正版音乐学考试读本 人民音乐出版社 田可文著 音乐学专业考试范畴的西方音乐史中国音乐史书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 东润堂图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103034996

商品编码：29613923317

以下是一份不包含《正版音乐学考试读本》（人民音乐出版社，田可文著）中内容的图书简介，旨在介绍一本涵盖音乐学核心领域，但侧重于不同侧面或不同深度的相关书籍。 --- 《西方音乐思潮与中国传统乐律探源：音乐学前沿与专题研究》 本书导言：跨越时空的音乐对话 本书并非旨在提供一个标准化的、应试性的音乐学知识体系梳理，而是致力于深入挖掘西方音乐发展脉络中的关键思潮演变，并与中国传统音乐理论进行高层次的对话与比较研究。我们着重于对核心概念的批判性审视和对专题问题的深入剖析，旨在激发读者超越考纲限制，对音乐学领域产生更具洞察力的理解。 第一编：西方音乐思潮的深度解析 (约800字) 本部分摒弃了单纯的年代罗列和风格划分，转而聚焦于塑造西方音乐史进程中的思想内核与美学转向。 第一章：中世纪圣咏与教义的互动：文本与音高的张力 本章不着重于列举格里高利圣咏的曲目，而是深入探讨了中世纪教会礼仪对音乐形式的结构性制约。重点分析了“旋律的清晰性”与“神学表达的复杂性”之间的内在冲突。我们将详细审视早期记谱法（如纽姆谱）的局限性如何反过来影响了复调音乐的萌芽，以及奥尔加农（Organum）在多声部发展初期，如何在严格的理论框架下寻求自由的表达空间。讨论将延伸至世俗音乐（如游吟诗人歌曲）对教会音乐的反叛姿态，尤其关注其在民间语言与叙事功能上的突破。 第二章：文艺复兴的人文精神与音乐的“自然化” 文艺复兴时期是西方思想界从神权向人权过渡的关键节点。本章侧重于探讨人文主义哲学如何渗透进音乐创作。我们将细致考察约斯坎·德普雷等作曲家如何通过对文本的精准诠释（Word Painting）来体现对个体情感的关注。研究将聚焦于复调织体中的“均衡美学”——这种美学如何借鉴了古典主义的比例原则，并试图在人声的交织中构建一个和谐的微观宇宙。此外，早期印刷术对乐谱传播的影响及其对音乐教育普及化的深远意义，也将被纳入讨论范围。 第三章：巴洛克时期的情感理论与“激情论” 巴洛克音乐的核心驱动力是“激情”（Affect）。本章将深入探讨笛卡尔、科尔斯泰德等哲学家的情感理论如何被直接应用到音乐语言的构建中。我们将分析巴赫赋格的逻辑结构如何体现了一种理性秩序下的情感爆发，以及亨德尔清唱剧中戏剧张力的源泉。重点分析奏鸣曲式在早期（如维瓦尔第）的形态构建，以及“通奏低音”这一非传统组织形式如何成为音乐即兴创作和结构支撑的基石。 第四章：古典主义的“清晰性”与形式的普世诉求 本部分着重于分析海顿、莫扎特和早期贝多芬作品中对“清晰、平衡、普遍性”的追求。我们将超越对奏鸣曲式结构图解的描述，转而探究其背后所蕴含的启蒙运动哲学——即音乐应当成为一种可以被普遍理解和接受的“理性语言”。