小提琴欣赏十八讲 杨九华 国家大剧院音乐讲堂 配精美彩图版 北京师范大学出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 北京师范大学出版社

ISBN：9787303209538

商品编码：29611920737

丛书名： 小提琴欣赏十八讲

出版时间：2016-08-01

书名 小提琴欣赏十八讲 主编/作者 杨九华 出版社 北京师范大学出版社 ISBN 9787303209538 版次/印次 2016年8月 定价 45.00元   巴洛克音乐篇
讲 小提琴，一个神奇市头盒子的自述
一、小提琴的身世
二、小提琴的容貌
三、小提琴的角色
第二讲 巴洛克时期的艺术生活及小提琴审美观念
一、小提琴诞生及发展时期的人文艺术氛围
二、巴洛克时期音乐生活中的小提琴
三、平衡的审美物质凸显在小提琴音乐中
第三讲 巴赫和享德尔笔下的复调小提琴音乐瑰宝
一、将理性思维融入小提琴作品中的虔诚智者巴赫
二、尘世宠儿亨德尔的小提琴作品在历史中的身影
第四讲 巴洛克风格余音中维瓦尔第与塔蒂尼的小提琴作品
一、标题小提琴音乐的先驱维瓦尔第
二、让魔鬼附体于小提琴音乐中的塔蒂尼
古典主义音乐篇
第五讲 古典时期小提琴审美特征与演奏艺术的发展
一、启蒙思想下古典主义小提琴音乐的审美特征
二、小提琴形制及演奏技术的发展
三、小提琴学派的地域化特色与音乐伟人的贡献
第六讲 散发童真般烂漫个性的小提琴音乐天才莫扎特
一、给世界带来巨大震憾的天之骄子
二、创造小提琴协奏曲古典范式的莫扎特
三、与生俱来清晰自然的小提琴奏鸣曲
第七讲 塑造古典开启浪漫先河的小提琴音乐大师贝多芬
一、他是一位音乐家，更像一位圣人
二、从小提琴奏鸣曲感知贝多芬对生活寄予的希望
三、小提琴浪漫曲中的深层情感宣泄
四、凝聚深邃思想隐含浪漫情怀的小提琴协奏曲经典
浪漫主义音乐篇
第八讲 浪漫主义时期小提琴审美特征与演奏艺术的发展
一、张扬个性强调民风的浪漫主义时期小提琴审美主旨
二、三大小提琴学派引领演绎不同的审美取向
三、彰显情感与技巧相融的小提琴音乐特征
第九讲 来自咏叹调之乡的炫技大师帕格尼尼
一、素描大师帕格尼尼
二、永垂史册的《24首小提琴随想曲》
三、音乐与技巧完美统一的《D大调小提琴协奏曲》
四、恰似对人生无尽追求的《无穷动》
第十讲 凸显热情浪漫之小提琴作品的法国音乐家
一、追求激昂热情之小提琴音乐的圣-桑
二、将小提琴协奏曲冠名为交响曲的拉罗
三、用小提琴音乐讲述浪漫爱情故事的弗兰克
四、谱写神秘朦胧美轮美奂《音诗》的肖松
五、编织起伏跌宕之优美旋律的福雷
第十一讲 德意志严谨朴实小提琴乐音的绽放
...
第十二讲
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20世纪音乐篇
第十三讲
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第十四讲
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第十五讲
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第十六讲
...
第十七讲
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中国音乐篇
第十八讲
...
附录一
附录二 《国家大剧院音乐讲堂丛书》每本均选择一个具体的音乐门类展开，系统介绍了音乐史上此类音乐具的音乐家及作品，帮助读者涉猎一下历史的线索、作品的背景、作曲家的生平以及作品本身的结构，通过梳理知识脉络，使读者对艺术的认识与理解更加系统。讲述风格深入浅出、引人入胜，将音乐作品的经典性、趣味性和通俗性并举，尽可能扫除高雅艺术与广大受众之间的隔阂。 本册围绕小提琴音乐展开，立体呈现小提琴音乐艺术的诸多方面，试图为欣赏者提供一个独特的切入点和全面的欣赏指南。

