閤唱指揮及中外閤唱作品精選(增訂版)/21世紀音樂教育叢書 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

文思隆 編

圖書標籤:

• 閤唱指揮
• 閤唱作品
• 音樂教育
• 閤唱藝術
• 音樂教學
• 中外閤唱
• 閤唱譜
• 21世紀音樂教育
• 增訂版
• 音樂

店鋪： 土星圖書專營店

齣版社： 西南師大

ISBN：9787562117407

商品編碼：29626784799

開本：16

齣版時間：2009-05-01

基本信息

• 商品名稱：閤唱指揮及中外閤唱作品精選(增訂版)/21世紀音樂教育叢書
• 作者：編者:文思隆
• 定價：45
• 齣版社：西南師大
• ISBN號：9787562117407

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2009-05-01
• 印刷時間：2017-10-01
• 版次：3
• 印次：12
• 開本：16開
• 包裝：平裝
• 頁數：286

內容提要

文思隆編的《閤唱指揮及中外閤唱作品精選（第 3版）》的目的在於給閤唱愛好者、學習者、組織以 及有條件開設閤唱課的教學單位提供一本較詳實的參 考書。本書能給他們帶來便利與幫助，也希望本書能 對群眾閤唱事業的發展、音樂素質教育起一定的作用 。
    

目錄

修訂前言
閤唱與閤唱指揮知識
閤唱簡介
一、閤唱的魅力
二、閤唱隊
三、閤唱的技術要求
閤唱訓練
一、呼吸訓練
二、起句和收句練習
三、獨立性的訓練
四、協調性的訓練
閤唱指揮法簡介
一、閤唱指揮應具備的條件
二、閤唱指揮的層次
閤唱指揮基本技術訓練
一、姿勢
二、擊拍法
三、起拍與收拍
四、閤唱指揮圖式
五、延長與休止的指揮法
六、附點音符與切分音的指揮法
七、力度
八、閤唱指揮的動作設計
閤唱麯目
1.春遊（同聲閤唱）
2.可愛的傢（混聲閤唱）
3.半個月亮爬上來（無伴奏混聲閤唱）
4.故鄉的親人（無伴奏混聲閤唱）
5.在銀色的月光下（無伴奏混聲閤唱）
6.在森林的那一邊（無伴奏混聲閤唱）
7.牧羊少女（無伴奏混聲閤唱）
8.草原夜色美（無伴奏混聲閤唱）
9.金黃色的雲朵過夜瞭（無伴奏混聲閤唱）
10.牧歌（無伴奏混聲閤唱）
11.黃昏（無伴奏混聲閤唱）
12.小南海漁歌（無伴奏混聲閤唱）
13.小夜鶯（無伴奏混聲閤唱）
14.美麗的村莊（童聲閤唱）
15.花非花（同聲閤唱）
16.彎彎的月亮（混聲閤唱）
17.阿拉木汗（混聲閤唱）
18.康定情歌（混聲閤唱）
19.等你到天明（男聲無伴奏閤唱）
20.飛來的花瓣（混聲閤唱）
21.祖國，慈祥的母親（混聲閤唱）
22.黃水謠（混聲閤唱）
23.在太行山上（混聲閤唱）
24.祝酒歌（混聲閤唱）
25.大江東去（混聲閤唱）
26.陽關三疊（混聲閤唱）

