德国静物摄影教程：布景 用 光 构图 拍摄 9787115401632 人民邮电出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[德] 斯库（Schuy，E.），潘斯斯 著

图书标签:

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• 用光
• 构图
• 拍摄技巧
• 摄影教程
• 人民邮电出版社
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• 艺术设计

店铺： 北京文博宏图图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115401632

商品编码：29557700095

包装：平装

出版时间：2015-10-01

基本信息

书名：德国静物摄影教程：布景 用 光 构图 拍摄

定价：89.0元

作者：（德）斯库（Schuy,E.）,潘斯斯

出版社：人民邮电出版社

出版日期：2015-10-01

ISBN：9787115401632

字数：223000

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：20开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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1、专业，本书的图片品质极高
2、易学，本书的步骤讲解非常详细
3、明了，各种布光技巧均用插画形式描绘出来，一目了然
4、详尽，囊括了几乎所有日常用品的拍摄方法和类型

内容提要

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追溯照相技术的种类，静物摄影应该是发展时间长、应用广泛的。可是要把静物拍出与众不同，拍出意境，也不是一件轻而易举的事情。如何通过创意的构图和精准的布光达到目标，是每个摄影爱好者在静物摄影过程中都在努力寻求的答案。
　　《德国静物摄影教程：布景 用 光 构图 拍摄》是一本静物摄影技法与后期处理技巧完美融合且综合性较强的书籍。针对静物摄影，本书从摄影基础知识和拍摄用光常备技巧两个方面进行了讲解。其中融合了“照片的构成”与“后期处理讲解”，对不同问题的静物照片处理技巧和方法进行了全方位的介绍，对照片中的问题也进行了详细的剖析。运用众多具体的实际操作案例完整地展现了静物摄影的工作流程，让读者更加直观的感受到静物摄影所带来的神奇的力量。
　　《德国静物摄影教程：布景 用 光 构图 拍摄》内容丰富、完整且有深度，非常适合于摄影爱好者、摄影初学者、高校摄影专业师生阅读。

目录

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作者介绍

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Eberhard Schuy是商业摄影师，长期致力于为各个领域的国际拍摄商业静物作品。他拥有自己的广告摄影公司，在静物摄影行业中是公认的殿堂级人物。他始终认为灯光的布置与运用是静物摄影的重中之重，摄影师应该具备控制灯光的能力，通过尽可能简单的手段获得理想的效果。本书不仅是对Eberhard毕生摄影用光技法的精华总结，亦是他长久以来的心愿。他希望通过本书，与更多的摄影爱好者一同分享静物摄影的魅力，帮助更多有抱负、有追求的商业摄影师迈向更高的台阶。