《音乐的殿堂：古典音乐的鉴赏之旅》 引言：聆听灵魂的低语 音乐，作为人类情感最直接的表达方式，拥有穿越时空、触动心灵的魔力。从巴洛克时期的严谨精巧，到浪漫主义的汹涌澎湃，再到二十世纪的实验与创新，古典音乐的世界广阔而深邃。本书旨在为渴望深入了解古典音乐的听众提供一份详尽的导览图，它不是对某一特定乐器或某一时期的深入剖析，而是从更宏观、更基础的层面，搭建起听众与古典音乐之间沟通的桥梁。我们将一起探索音乐的语言、结构，以及那些塑造了西方音乐史的伟大心灵与时代背景。 第一部分：理解音乐的“语言”——基础要素的剖析 音乐的魅力源于其内在的结构和组织方式。要真正欣赏古典音乐，我们首先需要学会“听懂”它在说什么。 一、旋律的线条与记忆点： 旋律是音乐的骨架，是听众最容易捕捉和记住的部分。本章将细致分析旋律的构成要素，包括音高、音程、音阶以及调式。我们将探讨如何区分“可歌唱的旋律”（Lyrical Melody）与“动势性旋律”（Motoric Melody），并追溯其在不同历史时期（如格里高利圣咏到莫扎特的咏叹调）的演变轨迹。我们将通过具体的乐段实例，展示作曲家如何通过重复、变奏和发展来赋予旋律生命力。 二、节奏的脉搏与驱动力： 如果说旋律是音乐的轮廓，那么节奏就是音乐的生命律动。本章将深入讲解节拍、小节线、拍号的意义。我们将区分复合拍（如6/8拍）与简单拍（如4/4拍）带来的听感差异，并探究切分音（Syncopation）在打破平衡、制造张力方面的作用。从巴赫赋曲中精确的节奏驱动，到斯特拉文斯基《春之祭》中原始而狂野的节奏冲击，节奏不再是简单的计时工具，而是情感叙事的强大载体。 三、和声的色彩与深度： 和声是古典音乐最复杂也最迷人的维度之一。本书将从最基本的“三和弦”概念入手，逐步引导读者理解“和弦的排列”（Chord Progression）。我们将重点解析“功能和声”——即主、属、下属和弦之间的相互作用如何创造出解决与不解决的期待感。此外，还将介绍“不协和音”（Dissonance）的引入，以及浪漫主义作曲家如何运用复杂的延伸和弦（如九和弦、增六和弦）来模糊调性中心，营造出丰富、甚至带有忧郁的色彩。 四、音色与配器：乐器的“交响画卷”： 不同的乐器组合能够产生截然不同的听觉效果。本章将系统介绍管弦乐队的四大声部（弦乐、木管、铜管、打击乐）的特点、音域和常用功能。我们不会仅仅停留在罗列乐器名称，而是会探讨作曲家是如何根据音乐的需要，精妙地安排“配器法”（Orchestration）。例如，小提琴高音区与单簧管中音区的对比、铜管组宏大的和弦支撑，以及打击乐的点缀作用。通过分析德彪西或马勒的配器片段，读者将能更清晰地辨识出作曲家手中调色盘的使用技巧。 第二部分：时间中的音乐史——风格的流变与大师的足迹 古典音乐的欣赏，离不开对历史语境的理解。