、集中解决某一问题这两项原则编排的。如教程中章主要是解决基本节拍节奏感的问题，调性就只是无升降的。第二章主要是解决调性问题，节拍节奏就只是复习章学过的，没有新课题。第三章是进一步加强节拍节奏问题，调性则仍是复习三升三降各调。这样的编排既突出了每章新课题的重点，又复习巩固了旧课题，教学实践中效果较好。

《单声部视唱教程(下)(修订版)》内容由简易到复杂，数量很多，适合于高等音乐学院、师范大学艺术系和中等音乐专科学校采用。也可供艺术师范学校和中等师范学校参考用。

好的，这是一份根据您的要求撰写的、与《单声部视唱教程下册 新修订版 初级入门视唱教材歌唱书》内容无关的详细图书简介。 --- 《西方音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义的辉煌篇章》 作者： 艾略特·范德比尔特 译者： 张明德 装帧： 精装 / 典藏版 页数： 980页 开本： 16开 导言：穿越时空的音乐殿堂 《西方音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义的辉煌篇章》并非简单的时间轴罗列，而是一部深度剖析西方音乐演变脉络的权威著作。本书聚焦于17世纪初巴洛克时期至19世纪末浪漫主义盛期的三百年间，这一时期是西方音乐艺术最为复杂、风格变革最为剧烈的黄金时代。作者艾略特·范德比尔特教授，以其深厚的音乐学功底和严谨的治学态度，将宏大的历史叙事与精微的音乐实例分析完美结合，带领读者领略不同时代作曲家的创作哲学、技术革新及其对后世产生的深远影响。 本书旨在为音乐专业学生、历史爱好者以及所有对西方古典音乐抱有好奇心的读者，提供一个全面、深入且引人入胜的学习视角。我们不只关注“谁在什么时间写了什么作品”，更着重探讨“为什么会在那个时代产生这样的音乐，它如何反映了当时的社会文化与美学思潮”。 --- 第一部分：巴洛克的回响与秩序（约1600–1750年） 本部分详尽考察了巴洛克音乐的诞生及其成熟。我们从意大利歌剧的萌芽（蒙特威尔第的突破）开始，解析“巴洛克”这一风格是如何在对位法的精湛运用、情感的戏剧化表达（Affektenlehre，情感理论）以及固态低音（Basso Continuo）的支撑下，构建起宏伟的音乐建筑。 重点章节解析： 1. 协奏曲的兴起与发展： 对意大利协奏曲（维瓦尔第）和德意志大协奏曲（巴赫）的结构、速度对比和独奏乐器配置进行了细致的比较分析。特别探讨了“快-慢-快”的结构模式如何在这一时期固定下来，并成为日后奏鸣曲套曲的基石。 2. 对位法的巅峰——巴赫的遗产： 深入剖析了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的赋格艺术。通过对《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》的实例分析，揭示了巴赫如何将严谨的逻辑推向极致，在结构上达到几乎无可超越的完美。 3. 歌剧的规范化与亨德尔的戏剧张力： 考察了从清唱剧到正歌剧（Opera Seria）的发展历程，重点研究了亨德尔如何运用咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）来推动叙事，并分析了其对英国音乐生活的影响。 本部分强调了巴洛克时期对“清晰结构”和“装饰性”的追求，以及数字低音体系在音乐创作中的核心地位。 --- 第二部分：古典主义的典雅与理性（约1750–1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美从巴洛克的复杂转向对平衡、清晰和普适性（Universalität）的追求。第二部分详细描绘了维也纳古典乐派三杰——海顿、莫扎特和贝多芬早期——如何确立了奏鸣曲式、交响曲、室内乐以及奏鸣曲三大体裁的经典范式。 