文摘

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序言

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《光影织梦：西方古典静物画中的叙事与美学》 引言 自文艺复兴以来，静物画作为一种独立的画种，以其独特的视角和细腻的笔触，捕捉了日常器物、花卉、蔬果、动物乃至死亡的象征，构建了一个丰富多彩的视觉世界。它们不仅仅是对物质世界的简单摹写，更是艺术家内心世界、时代精神、宗教信仰、哲学思考乃至社会风貌的深刻折射。西方古典静物画，尤其是在荷兰黄金时代、巴洛克时期以及后来的学院派发展中，达到了其艺术高峰。本教程旨在深入剖析西方古典静物画的精髓，探究其在布景、用光、构图和拍摄（转化为绘画语境下的“表现”）等核心要素上所展现出的高超技艺与深层意蕴，引导读者理解并尝试复现那些穿越时空的静谧之美。 第一章：画面的舞台——布景的哲学与艺术 在古典静物画中，布景并非随意堆砌的物件，而是经过精心设计的“舞台”，承载着画家的意图和故事。每一个摆放的器皿、每一片散落的花瓣，都可能蕴含着象征意义，共同编织出画面的叙事线索。 1. 物件的哲学：象征与寓意 短暂与永恒： 鲜花、蔬果、蜡烛、时钟等，无不暗示着生命的短暂、时间的流逝。盛开的花朵会凋零，丰硕的果实会腐烂，燃烧的蜡烛终将熄灭，而钟表上的指针则不停地指向未来。这种对“无常”的体悟，常常与宗教的救赎和对永恒的追求相联系。例如，精心摆放的骷髅头（Memento Mori）和破碎的乐器，直观地提醒观者生命的脆弱和尘世的虚幻。 财富与地位： 奢华的器皿，如金杯、银器、精致的瓷器，以及来自远方的异域香料、贵重的丝绸织物，常常是画家用来展现委托人或画中世界的富裕和高贵。这些物件的材质、光泽和细节，都成为艺术家展现绘画技艺的绝佳载体。 知识与智慧： 书籍、地图、天文仪器、墨水瓶和羽毛笔，则代表着知识、学术和探索精神。在某些画作中，它们可能暗示着画家自身的学识，或是对理性与科学的推崇。 感官享受与道德警示： 美酒、美食、贝壳、珍珠等，既可以象征着物质的诱惑和感官的享受，也可能被赋予道德上的警示意义，警示观者沉溺享乐的危险。 宗教与神学： 鱼（象征基督）、葡萄（象征圣餐）、百合花（象征圣母玛利亚）等，在宗教画中扮演着重要的象征角色。即便在世俗静物画中，这些元素也可能间接指向信仰的力量和神圣的秩序。 2. 布景的构思：空间的组织与叙事导向 背景的处理： 背景的选择至关重要。深邃的黑暗背景能突出前景物件的光影和质感；而略带纹理的墙壁或窗户，则为画面增添了空间感和生活气息。有时，画家也会利用织物、壁毯或简单的木板作为背景，以烘托主题。 物件的排列： 物件的摆放并非随意的堆砌，而是遵循一定的空间逻辑和视觉引导。画家会考虑物件之间的大小、形状、高低、远近关系，营造出有序而又不失生动的画面。例如，高大的花瓶可能被置于后方，而散落的水果则铺展在前。 “倾倒”的艺术： 有些画作故意描绘出物品“即将倾倒”的状态，如酒瓶斜立、水果滚落，这种动态感为静态的画面注入了生命的张力，暗示着事件的发生或未竟之意。 “桌面的叙事”： 画面中的桌面不仅仅是摆放物品的平面，它本身也是一个故事发生的空间。桌面上留下的痕迹，如酒渍、刀痕，或是桌布的褶皱，都为画面增添了生活气息和历史感。 3. 