不同时代有着不同的审美标准、社会结构和技术条件，这些都深刻影响了音乐的创作。 一、巴洛克的秩序与激情（1600-1750）： 本章聚焦于巴赫和亨德尔的时代。我们将探讨“巴洛克”风格的核心——复调音乐（Polyphony）和固定低音（Basso Continuo）的运作机制。重点分析赋曲（Fugue）的严密结构，以及协奏曲（Concerto Grosso）中“独奏与合奏”的对话模式。巴洛克的音乐是精密的建筑，每一个声部都如同齿轮般完美咬合。 二、古典主义的清晰与平衡（1730-1820）： 从巴洛克的复杂转向海顿、莫扎特时代的“清晰、自然、优美”。本章将详述奏鸣曲式（Sonata Form）作为器乐“戏剧结构”的重要性——呈示部、发展部与再现部的内在逻辑。此外，对奏鸣曲、四重奏和交响曲这三大核心体裁的介绍，将帮助听众理解“形式服务于内容”的古典美学。 三、浪漫主义的自我与情感的爆炸（1800-1910）： 随着个人主义的兴起，音乐成为表达主观情感的终极工具。本章将讨论贝多芬如何承前启后，以及舒伯特、肖邦、李斯特等作曲家如何扩展和声语言、解放节奏，并催生了艺术歌曲（Lied）、交响诗（Symphonic Poem）等新体裁。我们将探讨“标题音乐”（Program Music）如何讲述故事，以及小型室内乐与宏大交响乐在情感表达上的取舍。 四、二十世纪的破碎与重构： 面对工业革命后的世界，音乐家们开始挑战既有的规则。本章将简要介绍印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）以及新古典主义等流派。听众将学习如何欣赏不再遵循传统调性的音乐，理解十二音体系的内在逻辑，以及作曲家如何运用节奏的异化和音色的极端化来描绘现代生活的疏离感。 第三部分：聆听的实践——如何培养鉴赏能力 欣赏古典音乐并非天生的能力，而是一种需要练习的技能。 一、体裁的入门指南： 本章将为听众提供一份“工具箱”，清晰界定交响曲、协奏曲、室内乐（如弦乐四重奏）、歌剧、清唱剧等主要体裁的特点、结构和最佳聆听方式。例如，聆听协奏曲时，焦点应放在独奏家与乐队的张力与合作之上；而聆听四重奏时，则应关注四把独立声部的内在对话。 二、从结构中发现美感： 我们将提供一套可操作的聆听方法论：第一次听，关注旋律和情感；第二次听，关注和声色彩和织体；第三次听，则尝试追踪宏大结构（如奏鸣曲式）的骨架。 三、现场体验的提升： 介绍音乐厅的礼仪，以及如何利用音乐会手册和指挥家的处理来深化对作品的理解，将抽象的音符转化为具体的、具有震撼力的艺术体验。 结语：未完待续的聆听 古典音乐的世界浩瀚无垠，本书提供的仅仅是进入这座殿堂的钥匙。真正的欣赏，在于持续的探索和开放的心态。愿本书能成为您手中那盏指引前行的灯，照亮您在无限音符海洋中，发现属于自己的至美之声。