重点章节解析： 1. 奏鸣曲式（Sonata Form）的结构解构： 这是理解古典主义音乐的钥匙。本书不仅描述了呈示部、发展部和再现部的基本功能，更通过海顿的后期弦乐四重奏和莫扎特的钢琴协奏曲，展示了主题的呈示、对比、冲突与解决是如何通过调性中心的转移与回归来实现的。 2. 交响曲的“英雄化”进程： 以海顿的“伦敦交响曲”为起点，追溯交响曲如何从早期的四乐章体扩展为充满戏剧性的艺术形式。着重分析了莫扎特晚期交响曲中旋律线的精妙布局，及其对器乐表达潜力的拓展。 3. “从天赋到天才”——早期贝多芬的转型： 探讨了贝多芬如何继承古典主义的衣钵，同时通过扩大规模、增加对比和强化节奏驱动力，为浪漫主义的来临埋下伏笔。特别是对《C小调第一交响曲》中新颖的引子和终曲的处理进行了细致解读。 本部分的核心在于阐释古典主义如何通过“形式服务于内容”的原则，实现了音乐语言的普世化和清晰化。 --- 第三部分：浪漫主义的激情与个性（约1820–1900年） 浪漫主义时期是个人情感、想象力和对非理性世界探索的时代。第三部分着重分析了作曲家如何打破古典主义的结构限制，将音乐变成表达内心世界和文学叙事的强大工具。 重点章节解析： 1. 艺术歌曲（Lied）的革命： 聚焦舒伯特和舒曼，阐释艺术歌曲如何通过钢琴伴奏与人声旋律的紧密结合，达到文学意境与音乐情感的完美统一。我们探讨了“动机”在歌曲周期（Song Cycle）中如何构建内在的心理线索。 2. 管弦乐队的色彩革命： 考察了柏辽兹、瓦格纳和李斯特对配器法的革新。柏辽兹《幻想交响曲》中固定音型（Idée Fixe）的运用，以及瓦格纳歌剧中对“主导动机”（Leitmotif）的系统性开发，如何极大地增强了音乐的叙事性和心理深度。 3. 民族主义的兴起与音乐地理学： 讨论了德奥传统之外，如俄国“五人组”、捷克作曲家德沃夏克等人，如何从民间音乐、民族史诗中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的交响诗和歌剧，从而挑战了长期以来德奥音乐的主导地位。 4. 钢琴体裁的繁荣： 分析了肖邦的夜曲、圆舞曲以及勃拉姆斯的室内乐，展示了在大型体裁之外，如何通过精致的、高度个人化的钢琴小品和室内乐，实现对内在情感的细腻描摹。 本书的结论部分总结了浪漫主义晚期（如马勒和理查·施特劳斯）如何将音乐规模推向极限，最终在晚期调性瓦解的边缘，为20世纪现代音乐的诞生铺平了道路。 --- 特色与价值 跨学科视野： 本书深入结合了音乐、哲学、文学和艺术史，为读者提供了理解音乐作品的丰富背景。 详尽的曲目分析： 书中包含了大量关键乐谱的节选分析图表（非简谱，而是基于五线谱的结构分析），帮助读者直接“阅读”音乐的构造。 权威的学术支持： 引用了大量德语和法语的一手研究资料，确保了观点的严谨性和前沿性。 《西方音乐史纲》是每一位渴望真正理解西方古典音乐深层价值的求知者的必备之作。它将引导您从单纯的聆听到深刻的洞察，体验一场穿越三百年音乐哲学的史诗之旅。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我过去尝试过好几本所谓的“入门”视唱教材，结果往往是第一章就掉进了五线谱的迷宫里，各种复杂的调号、变音记号一下子就把学习的兴趣磨光了。但这本书的编排思路显然是站在一个完全没有音乐基础的人的角度来设计的。它不是简单地罗列音阶练习，而是构建了一套逻辑严密的“音乐语言学习系统”。例如，它对“唱名”和“唱名”与“音高”对应关系的讲解，用了大量的比喻和情景代入，让我这个“音盲”都能迅速理解我在唱什么，而不是机械地重复音符的名称。而且，它在引入新技巧时，总是会先用非常简单、耳熟能详的民间旋律进行铺垫，这使得学习过程充满了亲切感，而不是面对一堆陌生的、听起来很“怪”的练习曲。