拜厄钢琴基本教程 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 钢琴教材
• 拜厄
• 钢琴基本教程
• 音乐教材
• 少儿钢琴
• 入门教材
• 乐理知识
• 钢琴练习
• 音乐书籍
• 经典教材

店铺： 悦读时光图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787559614377

商品编码：29618839056

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	拜厄钢琴基本教程 音乐 书籍
作者：	(德)拜厄著
定价：	28.0
出版社：	北京联合出版公司
出版日期：
ISBN：	9787559614377
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

拜厄钢琴基础教程为学习钢琴演奏艺术的简易入门教科书，是初学钢琴者修的教本。拜厄的钢琴教程经过一百多年的考验，仍被教师和学生所喜爱。拜厄钢琴基本教程是钢琴学习过程重要的基础教材，科学、规范地练习它，对学琴者钢琴演奏水平的发展和提高，有着重要的作用。

好的，为您撰写一份针对其他音乐书籍的详细简介，内容将专注于音乐理论、演奏技巧、音乐史或特定乐器学习等方面，完全避开《拜厄钢琴基本教程》的内容。 --- 《和声的奥秘：从基础到赋格的逻辑构建》 内容简介： 本书旨在为音乐学习者提供一个系统、深入且富有实践性的和声学学习路径。我们深知，和声并非枯燥的规则堆砌，而是音乐语言的核心语法，是构建丰富听觉体验的基石。本书从最基础的音程、调性概念入手，层层递进，直至探讨二十世纪及以后更复杂的和声织体。 第一部分：调性基础与功能和声的奠基 本部分聚焦于古典功能和声的构建模块。我们详细剖析了自然音阶、大小调的构建原理，以及三和弦（主和弦、下属和弦、属和弦）在不同调性中的具体功能与连接规律。不同于仅罗列和弦连接表的传统教材，本书强调“功能性思维”的培养——即理解和弦在音乐结构中所扮演的角色（稳定、导向、解决）。 特别地，我们用大量的实例分析了导七和弦（Dominant Seventh）、减七和弦（Diminished Seventh）的导向能力及其在转调中的桥梁作用。书中穿插了巴赫、莫扎特作品中的经典范例，旨在让读者在实际的音乐语境中理解理论的意义。我们还深入探讨了“和弦外音”（Non-Chord Tones）的运用，如经过音、悬念音、倚音等，它们如何为静态的和声增添色彩与律动感。 第二部分：丰富色彩的延伸与风格探索 当基础功能和声稳固后，本书引导读者进入和声色彩的扩展领域。我们详细讲解了九和弦、十一和弦及十三和弦的构成与听感效果。这些复杂的和弦如何在浪漫主义晚期（如瓦格纳、德彪西）的音乐中被用作情感的极致渲染工具，本书提供了细致的分析。 本部分的一个重要章节专门探讨了“变化和弦”（Altered Chords）的运用。例如，增六和弦（意大利式、法国式、德国式）如何以其强烈的导向性，在不改变调性框架的前提下，实现戏剧性的和声色彩转变。我们还探讨了平行五度/八度的历史性使用规范，以及如何在现代作品中故意打破这些规范以达到特定的艺术效果。 此外，本书引入了“调式和声”（Modal Harmony）的概念。通过对比大小调体系与各种古代调式（多利安、弗里吉安、利底亚等），读者将掌握如何利用调式音阶创造出不同于传统大调或小调的异域或复古风情，这是爵士乐和当代电影配乐中常用的技巧。 第三部分：二十世纪的结构变革与非功能和声 进入二十世纪，和声的逻辑发生了根本性的转变。本书系统地介绍了“位值和声”（Vertical Harmony）的概念，以及作曲家如何试图摆脱传统功能和声的束缚。 我们详细解析了“十二音体系”（Twelve-Tone Technique）的核心原理，包括音列的生成、音列的转换（逆行、倒影、逆行倒影），以及如何利用音列构建和声结构。这部分内容着重于逻辑的严密性，而非演奏上的易行性。 同时，本书也考察了“无功能和声”的实践，如德彪西对色彩和声的探索，以及斯特拉文斯基作品中对复调与多调性的应用。