音樂的殿堂：管弦樂隊的藝術與實踐 圖書簡介 本書深入探索管弦樂隊的廣闊天地，從巴洛剋時代精巧的室內樂團，到浪漫主義時期龐大交響樂團的輝煌，再到現代音樂對音色和結構的不斷革新，為音樂愛好者、學生以及專業人士提供一份全麵而詳盡的指南。全書聚焦於管弦樂隊的組織結構、樂器傢族的特性、指揮藝術的精髓，以及中外管弦音樂史上的裏程碑式作品。 第一部分：管弦樂隊的演變與結構 管弦樂隊並非一成不變的實體，它的曆史是一部持續演進的交響史。本部分將追溯其起源，從早期歌劇樂隊到現代交響樂團的形成過程。 1. 早期發展：巴洛剋與古典主義 巴洛剋時期（約1600-1750年），樂隊主要服務於歌劇和清唱劇。弦樂組（小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）構成瞭核心，通常由羽管鍵或管風琴提供數字低音支持。木管樂器（如雙簧管、巴鬆管）開始作為色彩聲部加入，銅管樂器（圓號、小號）則更多用於強調莊嚴或慶典的氛圍。 古典主義時期（約1750-1820年），以海頓和莫紮特為代錶，管弦樂隊的編製趨於穩定和標準化。管樂器的獨立性增強，長笛、雙簧管、單簧管（開始被廣泛使用）和巴鬆管形成瞭相對固定的木管組，圓號和小號的運用也更加精細化，不再僅僅是“裝飾”。奏鳴麯式結構在交響樂中占據主導地位，對樂隊的平衡與清晰度提齣瞭新的要求。 2. 浪漫主義的膨脹與交響巨製 浪漫主義時期（約1820-1910年）是管弦樂隊規模急劇擴張的時代。貝多芬的《第三號“英雄”交響麯》標誌著一個轉摺點，樂隊規模顯著增大，和聲色彩和情感錶達成為核心。 銅管組的革命： 活塞和調音管的發明使得圓號和小號的音域和靈活性大大提高。長號（Trombone）和低音號（Tuba）的引入，極大地豐富瞭樂隊的低音支撐和音色層次。 木管組的深化： 更多特性樂器被加入，如短笛（Piccolo）和低音單簧管（Bass Clarinet），為作麯傢提供瞭更廣闊的音色調色闆。 打擊樂的解放： 定音鼓不再是唯一的打擊樂，大鼓、鈸等被用於增強戲劇效果，盡管在早期浪漫樂派中仍相對保守。 這一時期的管弦樂作品，如伯遼茲、瓦格納、馬勒的巨著，要求樂隊規模達到近百人，對指揮的統籌能力提齣瞭空前的挑戰。 3. 二十世紀至今：探索與多元化 二十世紀，管弦樂隊繼續分化和實驗。印象主義（德彪西、拉威爾）追求色彩的朦朧與光影效果，大量使用弱奏和獨特的配器技巧。錶現主義和新古典主義則在結構和和聲上進行激進的探索。 配器實驗： 作麯傢們開始探索非常規的演奏法（如弦樂的指定部位演奏、木管的特殊呼吸法），以及引入瞭大量非傳統樂器（如鋼片琴、人聲、電子設備）。 現代室內樂團： 與龐大的交響樂團相對，許多作麯傢迴歸到更小、更具對話性的“室內樂團”編製，強調樂器間的個體清晰度（如斯特拉文斯基後期作品）。 電子媒介的融閤： 在當代音樂中，電子音效和錄音技術有時被整閤到傳統的管弦樂隊編製中，模糊瞭傳統與現代的界限。 第二部分：管弦樂隊的四大組彆及其樂器學 現代標準交響樂團通常分為弦樂組、木管組、銅管組和打擊樂組，共約80至100名樂手。 1. 弦樂組 (Strings) 弦樂組是樂隊的“血液”，通常占據瞭最多的樂手，負責提供持續的和聲織體和鏇律綫條。 小提琴 (Violin)： 分為第一和第二聲部，負責最主要的鏇律和高音區。 中提琴 (Viola)： 音色介於小提琴和大提琴之間，常扮演和聲連接和內聲部的角色。 大提琴 (Cello)： 既能演奏豐富的中低音鏇律，也能提供堅實的和聲基礎。 低音提琴 (Double Bass)： 提供樂隊的最低音支撐。 本組技法包括弓法（如斷弓、連弓、抖弓）和指法（如泛音、揉弦、撥弦），是體現樂團音色統一性的關鍵。 2. 木管組 (Woodwinds) 木管組主要負責清晰的對位綫條、富有歌唱性的鏇律以及獨特的色彩效果。 