色彩与质感的烘托：布景的视觉语言 材质的对比： 光滑的金属与粗糙的陶器，柔软的织物与坚硬的玻璃，鲜嫩的花瓣与饱满的果实，这些不同材质之间的对比，不仅考验着画家的技艺，也丰富了画面的视觉层次。 色彩的和谐与对比： 布景的色彩选择与主体物件的色彩相呼应，同时通过对比色来突出重点。例如，鲜艳的水果放在深色背景上，更能显现其生机。 第二章：光影的魔法——照亮叙事与塑造形态 光，是古典静物画的灵魂。艺术家们以极其精湛的技艺，利用光影的变化来塑造物体的体积感、质感，引导观者的视线，并最终烘托出画面的情感基调和叙事氛围。 1. 光源的设定与利用： 单一光源的戏剧性： 许多古典静物画采用单一、集中的光源，通常是从画面一侧或上方投射而来。这种手法制造出强烈的明暗对比，如同舞台聚光灯，极富戏剧性，能有力地突出前景的物体，营造出深邃的空间感。 漫射光与环境光： 在一些描绘室内场景的画作中，光线可能更为柔和、均匀，模拟了室内自然光或漫射光的效果。这种光线能更细腻地展现物体的细节和色彩。 光线的方向与角度： 光线的方向（侧光、顶光、逆光）和角度，决定了物体阴影的形状、长度和方向，进而影响着画面的整体布局和立体感。侧光常常能最大限度地展现物体的轮廓和质感。 2. 明暗对比的艺术（Chiaroscuro）： 体积感的塑造： 通过精妙的明暗处理，艺术家能够赋予二维的画面以三维的立体感。高光部分展现物体最亮的光泽，阴影部分则暗示着物体的暗面和隐藏的体积。 质感的呈现： 光线在不同材质表面的反射效果各不相同。光滑的金属会产生锐利的高光，而柔软的丝绒则会呈现出柔和的渐变。艺术家通过捕捉这些细微的光影变化，逼真地再现了物品的材质特征。 情感的烘托： 强烈的明暗对比（高调描绘）能够营造出庄重、神秘、甚至紧张的氛围；而柔和的明暗过渡（低调描绘）则显得宁静、温和。光影的变化直接影响着观者对画面的情感体验。 3. 色彩与光线的互动： 色温的运用： 暖色调的光线（如夕阳）会让画面显得温馨、浪漫；冷色调的光线（如阴天）则会带来一种清冷、宁静的感觉。 色彩的饱和度与光线： 在明亮的区域，色彩会显得更为饱和鲜艳；而在阴影部分，色彩则会相对暗淡、饱和度降低。画家需要精确把握这种光线对色彩的影响。 环境色的反射： 物体不仅会受到主光源的影响，还会反射周围环境的颜色。这些环境色的细微变化，能够使画面更加生动自然，增加空间的真实感。 4. 笔触下的光影： 油画的厚涂与薄染： 油画颜料的特性使得艺术家可以通过厚涂来塑造高光，用薄染来表现阴影的微妙变化。 点彩与晕染： 细小的笔触堆叠可以模拟光线的粒子感，而细腻的晕染则能平滑地过渡明暗。 第三章：视觉的语言——构图的秩序与节奏 构图是静物画的骨架，它决定了画面元素的组织方式、视觉的流动方向以及最终呈现出的和谐感与力量感。古典静物画的构图往往遵循着严谨的原则，却又不失艺术的灵动。 1. 经典的构图法则： 三角形构图（金字塔形）： 将主要物体组织成一个稳定的三角形，能赋予画面庄重、均衡的感觉。这种构图在荷兰黄金时代的静物画中尤为常见。 对角线构图： 利用对角线将画面元素连接起来，能创造出动感和深度，引导观者的视线在画面中穿梭。 S形构图： 蜿蜒的S形线条，如花茎或布料的褶皱，能够引导观者的视线沿着自然的曲线流动，带来优雅和流畅的美感。 对称与均衡： 虽然完全对称的构图相对较少，但画家常常通过左右元素的呼应和视觉重量的平衡，来实现画面的整体均衡。 