评分☆☆☆☆☆

总的来说，这是一本让人读完后，再回头听音乐时，耳朵仿佛被重新校准过的书。在没有读它之前，听小提琴协奏曲可能更多停留在“好听”的层面；读完之后，你会开始留意到，为什么某个版本的小提琴声部在进入快板时会突然变得如此具有穿透力，或者，为什么同一段旋律，在不同的指挥棒下，其速度的细微调整会彻底改变作品的内在情绪张力。它教会了我如何从“被动接受”转变为“主动参与”音乐的欣赏过程，真正理解了音乐家和作曲家在创作与演奏中所倾注的智慧和心血。这种对听觉体验的提升是革命性的，它让每一次的音乐播放都变成了一次富有深意的探索。对于任何想要将古典音乐融入生活、提升生活品质的人来说，这本书的价值是无法用金钱简单衡量的，它更像是一张通往更广阔音乐世界的黄金门票。

评分☆☆☆☆☆

从内容结构来看，这套“十八讲”的编排逻辑简直是大师级的布局，它没有一上来就抛出复杂的音乐术语，而是像一位循循善诱的老师，拉着你的手从最基础的“聆听之道”开始探索。第一部分的讲解非常注重培养听觉的敏感度，它教会你如何区分不同的演奏风格，如何去捕捉弓法变化带来的细微情感波动，而不是仅仅听“热闹”。我个人特别欣赏它对于“情感共鸣”的阐述，它不空泛地谈论“忧伤”或“喜悦”，而是通过具体的乐章分析，告诉你巴赫的复调是如何构建出一种理性的秩序美，而勃拉姆斯的协奏曲又是如何通过厚重的和声来表达内心的挣扎与崇高。这种由表及里、层层递进的讲解方式，让学习者能够真正沉浸其中，而不是机械地记忆知识点。而且，作者在讲述过程中，总能巧妙地穿插一些时代背景和作曲家生平的小故事，这些“花边新闻”非但没有冲淡主题，反而像催化剂一样，让抽象的音乐知识立刻鲜活了起来，变得有血有肉，极大地激发了我的好奇心和求知欲。

评分☆☆☆☆☆

对于一位资深乐迷来说，这本书最大的魅力或许在于它提供的深度和广度达到了一个近乎完美的平衡点。它既能满足新手对“什么是奏鸣曲式”的好奇心，也能够让老乐迷在那些深入到特定时期演奏技巧的章节中找到新的启发。我尤其欣赏作者对于不同流派小提琴演奏家风格差异的剖析。比如，当谈到二十世纪中叶的演绎流派时，它对比了海菲兹的精准犀利与大卫·奥伊斯特拉赫的温暖醇厚，这种对比不是简单的描述，而是带着对声音哲学的深刻理解。它会用非常精准的词汇去描绘音色的颗粒感、换把时的呼吸频率，以及对乐句呼吸节奏的控制，这些都是非专业人士难以察觉的细节。这种专业又不失通俗的叙事口吻，让人感觉像是坐在音乐厅贵宾席上，聆听一位博学的朋友在耳边进行深度导赏，每一个观点都言之有物，充满了个人独到的见解和多年积累的功力，让人不得不信服。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计着实令人眼前一亮，那种典雅与现代交织的美感，光是捧在手里把玩，就觉得是一种享受。封面选用的材质很有质感，触摸起来温润细腻，与书名“小提琴欣赏十八讲”的古典韵味相得益彰。内页的印刷更是没话说，那份对细节的执着简直让人感动。特别是那些精美的彩图，不仅仅是简单的插页，它们似乎自带光芒，将乐器本身的木纹、光泽，以及演奏家们在舞台上的神采捕捉得淋漓尽致。我记得有几张关于斯特拉迪瓦里小提琴的特写，那深邃的漆色和精巧的弧度，即便是通过纸张呈现，也能感受到其无与伦比的历史厚重感。对于一个初涉古典音乐世界的门外汉来说，光是这些视觉上的盛宴就已经极大地降低了欣赏门槛，让原本可能显得枯燥的理论知识变得生动起来，仿佛每一幅图都在无声地讲述着一段旋律背后的故事。出版社在排版上也花了大心思，字体的选择既保证了阅读的舒适度，又不失格调，整体给人一种“艺术品”而非“教科书”的感觉，这无疑大大提升了阅读的愉悦性和收藏价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版单位——北京师范大学出版社，这个名字本身就带有一种学术的严谨性，而这套“十八讲”确实没有辜负这个招牌。它的引证和参考资料的规范性做得非常到位，虽然是以“欣赏”为导向，但其背后扎实的音乐学功底是毋庸置疑的。我注意到，在提及某些重要的乐曲分析时，作者会很审慎地引用不同的音乐学家的观点，并阐述自己的立场，这种学术上的开放性和批判性，让这本书的价值远超一般的科普读物。它成功地搭建了一座沟通学院派理论与大众审美之间的桥梁。它没有故作高深地使用晦涩难懂的德语或意大利语词汇而不做解释，而是将所有专业术语都消化后，用我们最熟悉的语言重新组织起来，真正做到了“深入浅出”。这种对知识的尊重和对读者的体贴，体现了出版方极高的专业素养和对文化传播的责任感。