西方交响音乐鉴赏教程麦琼花城出版社艺术考研正版全新课本9787536053540 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

麦琼 著

图书标签:

• 西方音乐史
• 交响音乐
• 音乐鉴赏
• 艺术考研
• 麦琼花
• 城出版社
• 音乐理论
• 高等教育
• 教材
• 9787536053540

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 花城出版社

ISBN：9787536053540

商品编码：29684841793

页数：333

图书基本信息
书名：	西方交响乐音乐鉴赏教程
出版社：	花城出版社
ISBN号：	9787536053540
出版年份：	2009年9月

版次：	第1版
总页数：	333页
开本：	1/32
图书定价：	28元
实际重量：	440 g
新旧程度：	正版全新

《西方交响音乐鉴赏教程》是由花城出版社出版的。

绪言

章 交响音乐和交响乐队概述
节 交响音乐的简单历史轨迹
第二节 交响音乐的艺术特征
一、交响音乐的结构特征
二、交响音乐的语言特征
三、交响音乐的表现内容
四、交响音乐的表演
第三节 交响乐队
一、交响乐队的乐器组成
二、交响乐队的编制

第二章 序曲
节 序曲概述
一、序曲的体裁特征
二、序曲
第二节 戏剧序曲
一、韦柏《魔弹射手序曲》
二、罗西尼《威廉·退尔序曲》
三、威尔第《茶花女序曲》
第三节 音乐会序曲
一、门德尔松《仲夏夜之梦序曲》
二、勃拉姆斯《学院庆典序曲》
三、柴可夫斯基《1812庄严序曲》

第三章 组曲
节 组曲概述
一、组曲的体裁特征
二、组曲
第二节 组曲作品
一、格里格《培尔·金特组曲》
二、比才《卡门组曲》
三、穆索尔斯基《图画展览会组曲》
四、格罗菲《大峡谷组曲》
五、里姆斯基一柯萨科夫《舍赫拉查德组曲》

第四章 交响曲
节 交响曲概述
一、交响曲的体裁特征
二、交响曲的典型结构
三、交响曲的简单发展轨迹
四、交响曲
第二节 交响曲作品(上)
一、海顿《第九十四交响曲(惊愕)》
二、莫扎特《第四十交响曲》
三、贝多芬《第五交响曲(命运)》
四、舒伯特《第八交响曲(未完成)》
五、勃拉姆斯《交响曲》
第三节 交响曲作品(下)
一、柏辽兹《幻想交响曲》
二、柴可夫斯基《第六交响曲(悲怆)》
三、布鲁克纳《第四交响曲》
四、马勒《交响曲(缇坦)》
五、肖斯塔科维奇《第七交响曲(列宁格勒)》

第五章 协奏曲
节 协奏曲概述
一、协奏曲的体裁特征
二、协奏曲的典型结构
三、华彩乐段和独奏
四、协奏曲
第二节 协奏曲作品(上)
一、莫扎特《d小调第二十钢琴协奏曲》
二、肖邦《e小调钢琴协奏曲》
三、贝多芬《降E大调第五钢琴协奏曲(皇帝)》
四、柴可夫斯基《降b小调钢琴协奏曲》
五、拉赫玛尼诺夫《e小调第二钢琴协奏曲》
第三节 协奏曲作品(下)
一、维瓦尔第《四季》
二、莫扎特《A大调单簧管协奏曲》
三、门德尔松《e小调小提琴协奏曲》
四、德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》
五、巴托克《管弦乐协奏曲》

第六章 交响诗
节 交响诗概述
一、交响诗的体裁特征
二、交响诗
第二节 交响诗作品
一、李斯特《前奏曲》
二、斯关塔纳《伏尔塔瓦河》
三、西贝柳斯《芬兰颂》
四、拉威尔《波列罗舞曲》
五、德彪西《大海》
附录一：主题音响目次
附录二：常见音乐术语
附录三：主要交响音乐作品录音版本索引
附录四：参考文献

  