留白与负空间： 画面中适当的留白，能让观众的视线得以休息，突出主体，并营造出宁静、辽阔的意境。 2. 空间的组织与层次感： 前景、中景、后景： 通过物体大小、清晰度、色彩饱和度的差异，以及透视法则的应用，画家能够明确区分画面的空间层次，营造出深度感。 视点的选择： 较高的视点（俯视）会使画面显得更为稳定、开阔；较低的视点（仰视）则可能增强物体的庄重感；而平视则最为直接、亲切。 3. 元素的编排与节奏： 主次分明： 画面中的主体和配角需要有明确的区分，通过大小、位置、色彩、光影等手段突出主体，配角则起到烘托和补充的作用。 重复与变化： 相似的形状、颜色或纹理的重复，能形成视觉的节奏感；而细微的变化则能避免单调，增加画面的趣味性。 视觉引导线： 物体的边缘、线条、光影的走向，都可以成为引导观者视线在画面中移动的“视觉引导线”。 4. 突破与创新： 动态构图： 并非所有古典静物画都遵循静态原则，有时画家会通过“倾倒”、“散落”等元素，打破画面的静态感，注入生命的活力。 “乱”中的秩序： 有些看似随意摆放的物件，实则蕴含着画家精妙的构图逻辑，在“乱”中寻找美学上的秩序。 第四章：静谧的瞬间——绘画的表现技法与转化 本部分将探讨艺术家如何运用绘画媒介，将布景、光影和构图的理念转化为生动的视觉形象。虽然我们以“拍摄”一词代称，但其核心是理解和模拟写实绘画中对物体的描绘能力。 1. 写实描绘的精确性： 精确的形体塑造： 艺术家需要对物体的三维形态有深刻的理解，并通过线条、轮廓和明暗来精确地表现其几何特征和体积。 材质的逼真再现： 铜器的光滑，玻璃的剔透，丝绒的柔软，水果的饱满，花瓣的细腻，这些不同的材质纹理，都需要通过精湛的笔触和色彩来模拟。 2. 色彩的运用与和谐： 色彩的观察与再现： 仔细观察物体在不同光线下的真实色彩，并将其准确地运用到画面中。 色彩的冷暖对比与调和： 利用色彩的冷暖对比来塑造体积和空间，并通过色彩的调和来达到画面的整体和谐。 固有色与环境色： 准确区分物体本身的颜色（固有色）和受到环境影响所呈现的颜色（环境色），是写实绘画的关键。 3. 光影的表现技巧： 细腻的明暗过渡： 通过层层叠加的颜色或精细的笔触，实现明暗之间柔和而自然的过渡，避免生硬的断层。 高光的处理： 精准捕捉物体表面的高光点，是展现材质光泽的关键。高光不宜过多过大，要恰到好处地点缀，突出物体的质感。 阴影的丰富性： 阴影并非单一的暗色，它包含了物体本身的暗部、环境色的反射以及物体之间的遮挡形成的暗部。深入理解并描绘阴影的丰富层次，是画面的立体感和真实感的重要保障。 4. 细节的刻画与整体的把握： 局部细节的精准： 花瓣上的露珠、器皿上的纹饰、织物上的褶皱，这些细节的描绘是展现艺术家技艺和画面生命力的重要体现。 整体的和谐统一： 在关注细节的同时，不能忽视整体的和谐。画面中的所有元素，无论大小，都应服务于整体的构图和意境。 结语 西方古典静物画是一座取之不尽的艺术宝库。通过深入理解其在布景、用光、构图和表现技法上的精妙之处，我们不仅能够欣赏到那些永恒的艺术杰作，更能从中汲取灵感，提升我们对视觉艺术的感知能力，甚至在自己的创作实践中（无论是以绘画、摄影还是其他媒介），都能触及到那份静谧而深刻的美学境界。愿本书能为您开启一段探索古典静物画奥秘的精彩旅程。