对交响曲中乐章布局的考察将侧重于主题发展（Development Section）中逻辑推理的严密性，以及不同乐器组的对话如何构建出一种社会性的沟通模式。 第五章：浪漫主义的个体史诗与音乐的“非音乐化”倾向 浪漫主义并非简单的调性扩张，而是对个体主体性、潜意识和非理性力量的颂扬。本章将探讨李斯特、瓦格纳等如何通过扩大管弦乐队编制、运用更复杂的和声语言（如半音化进行）来表达“无限”和“超越性”。重点分析标题音乐（Program Music）的兴起如何模糊了音乐与文学、绘画的界限，以及“莱茵河边的流浪者”这类艺术歌曲如何构建了一种新型的主题叙事。 第六章：二十世纪的范式革命：从调性瓦解到结构重构 二十世纪音乐是对前述所有既定规范的颠覆。本章将专注于分析勋伯格的十二音体系如何从根本上挑战了调性中心，这不是简单的“无调性”，而是对音高关系的重组逻辑。同时，我们将比较德彪西对音色和氛围的探索（印象主义）与斯特拉文斯基对节奏和原始冲动的回归（原始主义），分析技术进步（如录音技术）如何催生了具象音乐等新的艺术形态。 --- 第二编：中国传统乐律探源与乐器学考察 (约700字) 本书的第二部分，旨在避免对中国音乐史进行浅尝辄止的概览，而是侧重于分析中国音乐体系的理论基石——乐律学，并将其置于历史发展的特定阶段进行考察。 第七章：上古律制与阴阳五行：乐律哲学的本体论基础 本章的重点在于探讨中国古代乐律学（如三分损益法）的建立，并非单纯的数学计算，而是对宇宙秩序的模仿。我们将详细考察《礼记·月令》等文献中，律与节气、五行、政治伦理之间的内在联系。研究将超越基础的十二律介绍，深入分析“黄钟”作为“天地之中和”的象征意义，以及宫、商、角、徵、羽五音如何构建起一个具有内在关联的、非线性的音高系统。 第八章：雅乐制度的衰微与文人音乐的兴起 我们将考察周代雅乐制度在秦汉后的结构性变化。重点分析汉代“雅乐”在国家礼仪中的式微，以及在魏晋南北朝时期，玄学对“清商乐”的影响。本章将探讨古琴音乐（七弦琴）从早期作为巫祝或贵族修身工具，如何演变为宋代以后高度成熟的文人音乐范式。我们关注琴谱（如工尺谱、减字谱）的记写方式，如何体现了对演奏者即兴与内省的极高要求。 第九章：曲牌与板式：民间音乐的结构化表达 本章聚焦于宋元以来的成熟戏曲音乐体系。我们将对比散曲、杂剧、南戏等不同体裁在结构上的差异。重点分析“板式”这一概念，它不仅仅是速度的规定，更是情感张力与叙事推进的结构框架。例如，昆曲（如南曲）的“水磨腔”如何在严格的板式限制下，实现极度的细腻与婉转，这与西方歌剧的宣叙调和咏叹调在功能上有何异同。 第十章：近现代音乐的引进与本土化重塑 本编最后一部分，关注近现代中国音乐的变革动力。我们不再停留于对“新歌剧”或“新民乐”的简单罗列，而是分析西方和声学、对位法等概念被引入后，如何与中国传统五声体系发生冲突与融合。我们将以某一特定乐器（如二胡或笛子）的演奏技法演变为例，展示民族音乐家如何在保持民族音色特征的同时，吸收西方配器法和和声色彩，实现音乐语言的现代化转型。 结语：开放性研究的视野 本书的核心目标是引导读者构建一个开放的、具有比较视野的音乐学框架，理解音乐史是思想史、社会史和技术史交织的复杂产物，而非简单知识点的堆砌。