这种循序渐进、由浅入深的教学法，真正体现了“慢工出细活”的教育理念，让人感觉每翻开一页，都是在扎扎实实地往前走，没有那种“为难读者”的恶意设计。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版和设计简直是初学者的福音，每一个音符的间距都恰到好处，既不会让人眼花缭乱，也不会因为过于拥挤而漏掉细节。尤其是对于那些刚开始接触视唱的乐友来说，清晰的视觉引导至关重要，它不像有些老旧的教材那样把五线谱印得像蚊子爬一样密密麻麻。更值得称赞的是，它在一些基础概念的引入上非常循序渐进，不是一下子把所有理论知识都堆给你，而是将它们巧妙地融入到练习曲目中。比如，对三拍子和六拍子的区分，它会用非常直观的节奏型变化来体现，而不是生硬地讲解抽象的拍号意义。我个人特别喜欢它在附带的示范音频中，对不同声部处理的细微差别，即便是单声部，演唱者也能听出其中蕴含的力度变化和呼吸处理的建议，这对于培养“听觉想象力”是极大的帮助。可以说，这本书在美学和实用性上做到了一个非常好的平衡点，让枯燥的视唱练习变成了一种可以享受的音乐探索过程。我敢说，很多市面上动辄几百页的“大部头”都不如它在细节上用心。

评分☆☆☆☆☆

作为一本“下册”，我本来担心它会猛地提高难度，让我措手不及。但实际体验下来，它过渡得非常平滑自然。它似乎深知，学到这个阶段的读者，已经具备了一定的基础乐感，现在需要的是拓宽音乐的视野和技巧的复杂性。比如，在调性转换方面，它不再是简单地进行同主音大小调的互换，而是巧妙地引入了转调的练习，而且这些转调练习都选择了历史上一些非常经典的、但结构相对清晰的旋律片段，而不是随机编排的练习音列。这使得读者在练习技术难点的同时，也能领略到不同调性带来的情绪色彩变化。此外，它对和声感的初步渗透也做得非常到位，虽然是单声部教材，但很多练习曲目的选择都带有很强的“旋律线条感”，能让你在唱的时候，不自觉地想象出它背后的和弦进行，这对未来学习和声学或合唱是极大的预备。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在技术讲解之外，所蕴含的“人文关怀”。它并没有把视唱仅仅当作一项机械的技术训练，而是视为一种表达音乐情感的工具。在很多难度较高的练习后面，作者都会附上简短的“演奏提示”或“情感解析”。比如，某个段落应该用什么力度（p, mf, f），呼吸应该深沉还是轻快，它不会把这些写成冰冷的术语，而是用富有感染力的文字来引导你进入作曲家的意境。这让我在练习时，不再感觉自己像个机器人一样在“识谱”，而是真正地在“歌唱”。这种注重音乐性、强调表达的教学方法，对于那些容易陷入“技术陷阱”的自学者来说，无疑是一剂良药。它教会的不仅是“怎么唱准音高和节奏”，更是“为什么要这样唱”，这才是真正的音乐教育的精髓所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对节奏训练的深度和广度。很多教材只停留在让我们“数拍子”，但这本书显然意识到了节奏感和律动感是视唱的另一半翅膀。它不仅包含了常见的二四拍、三四拍，还细致地划分和练习了复杂的复合拍子，比如七拍子或者不规则的切分节奏。更妙的是，它没有仅仅用数字来标记节奏，而是引入了许多富有音乐性的节奏口诀和动作提示，比如在处理附点音符时，它会建议你用一个稍微“拖沓”的身体律动来配合，这极大地增强了节奏的“内在感”。我记得有一段专门练习休止符处理的章节，通常休止符很容易被忽略，但这本书通过特定的休止符组合，训练你如何“干净利落地消失”和“精确地回归”，这种对细节的雕琢，对于提升演唱的专业度是至关重要的。这已经超越了基础教材的范畴，更像是一位严谨的声乐教练在身边指导。