音乐多么美好，这无需作太多的解释，更没有人会对此有任何怀疑。如果让年青人都来享受这种美好，并因此珍惜美好的生活，该是多么得意的事情。教育者显然坚信这一点，一直以来都在鼓吹音乐对人的积极影响。于是，音乐顺理成章成为学校不可或缺的课程。音乐欣赏是走进音乐世界的直接方式。虽然人们愿意为此而努力，但是要做到热爱音乐、并在音乐中获益并不是轻而易举的事情。所以，有必要在这门课程开始之前将课程性质、内容、教与学等作一些说明。音乐欣赏作为一门人文修养课程，在不同和层次的学生中普遍开设。尽管其课程层次和着重点不尽相同，但基本主旨还是相对统一的，不外乎在以下几个方面：
一、课程目的
首先，音乐欣赏的首要目的是让学生能真正的欣赏音乐。欣赏音乐的前提是肯定音乐是美的东西，是值得人们去欣赏，而且由此而获益的。既然音乐是美的，那么这个课程首先就是对美的享受和甄别，是对学生的听觉审美的满足。起码在感性层面会让学生带来欣赏的快乐，让他真切体会音乐的美之所在。使音乐的本质揭示和人的主体性接受相吻合，只有这一目的得以体现，才可能兼及其余。然而，将此作为首要课程目的，并非意味着这一目的容易达到。要真正的欣赏音乐，喜爱上音乐（尤其是交响音乐），不是轻易能做到的。因此，它是重要的、然而又是艰难的课程目的。