评分☆☆☆☆☆

从考试准备的角度来看，这本书的价值是毋庸置疑的。它提供的知识点覆盖面极广，几乎涵盖了所有可能出现在专业考试范围内的基本概念和关键历史事件。里面的名词解释和时间节点梳理得非常到位，可以说是“保姆式”的知识点整理。我个人感觉，如果能把这本书吃透，应付绝大多数基础笔试是绰绰有余的。但是，如果考试内容涉及对音乐作品的听辨或深入的音乐分析，这本书提供的工具就显得有些不足了。它侧重于“知道什么”，而不是“如何分析”。例如，书中对特定奏鸣曲式结构的描述，往往只停留在标准的教科书定义上，缺乏对某一具体作品进行“套用”分析的范例。总而言之，它是一本极佳的“备考词典”，但若想成为一名具有独立思考能力的音乐研究者，读者仍需从其他更具实践性和批判性的资源中汲取养分。这本书奠定了一个坚实但略显刻板的知识地基。

评分☆☆☆☆☆

我比较关注的是这本书在处理不同文化间的比较和融合方面是否有所建树。毕竟，当代的音乐学习者不可避免地要面对全球化的语境。很遗憾，在这本书中，中西音乐史的叙述似乎是两条平行线，很少有交叉点或对话。例如，在讨论到西方对位法或和声学的发展时，并没有尝试去对比中国传统声部组织（如泛音的运用或复调思维的萌芽）有何异同。这种“两张皮”的结构，使得读者在构建整体音乐世界观时，需要在脑海中进行大量的自主整合工作。对于一本旨在提供全面基础的读本而言，这种内容的并置而非融合，是其最大的局限。我理解这可能是篇幅和定位的限制，但至少在一些关键的历史节点，比如十九世纪末西方对东方艺术的“迷恋”或者中国近代音乐对西方体系的引入，期望能看到更细腻的史料分析和更具批判性的解读。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计挺朴实的，那种老派出版社的风格，让人一看就知道是“正经”教材。翻开书页，首先映入眼帘的是严谨的排版和清晰的字体，阅读体验还算不错。不过，作为一本号称涵盖“西方音乐史”和“中国音乐史”的“读本”，我本以为能看到一些更具启发性的图文并茂的资料，比如乐谱的节选、重要作曲家的手稿照片，或者不同时期音乐风格的对比图表。然而，实际内容更偏向于教科书式的陈述，知识点罗列得非常细致，对考试来说也许是好事，但对于初学者或者希望深入理解音乐文化背景的读者来说，可能会觉得有些枯燥。特别是西方音乐史的部分，从古希腊一直讲到二十世纪，跨度极大，内容深度上难免有所取舍，很多流派和人物的介绍都停留在了“是什么”的层面，缺乏对“为什么”的深入探讨。感觉作者的重心更多是放在了确保覆盖所有考试知识点上，而没有太多余地去描绘音乐发展中那些激动人心的转折点和美学思辨。希望后续的版本能增加一些导读性的文字，让枯燥的历史脉络鲜活起来。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书后，我最直观的感受是它的“厚重感”，不仅是物理上的重量，更是知识体系的庞大。它试图在一本书里解决两大块核心专业领域，这本身就是一项艰巨的任务。我花了相当大的篇幅去研究其中关于中国古代音乐理论的部分，比如“雅乐”的构建和“七音”的演变。这部分的论述相当扎实，引用的文献资料也比较充分，看得出作者在史料搜集上的下了功夫。但问题也随之而来，很多概念的解释过于学术化，夹杂了大量专业术语，对于我这种并非科班出身，但想通过自学来恶补知识的爱好者来说，理解起来颇有难度。我不得不频繁地查阅其他辅助资料来厘清一些概念。再者，书中对不同历史时期中国音乐的社会功能和审美取向的分析，略显保守和概括化，比如唐代燕乐与宋代词乐的交融与差异，如果能有更生动的案例分析，而不是仅仅停留在理论的阐述上，效果会好得多。它更像是一份给已经有一定基础的学生的考前复习大纲，而不是一本可以引人入胜的入门读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编写风格非常典型——以时间为序，以流派为纲。西方音乐史部分，巴洛克、古典主义、浪漫主义的划分清晰明确，每个时期的代表人物及其主要作品也被一一列举。对于应试者来说，这无疑是一个完美的知识结构图。然而，我个人在阅读时总觉得少了那么点“人情味”。比如，谈到贝多芬的晚期作品时，我期待看到更多关于他当时身心状态的描述，以及这些作品如何突破了既有的形式束缚，而非仅仅是结构分析。同样的，在中国音乐史部分，对近现代民族音乐学发展脉络的梳理，虽然信息量很大，但感觉更像是一份“人名地名录”，缺乏对这些学者和研究成果如何影响当下音乐生态的深入思考。它更像是一部工具书，用于检索和记忆，而非用于沉思和体会的艺术史著述。我希望作者能更深入地探讨一下，不同时代音乐家是如何在社会压力和个人抱负之间寻求平衡的。