我们探讨了“集群音”（Tone Clusters）的构成，以及它们在表现现代社会紧张感和原始力量方面的效果。 第四部分：复调、织体与分析实践 和声的最终体现是织体的构建。本书的最后一部分回归到音乐的“结构”层面。我们深入讲解了复调写作（Counterpoint）的原则，重点阐述了巴赫赋格曲的写作技巧，包括主题的呈示、插入段的构建、赋格的扩大、以及各种复杂的模仿技巧（如卡农、对位）。理解复调，才能真正理解和声在不同声部间的独立与交织。 本书不仅是理论指南，更是一本分析工具书。书中提供了丰富的乐谱片段，并指导读者如何运用和声学术语进行严谨的分析，从而揭示作曲家在不同历史时期和风格中，如何巧妙地运用和声语言来塑造音乐的结构、情绪与叙事性。 适用读者： 本书适合具备一定基础乐理知识，希望深入理解西方音乐核心语汇——和声学的音乐专业学生、作曲系研究生、高级演奏者、以及热衷于深入分析古典与现代音乐作品的音乐爱好者。通过系统学习，读者将能更深刻地欣赏和掌握音乐的内在逻辑。 --- 《弦上的艺术：小提琴演奏的精微技巧与身心统一》 内容简介： 本书是一本专注于小提琴演奏技术深度剖析与身心协调训练的综合性指南，旨在帮助学习者突破技术瓶颈，实现演奏中的自由表达与音乐的深度诠释。本书的视角超越了音符本身，着重于演奏者与乐器之间的物理互动、心理状态的调控，以及对音色美学的极致追求。 第一部分：器乐基础与精确的物理反馈 本书详尽解析了小提琴发声的物理原理。我们从弓的接触点、压力、速度（即“弓的三要素”）入手，结合高精度图表和慢动作分析，解释了如何通过微调这三个变量来控制音量的动态范围和音色的丰富性。书中特别强调了“有效接触点”的概念，指出在不同把位和弦型中，弓弦接触点的细微移动对音质产生的巨大影响。 关于持弓技术，我们提供了系统的、符合人体工程学的练习方法，旨在消除不必要的僵硬和紧张。从腕部的灵活性到手指对弓杆的精确控制，每一章节都配有详细的图解和针对性的练习曲目，帮助演奏者建立“肌肉记忆”与“听觉反馈”的同步循环。 第二部分：左手精准性与手指的独立性训练 左手的训练是本书的另一核心。我们深入探讨了指位转换的流畅性，不仅仅是简单的“滑音”，而是如何在保持音准的同时，实现平滑且无声的换把。书中特别设立章节，专门分析了高把位演奏中，手指的延伸与收缩的平衡，以及如何利用不同指型来适应复杂的小提琴指板几何形状。 关于音准（Intonation），本书摒弃了单纯依靠“视觉标记”的习惯，转而提倡通过听觉训练来建立内在的音高感知。我们介绍了利用“同音共振”（Sympathetic Resonance）原理，通过听取空弦的振动来校准按弦指位的科学方法，并推荐了一套系统的“听觉定位练习”。 第三部分：弓弦的对话——音色雕塑与表达 音色是小提琴演奏的灵魂。本书将“音色”视为一种可塑的材料，而非天生的特质。我们探讨了不同运弓技巧（如连弓、分弓、顿弓、碎弓）在不同音乐风格中的应用。例如，如何通过极轻的弓毛压力来模仿木管乐器的“气音”，或如何通过加速的弓速和压力变化来模仿铜管乐器的“冲击感”。 “揉弦”（Vibrato）的控制被视为一个成熟演奏家的标志。本书全面分析了不同类型的揉弦（手腕式、手臂式、混合式），并指导学习者如何根据乐曲的速度、情感强度和旋律线条来动态调整揉弦的频率和幅度，避免单一或僵化的揉弦模式。 第四部分：演绎的深度与乐思的传递 技术为表达服务。本书的最后部分引导演奏者超越技术层面，进入音乐诠释的领域。我们讨论了“乐句的呼吸”——如何通过弓的起止、速度的微小变化（Tempo Rubato）来赋予旋律生命力，使其听起来像人声一样自然。 对于复杂的复调作品（如巴赫的无伴奏奏鸣曲），本书提供了如何分离和构建不同声部的技巧，确保听众能清晰辨识出旋律线条的逻辑，即使它们同时在同一件乐器上演奏。我们还强调了不同历史时期对小提琴演奏风格的要求，指导学习者如何区分巴洛克时期对清晰度和节奏感的强调，与浪漫主义时期对宏大音色和情感起伏的追求。 本书的最终目标是帮助演奏者将枯燥的练习转化为与乐器之间富有创造力的对话，让每一个音符都承载着清晰的音乐意图。 ---