巴赫的足迹：从巴洛克到浪漫主义的音乐史诗 一部跨越时空的音乐探索之旅，旨在深入剖析西方古典音乐的演变脉络、核心特征与审美价值。 本书并非仅仅是一部枯燥的编年史，而是一场精心策划的听觉与思想的盛宴。我们将带领读者，从17世纪巴洛克时期宏大、复杂、充满宗教虔诚的音乐织体出发，逐步穿越古典主义的清晰、平衡与结构之美，最终抵达浪漫主义时期激情澎湃、个性张扬与情感自由的巅峰。 第一部分：巴洛克的回响——秩序与激情的交织（约1600-1750年） 本篇着重探讨西方音乐史上第一个成熟的“风格”——巴洛克音乐。我们将聚焦于其核心特征：对位法的极致运用、装饰音的丰富性、以及“狂热理论”（Doctrine of Affections）如何指导作曲家精确表达单一而强烈的情感状态。 1. 歌剧的诞生与早期发展： 我们将回顾蒙特威尔第在曼图亚和威尼斯如何将戏剧与音乐完美结合，从《奥菲欧》中对人声戏剧性的开创性处理，到卡瓦利对通奏低音的娴熟运用。探讨“宣叙调”与“咏叹调”如何确立歌剧的叙事基础。 2. 器乐的崛起与体裁的定型： 巴洛克时期是器乐（Instrumental Music）地位空前提高的时代。重点分析协奏曲（Concerto）的形成，特别是“大协奏曲”（Concerto Grosso）和“独奏协奏曲”（Solo Concerto）的结构差异。维瓦尔第的《四季》将作为分析范例，展示如何通过速度对比、精妙的织体变化来描绘自然景象（音乐造型）。 3. 对位艺术的巅峰——巴赫： 本部分将深入剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的贡献。他的音乐是巴洛克精神的集大成者。我们将详细解读《平均律钢琴曲集》中赋格曲的严谨结构，分析其如何利用主题的呈示、展开、再现与奇妙的声部交织，构建出逻辑严密、情感深邃的音乐宇宙。同时，也将探讨他晚期作品（如《音乐的奉献》）中超越时代的实验性与哲学深度。 4. 晚期巴洛克巨匠——亨德尔： 与巴赫的内省不同，亨德尔代表了巴洛克的世俗化和公众性。我们将侧重研究他的清唱剧（Oratorio），特别是《弥赛亚》的结构、对合唱的宏大处理（如著名的“哈利路亚”段落），以及他如何将其音乐才能服务于英国宫廷与大众的审美需求。 第二部分：古典主义的光辉——理性、平衡与形式的胜利（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起和宫廷赞助体系的松动，音乐审美转向追求清晰、自然、以及普世可懂的“美”。古典主义时期，音乐语言发生了根本性的转变。 1. 奏鸣曲式的确立与主导地位： 这是理解古典主义音乐的基石。我们将详尽解析奏鸣曲式的三个核心部分——呈示部（主题的对比与建立）、展开部（和声的冲突与游移）和再现部（主题的回归与解决）。通过分析海顿和莫扎特早期奏鸣曲的范例，读者将掌握如何“听懂”古典主义的结构逻辑。 2. 乐队的标准化与交响曲的成熟： 这一时期管弦乐队的编制相对稳定下来（弦乐为主体，木管对置，铜管与定音鼓强调重音）。交响曲作为主要的器乐体裁，从早期的四乐章结构（快-慢-小步舞曲/谐谑曲-快）发展成熟。我们将比较海顿的“交响曲之父”地位，以及莫扎特如何用无与伦比的旋律天赋将这种形式提升至完美境界。 3. 歌剧的改革： 歌剧不再被僵化的咏叹调束缚。格鲁克的改革运动强调音乐必须服务于戏剧的真实性。随后，莫扎特在《费加罗的婚礼》和《唐璜》中，通过复杂的二重唱、重唱和乐队伴奏，实现了人物心理刻画的深度突破，标志着歌剧艺术的又一次飞跃。 4. 贝多芬：古典主义的终结者与新时代的桥梁： 贝多芬的作品是理解风格过渡的关键。他的早期作品恪守古典范式，但其中蕴含的戏剧张力和情感强度已预示着变革。中期作品（如“英雄”交响曲）通过对传统形式的扩张、对奏鸣曲式中“展开部”的史诗化处理，彻底打破了古典的宁静平衡。我们将讨论他如何将主观意志注入音乐，为浪漫主义的到来铺平了道路。 第三部分：浪漫主义的激流——情感、个性与民族的觉醒（约1820-1900年） 随着工业革命和社会动荡，艺术家们开始反思启蒙理性，转而歌颂个体情感、想象力、非理性因素（如梦境、神秘主义）以及民族历史。音乐成为表达“无限”和“崇高”的终极媒介。 1. 艺术歌曲的兴盛与“围炉夜话”： 舒伯特将诗歌与音乐提升到前所未有的高度，创造了德语艺术歌曲（Lied）。通过分析《魔王》和《冬之旅》等作品，我们将看到钢琴伴奏如何不再仅仅是和声支持，而是成为叙事者和情感的第二主角。 2. 器乐体裁的拓展与小型化的倾向： 尽管交响曲依旧重要，但浪漫主义作曲家热衷于探索更自由、更具暗示性的体裁。标题音乐（Program Music）大行其道。李斯特开创的交响诗（Symphonic Poem）以单乐章结构讲述复杂的故事或描绘文学意境。同时，肖邦将钢琴提升为抒情独白的舞台，通过夜曲、前奏曲、叙事曲等小型作品，探索钢琴音色的极限和个人的内心世界。 3. 德奥声乐剧的史诗建构： 瓦格纳对歌剧进行了彻底的革命，他摒弃了咏叹调的结构，代之以“无尽的旋律”和复杂的主导动机（Leitmotif）系统。我们将详细解析其“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念，以及《尼伯龙根的指环》如何通过和声的不断游移和对传统调性的挑战，营造出宏大而永恒的戏剧张力。 4. 民族乐派的兴起与交响乐的“民族化”： 在德奥音乐体系之外，欧洲各地作曲家开始从本国民间音乐、舞蹈和历史传说中汲取灵感，形成了鲜明的民族风格。重点分析俄国的“五人强力集团”（如穆索尔斯基的《图画展览会》），捷克的德沃夏克（对美国黑人灵歌的吸收与融合），以及芬兰的西贝柳斯如何通过音乐表达对祖国大地的热爱与赞美。 5. 晚期浪漫主义的炫技与扩张： 勃拉姆斯在保持对巴赫、贝多芬传统的尊重下，用精致的结构和深沉的内省完成了古典主义精神在浪漫语境中的延续。而马勒和理查·施特劳斯则将管弦乐队的规模推向了前所未有的极限，试图在音乐中涵盖宇宙、哲学思考乃至对生命的终极追问，为20世纪音乐的变革埋下了伏笔。 --- 本书特色： 强调听觉分析： 理论结合实例，引导读者掌握辨识不同时期风格特征的关键元素（如织体、和声、配器）。 跨学科视野： 探讨音乐与同期哲学、文学、社会思潮的互动关系。 实用性指导： 提供清晰的结构图表，便于考研学生快速掌握音乐史脉络和体裁知识。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，带给我一种知识边界被拓宽的震撼感。作者的叙述角度非常独特，她似乎拥有将音乐史的宏大叙事与个人化的聆听体验完美结合的能力。行文流畅自然，丝毫没有学术著作常见的晦涩感，但其学术的严谨性却从未打折。我感觉自己不仅仅是在学习“西方交响音乐”，更是在进行一次跨越时空的文化旅行，理解了不同历史时期社会思潮是如何在乐队的齐奏中得到最直接的回响。这种将艺术与人文深度融合的叙事手法，极大地提升了阅读的趣味性和思考的深度，让人爱不释手，甚至在通勤路上也会忍不住拿出来重温某些精彩的段落。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计得非常考究，从封面到内页的排版都透着一股严谨又充满艺术气息的格调。纸张的质感摸起来很舒服，印刷的清晰度更是令人赞叹，尤其是乐谱部分的呈现，无论是五线谱还是标注的细节，都处理得一丝不苟，这对于需要反复研读和对照的读者来说，简直是福音。我个人非常注重工具书的物理体验，而这本教材在硬件上绝对是上乘之作，让人在捧读之时，就仿佛已经进入了音乐厅的氛围中，预示着接下来的学习旅程将是一场高品质的视听盛宴。翻阅时能感受到出版社在细节上倾注的心血，这绝不是随便印刷的普通教材可以比拟的，它更像是一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于准备专业考试的读者群体来说，无疑是一份极其可靠的“定海神针”。它覆盖的知识点全面且精确，无论是对于曲目背景的把握，还是对特定作曲家创作手法的辨析，都提供了教科书级别的内容支撑。从我的角度来看，它最大的价值在于提供了一种“标准答案”式的系统梳理，帮助学习者构建起清晰的知识网络，避免了零散学习带来的知识漏洞。那些看似琐碎的细节，在这本书里都被系统地整合，使得复习和应试准备变得高效而有条理。这本教材的厚重感，不仅仅是纸张的重量，更是知识沉淀后的分量，是值得信赖的专业参考书。