评分☆☆☆☆☆

“拍摄”是最终将想法付诸实践的环节，而这本书将“布景”、“用光”、“构图”这些理论知识融会贯通，最终落脚在“拍摄”层面，这让我觉得非常系统和实用。我希望“拍摄”这一章节不仅仅是介绍相机参数的设置，更重要的是能够结合前面提到的布景、用光和构图技巧，讲解如何在实际拍摄中灵活运用这些知识。例如，在光线不足的情况下，如何通过调整曝光和ISO来获得清晰的照片；在想要突出某个细节时，如何通过景深来虚化背景；如何根据不同的拍摄对象和想要表达的氛围，选择合适的拍摄模式和快门速度。我希望书中能分享一些拍摄时的“小贴士”和“注意事项”，比如如何避免反光，如何捕捉动态的细节，如何处理背景中的干扰元素等等。我希望能通过这本书，掌握从前期准备到按下快门的全过程，让我的拍摄过程更加自信和从容，最终能够稳定地拍出高质量的静物照片。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《德国静物摄影教程：布景·用光·构图·拍摄》后，我简直欣喜若狂！作为一个对摄影充满热情但又苦于不得其法的爱好者，我一直在寻找一本能够系统讲解静物摄影技巧的入门书籍。这本封面设计简洁大气，透露着一丝严谨和专业的德国风格，立刻就抓住了我的眼球。我最看重的是书中关于“布景”的章节，因为我总觉得自己的静物作品缺乏那种“故事感”和“氛围感”。以往我总是随手抓起一些物品就开始拍，结果出来的照片要么杂乱无章，要么显得单调乏味。这本书的介绍让我看到了希望，它不仅仅是教你如何摆放物品，而是从色彩搭配、材质选择、道具选取等多个维度，引导读者去思考如何构建一个具有视觉冲击力和情感共鸣的画面。我特别期待书中能够分享一些经典的布景案例，并详细解析其背后的思考过程，例如为什么选择这个背景，为什么这样摆放这些道具，以及这些选择如何共同服务于想要表达的主题。我希望它能教会我如何通过布景来提升照片的艺术性和感染力，让我的静物作品不再是简单的物品堆砌，而是能够讲述一个引人入胜的故事。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“用光”部分是我最期待的，也是我一直以来最头疼的问题。我总觉得自己的照片拍出来总是“死气沉沉”的，缺乏立体感和层次感，这很大程度上是因为我对光的运用不够纯熟。我了解到德国摄影的严谨和对技术的高要求，所以非常相信这本书在这方面会提供非常专业的指导。我希望书中能够深入浅出地讲解各种光源的特性，比如自然光和人造光的区别，顺光、逆光、侧光等不同布光方式的效果，以及如何通过调整光线的方向、强度和色温来塑造物体的质感和体积感。我尤其希望能看到关于如何运用硬光和柔光来表现不同材质的细节，比如丝绸的柔滑、金属的光泽、玻璃的通透感等等。书中如果能提供一些具体的用光实例，并附上照片和相应的布光图，那将对我非常有帮助。我希望能学会如何“玩转”光线，让光影成为我创作的得力助手，赋予我的静物作品生命力，让它们看起来更加生动、饱满，充满视觉吸引力。

评分☆☆☆☆☆

“构图”是摄影的灵魂，而我在这方面一直是个“小白”。我总是在拍摄时感到无从下手，不知道如何安排画面中的元素，才能让照片看起来更和谐、更有冲击力。这本书的“构图”章节对我来说简直是雪中送炭。我希望它能详细介绍黄金分割、三分法、对称构图、引导线构图等经典构图法则，并且不仅仅是理论上的讲解，更重要的是要结合大量的实例，让我能够直观地理解这些法则在实际拍摄中的应用。我希望书中能够展示一些不同风格的构图范例，并分析它们的优缺点，以及在什么情况下适合使用哪种构图方式。此外，我也希望能够学到如何通过调整景别、视角和画面比例来强化照片的主题，以及如何避免画面出现杂乱、失衡等问题。我渴望通过学习这本书，能够提升我的画面驾驭能力，让我的每一张照片都构图精巧，重点突出，具有强烈的视觉引导性，让观者一眼就能被吸引。

评分☆☆☆☆☆

对于一本专业的摄影教程来说，我认为“德国制造”这个标签本身就意味着高质量和严谨。我一直对德国的工业设计和严谨的制造工艺有着极高的评价，而当这本书冠以“德国静物摄影教程”时，我对其内容的专业性和深度充满了期待。我希望它不仅仅是一本简单的摄影技巧书籍，更能够传递一种摄影理念，一种对细节的极致追求，以及一种对美的深刻理解。我期待书中能够有一些关于德国静物摄影流派的介绍，了解他们的艺术风格和发展脉络，这有助于我更全面地认识静物摄影。同时，我希望这本书能够包含丰富的实操案例，并且这些案例不仅美观，更重要的是能够让读者从中学习到具体的拍摄方法和技巧，而不仅仅是欣赏。我希望这本书能够成为我静物摄影之路上的一个重要指引，帮助我突破瓶颈，提升摄影水平，让我能够创作出真正具有艺术价值和个人风格的作品。