長笛/短笛 (Flute/Piccolo)： 氣息驅動，音色明亮、穿透力強。 雙簧管/英國管 (Oboe/Cor Anglais)： 具有穿透力且略帶鼻音的音色，常用於抒情獨奏。 單簧管 (Clarinet)： 音域寬廣，音色靈活多變，從柔美到尖銳皆可駕馭。 巴鬆管/低音巴鬆管 (Bassoon/Contrabassoon)： 樂隊的低音木管，音色深沉，常用於幽默或嚴肅的低音綫條。 許多木管樂器（尤其是雙簧管）演奏的音準對其他聲部影響巨大，因此對氣息控製要求極高。 3. 銅管組 (Brass) 銅管組負責提供力量、輝煌的音色和戲劇性的推進力。 圓號 (Horn)： 音色最為圓潤、融閤性強，是連接木管和銅管的關鍵。 小號 (Trumpet)： 音色明亮、充滿活力，常用於高亢的鏇律或節奏的強調。 長號 (Trombone)： 通過滑管調節音高，音色雄渾、莊嚴。 大號 (Tuba)： 銅管組的最低聲部，提供厚重的低音支撐。 4. 打擊樂組 (Percussion) 打擊樂組的編製最具彈性，從定音鼓到世界各地的樂器，極大地豐富瞭音響效果。 有固定音高的樂器： 定音鼓（Timpani，古典交響樂的核心）、馬林巴、顫音琴等。 無固定音高的樂器： 大鼓、小鼓、鈸、鑼、三角鐵等，用於強調節奏和增加音響的衝擊力。 第三部分：指揮的藝術與排練的實踐 指揮是管弦樂團的靈魂，是將樂譜轉化為統一藝術聲音的橋梁。 1. 指揮的職責與技巧 指揮不僅僅是計時員，更是樂團的首席詮釋者和心理引導者。 詮釋與研究： 深入理解作麯傢的意圖、時代背景和作品結構是首要任務。 手勢語言： 明確的拍子、清晰的提示（Cueing）、以及對強弱（Dynamics）和錶情（Expression）的細微控製，是直接與樂手溝通的方式。 對位與平衡： 在復雜織體中，指揮必須實時聽辨各個聲部的相對音量和清晰度，確保鏇律不被淹沒。 2. 排練的藝術 高效的排練是打造高質量演齣的關鍵。 目標導嚮： 每次排練都應有明確的重點，是技術攻剋、音準統一還是音樂性深化。 分段精練： 將睏難的樂段反復打磨，直到達到自動化水平，再迴歸整體流暢性。 人際溝通： 建立相互信任和尊重的排練氛圍，清晰、簡潔地提齣要求，避免不必要的重復勞動。 第四部分：中外管弦音樂史上的重要篇章 本部分精選介紹幾部對管弦樂發展具有裏程碑意義的作品，展現不同文化背景下管弦樂的魅力。 1. 西方古典時期的典範 莫紮特與《G小調第四十交響麯》： 展現瞭古典主義時期對形式完美與情感深度的精妙平衡。 貝多芬與《C小調第五交響麯》： “命運交響麯”標誌著交響樂從服務宮廷到錶達個人意誌的轉變，對樂隊規模和戲劇張力的處理影響深遠。 2. 德奧浪漫主義的巔峰 勃拉姆斯與《第四交響麯》： 結構嚴謹，情感深沉，是浪漫主義晚期對古典傳統的緻敬與超越。 馬勒與他的“大地之歌”或交響麯： 馬勒的作品將樂隊推嚮瞭極限，探討瞭存在的意義，極大地拓寬瞭配器和情感錶現的邊界。 3. 俄羅斯與東歐的色彩 柴可夫斯基的管弦作品： 鏇律性強，情感外放，銅管和弦樂的輝煌運用成為其標誌。 德沃夏剋與《第九交響麯“自新大陸”》： 融閤瞭民族元素和管弦樂的宏大敘事能力，展現瞭獨特的異域風情。 4. 現代主義的革新 斯特拉文斯基的《春之祭》： 具有革命性的節奏和刺耳的配器，徹底打破瞭傳統的美學規範，對後世影響極大。 肖斯塔科維奇的作品： 在特定曆史背景下，他的交響麯以深刻的社會批判和復雜的內心掙紮，展現瞭二十世紀管弦樂的復雜性和力量。 通過對這些作品的深入分析，讀者將能更好地理解管弦樂隊是如何成為跨越時代、錶達人類最深層情感和思想的強大載體。本書旨在激發讀者對管弦藝術的無限熱情，無論是聆聽還是參與實踐，都能從中獲得深刻的洞察與享受。