评分☆☆☆☆☆

内容编排上，作者展现出了极高的专业素养和清晰的逻辑脉络。它不是简单地罗列历史事件和作曲家名字，而是采用了非常系统化、由浅入深的递进式讲解方式。初学者可以很容易地跟上节奏，不会被复杂的专业术语一下子淹没。我尤其欣赏它在讲解不同时期风格演变时所使用的类比和深入分析，它能够将抽象的音乐概念转化为相对具体的、易于理解的画面感。对于那些仅仅停留在“听过”阶段的爱好者来说，这本书提供了一把钥匙，帮助我们真正去“听懂”交响乐的内在结构和情感表达，这种学习的深度和广度，远远超出了我的预期。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性达到了一个非常高的水准，它不仅仅是理论的堆砌，更像是一位经验丰富的导师在身旁耳提面命。教材中穿插的案例分析极为精准到位，挑选的曲目都是交响音乐史上的里程碑式作品，讲解深入浅出，既有宏观的时代背景解读，也有微观的配器和主题发展技巧剖析。我发现自己以前听一些片段时产生的困惑，在这本书的指导下茅塞顿开。更重要的是，它激发了我去主动探索更多未曾接触过的作品的欲望，提供了一个坚实的基础框架，让听赏不再是盲目的感性体验，而是有了理性的支撑和更深层次的共鸣。