评分☆☆☆☆☆

对于一个自学钢琴的人来说，一本好的教材如同良师益友，而这本书在这方面表现得尤为突出。它仿佛预判了学生在学习过程中可能遇到的所有常见误区，并在关键节点设置了“警示灯”。我发现，很多看似不经意的细节，其实都暗藏着作者多年的教学智慧。比如，关于休止符的处理，它不仅解释了休止符的时值，更强调了“留白”在音乐中的重要性——那份短暂的宁静如何烘托出下一个音符的清晰度。再比如，对于指甲长度和手型稳定性的强调，它不是简单的一句话带过，而是配有清晰的手部结构示意图，并详细解释了拱形手型如何帮助重量传递而非僵硬地“僵住”。这些详尽的、图形化的辅助说明，极大地弥补了自学者缺乏面对面指导的缺陷。每次当我感到迷茫时，翻开书本，总能在某个角落找到恰到KISS的指导，让我能够及时修正不良习惯，确保每一步都走得扎实而有效。这本书的“陪伴感”和“指导性”是其最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常简洁，采用了经典的黑白配色，让人一眼就能感受到它作为一本专业音乐教材的严谨性。拿到书的时候，首先注意到的是纸张的质感，厚实且光滑，翻页时没有那种廉价的摩擦感，让人阅读起来非常舒适。我个人非常看重书籍的装帧和印刷质量，因为这直接影响到练习时的心情和持久度。这本书的字体排版也做得非常到位，五线谱和文字的间距适中，即便是初学者在对照乐理知识和实际弹奏时，也不会感到眼花缭乱。而且，它在一些关键的指法和力度标记上使用了醒目的颜色或加粗处理，这一点对于需要精细辨别的初学者来说，简直是福音。我特别喜欢它在章节开始处加入的一些简短的音乐史小知识或者演奏建议，这些内容虽然不直接涉及技术练习，但极大地丰富了学习的背景，让枯燥的练习过程增添了一抹人文色彩。整体来说，从实体书的触感、视觉体验到内容的布局设计，这本书都展现出一种对学习者深切的关怀和对音乐教育的专业态度。光是看着它放在钢琴旁边，就有一种督促自己进步的动力。

评分☆☆☆☆☆

我用了好几本不同的基础教程，但唯独这本书在理论与实践的结合上做到了近乎完美的平衡。很多教程要么过于偏重理论的堆砌，让人感到枯燥乏味，要么就是纯粹的指法堆砌，导致学生只知其然不知其所以然。这本书巧妙地避免了这些陷阱。每当它引入一个新的大调或和弦进行时，它不会立刻跳到复杂的乐曲中去，而是先用简洁的图示说明这个调性在键盘上的分布特点和听觉效果。紧接着，它会给出几条专门用来体会这种“调性色彩”的短句。这种“先听，后看，再练”的模式，极大地培养了我的乐感。我不再是机械地敲击琴键，而是开始用耳朵去“听”我弹奏出来的音符之间的关系。此外，书中的一些曲目选择也十分考究，它们大多改编自一些耳熟能详的民间旋律或巴洛克早期的简单作品，旋律性极佳，即使是简单的音符组合，听起来也不会像传统教材那样寡淡乏味，这让练习过程充满了音乐的愉悦感。

评分☆☆☆☆☆

这本书在针对性训练的深度上，真的超出了我的预期。它对于力度控制（强弱变化）的讲解，简直可以称得上是一门微观课程。很多初学者，包括我自己在内，在很长一段时间内弹奏的都是一个“平均力度”，缺乏层次感。这本书里关于“渐强”和“渐弱”的指示，细致到了每一个四分音符甚至八分音符的微小变化。它不仅仅是让你知道什么时候该弹“f”或“p”，更重要的是，它提供了一系列专门用于区分不同力度之间细微差别的练习段落。例如，它会要求你用极轻柔的力度（pp）弹奏左手旋律，同时用略微清晰的力度（mp）弹奏右手伴奏，这种细致到近乎偏执的训练，迫使我的手指肌肉开始形成记忆，学会了如何独立而又协调地分配力度。经过一段时间的练习，我明显感觉自己的触键不再是僵硬的“砸琴”，而是开始有了细腻的控制感，能够根据自己的想法去塑造乐句的起伏，这是我此前从未在其他教材中获得过的深度体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节逻辑编排简直是教科书级别的示范，完全符合人类学习技能的认知曲线。它不是那种一下子堆砌大量复杂概念的教材，而是采用了一种极其细腻的“微步进”策略。第一部分总是非常耐心地从最基础的 C 大调和最简单的节奏型开始，每一个新的概念，无论是关于时值还是指法上的细微变化，都会被拆解得极其透彻。我发现它最大的优点在于，它总是在引入新技巧的同时，立刻用非常短小精悍的练习曲来巩固。这些练习曲虽然简单，但针对性极强，让你在不知不觉中就掌握了前一页刚刚学到的知识点。尤其让我印象深刻的是它对手指独立性训练的处理，作者似乎非常清楚初学者最容易在哪里“卡壳”，于是便设计出那些看似简单实则暗藏玄机的练习，强迫你把注意力集中在每一个手指的均匀发力和控制上。这种循序渐进，环环相扣的结构，让你在完成一小节练习后，会产生一种“原来我能做到”的强烈成就感，而不是被难度吓退，这对于维持学习热情至关重要。