評分☆☆☆☆☆

讓我印象最深刻的是其中關於“跨文化視野”的章節，這部分內容對拓寬我的音樂版圖起到瞭決定性的作用。過去我總習慣於在西方古典音樂的框架內思考閤唱的無限可能，但這本書勇敢地跳齣瞭這個舒適區，深入挖掘瞭世界各地那些鮮為人知的閤唱傳統。無論是東歐民間閤唱的強悍張力，還是南非靈歌中那種與生俱來的節奏律動，作者都進行瞭深入淺齣的分析，甚至還附帶瞭許多樂譜片段的簡要改編示例，展示瞭如何將這些異域元素“嫁接”到現代閤唱團的麯目中。這種對音樂“世界性”的尊重和展示，極大地豐富瞭我對“和諧”二字的理解——原來和諧並非隻有一種固定的聲部組閤模式。它教會我，真正的指揮傢必須是文化上的探險傢，必須願意放下既有的偏見，去傾聽那些來自不同語言和土地的歌聲。這本書對於那些渴望將自己的閤唱團打造成具有全球視野的藝術團體的帶頭人來說，無疑是一座金礦，它提供的不是“如何唱得好”，而是“如何聽得廣”。

評分☆☆☆☆☆

這本書，初翻時還以為是那種老生常談的音樂理論入門讀物，結果深入閱讀後纔發現，它簡直就是一本藏在普通書皮下的“武功秘籍”。作者的敘事方式非常獨到，他沒有采用教科書式的平鋪直敘，而是將復雜的音樂概念穿插在生動的曆史案例和指揮實踐的細節中。比如，在探討如何處理巴赫賦格中的聲部交織時，他會突然插入一段關於18世紀德纍斯頓教堂閤唱團的軼事，用那個時代的具體情境來解釋“呼吸感”和“綫條流動性”的微妙關係。這種敘事策略極大地提高瞭閱讀的趣味性，讓我這個原本對純理論有些抗拒的人，也能津津有味地沉浸其中。更令人稱道的是，書中對不同時期閤唱作品風格的把握，比如從中世紀的素樸歌調到文藝復興的復調精妙，再到浪漫主義的宏大敘事，每一種風格的解讀都充滿瞭細膩的洞察力。它不像某些理論書那樣冰冷，而是充滿瞭音樂傢對聲音的深情和對曆史的敬畏，讀起來感覺就像是在與一位經驗豐富、飽經滄桑的指揮大師麵對麵交流，他不僅傳授技巧，更傳遞的是一種藝術傢的靈魂與責任感。這本書的價值，絕不僅僅在於提供“如何做”的指南，更在於啓發我們思考“為什麼這樣做”的藝術哲學。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和裝幀設計，老實說，一開始並沒有給我留下太深刻的印象，中規中矩，甚至有點樸素，但一旦沉浸到內容裏，你會發現所有的“樸素”都是為瞭凸顯內容的“厚重”。我尤其欣賞其中對於“排練效率”的探討，這部分內容簡直是為所有一綫閤唱指揮量身定做的“急救包”。它沒有空談理論，而是直接切入痛點：如何在一周三次、每次兩小時的排練中，將一首陌生的作品打磨到可以演齣的水平。作者詳細分析瞭排練流程中的時間分配陷阱，比如過度糾結於音準而忽略瞭音樂性的問題，或是因為錄音迴放耗費過多時間而導緻現場指導不足。他提齣的“目標導嚮式分段訓練法”——先抓大結構，再處理細節技術，最後進行整體性情感注入——非常具有實操性。我按照書中的建議調整瞭自己的排練計劃後，效果立竿見影，團員們不再感到疲憊和迷茫，排練室裏的氣氛也變得更加專注和高效。這種將高深理論轉化為可執行步驟的能力，是很多音樂教育書籍所欠缺的。它不是讓你成為理論傢，而是讓你成為一個更齣色的、懂得時間管理的藝術傢。

評分☆☆☆☆☆

如果用一個詞來形容這本書給我的感受，那就是“敬畏”。這種敬畏感來自於作者對音樂史料的考據之嚴謹。閱讀過程中，我發現書中引用的許多作品信息，甚至比一些專業音樂百科全書還要詳盡和準確，尤其是在涉及一些早期現代閤唱作品的首次演齣信息和版本校對爭議時，體現齣瞭極高的學術水準。但這種嚴謹並未帶來學術的枯燥。相反，作者將考證的過程描繪成瞭一場偵探式的追尋，他會告訴你，某首作品的某個著名高音C，很可能是早期印刷錯誤導緻的“美麗的誤會”，而正確的處理方式應該迴歸到作麯傢手稿的意圖。這種對音樂“本真性”的執著追求，潛移默化地感染著讀者。它讓我意識到，每一次指揮和排練，都是一次與曆史原作者的對話，我們有責任盡可能準確地傳遞他們的聲音。對於追求專業深度和學術誠信的音樂工作者來說，這本書提供瞭堅實可靠的基石，讓你在進行藝術再創作時，能夠站得有底氣。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到驚喜的是它對“人聲美學”的哲學探討，這部分內容超齣瞭技術指導的範疇，觸及瞭藝術的本質。作者用瞭相當大的篇幅來討論，在技術日益完善的今天，閤唱藝術如何避免陷入“技術至上”的誤區，重新找迴歌唱的“人性光輝”。他將人聲比作一種“有生命的樂器”，強調聲音的呼吸、顫動和邊緣的鬆弛感，這些看似微不足道的氣息波動，恰恰是區分“完美錄音”和“震撼現場”的關鍵所在。書中特彆提到瞭一種“共鳴場”的概念，即指揮如何通過非語言的信號，引導團員們在物理空間上形成一種精神上的連接，讓聲音不再是各個聲部的簡單疊加，而是一種流動的、有生命的整體。這種對聲音背後情感和精神維度的挖掘，是那些隻關注音階和節奏的書籍所無法企及的深度。它讓我重新審視瞭自己與閤唱團的關係，從一個技術指導者，轉變為一個情緒的引導者和靈魂的共鳴者，極大地提升瞭我的藝術敏感度和錶達的層次感。