中国多声部民歌研究第1版樊祖荫人民音乐出版社考研正版教材9787103041840 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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樊祖荫 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103041840

商品编码：29684842707

页数：524

图书基本信息
书名：	中国多声部民歌研究
作者：	樊祖荫
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103041840
出版年份：	2014年2月

版次：	第1版
总页数：	524页
开本：	1/16
图书定价：	118.00元
实际重量：	798 g
新旧程度：	正版全新

编辑《中国多声部民歌研究》由樊祖荫著，人民音乐出版社出版。 作者简介樊祖荫，（1940.1～ ）作曲家、音乐理论家、中国音乐学院原院长。现任中国音乐学院教授、博士生导师、国家非物质文化遗产保护工作专家委员会委员、中国少数民族音乐学会会长、中国传统音乐学会副会长、中国音乐家协会理论委员会副主任。享受国务院颁发的政府特殊津贴。 曾发表各种体裁的音乐作品200余首（部）；各类学术论文百余篇：主要著作有《中国多声部民歌概论》、《中国五声性调式和声的理论与方法》、《音乐与人》、《中国民间多声部音乐论稿》、《和声写作教程》、《歌曲写作教程》等01995年《中国多声部民歌概论》获文化部教材二等奖，1999年获文化部首届“区永熙音乐教育奖”，2004年获文化部志书集成工作个人突出贡献奖，2006年《中国五声性调式和声的理论与方法》获文化部艺术科学成果二等奖，2008年《歌曲写作教程》获北京市高校精品教材奖。 曾先后出访俄罗斯、格鲁吉亚、乌孜别克、日本、韩国、丹麦等国，并多次到香港、、澳门等地参加学术会议，进行学术交流和讲学活动。 

目录前言 序 上编绪论 一、多声部民歌的发现与分布 二、多声部民歌的定义与基本特征 三、多声部民歌的产生与发展 四、多声部民歌的流传与消亡 五、多声部民歌的题材内容与体裁形式 六、多声部民歌与其他民间音乐的联系 七、学习、研究多声部民歌的目的、意义与基本方法 中编30个民族的多声部民歌 一、汉族多声部民歌 二、壮族多声部民歌 三、布依族多声部民歌 四、傣族多声部民歌 五、侗族多声部民歌 六、仫佬族多声部民歌 七、毛南族多声部民歌 八、彝族多声部民歌 九、哈尼族多声部民歌 十、傈僳族多声部民歌 十一、纳西族多声部民歌 十二、拉祜族多声部民歌 十三、基诺族多声部民歌 十四、阿昌族多声部民歌 十五、羌族多声部民歌 十六、藏族多声部民歌 十七、景颇族多声部民歌 十八、白族多声部民歌 十九、怒族多声部民歌 二十、土家族多声部民歌 二十一、苗族多声部民歌 （附录）苗侗汉多声部民歌 二十二、畲族多声部民歌 二十三、瑶族多声部民歌 二十四、佤族多声部民歌 二十五、德昂族多声部民歌 二十六、布朗族多声部民歌 二十七、高山族多声部民歌 二十八、蒙古族多声部民歌 二十九、朝鲜族多声部民歌 三十、俄罗斯族多声部民歌 下编多声部民歌的音乐形式 一、多声部民歌音乐形式的诸要素 二、多声部民歌的演唱形式与演唱方法 三、多声部民歌的旋律形态与声部构成 四、多声部民歌的节拍、节奏形式 五、多声部民歌的调式与调性 六、多声部民歌的织体形式 七、多声部民歌的和声特点 八、多声部民歌的曲式结构 后记 

《中国多声部民歌研究》增加新发现的傣族、基诺族、阿昌族、白族、怒族、德昂族、布朗族等7个民族的多声部民歌的介绍与阐析，中编由初版本的23篇扩展至30篇，30个民族按语言系属排序。增加藏族、苗族、哈尼族薪发现的多声部民歌品种的介绍与阐析。调整侗族、佤族多声部民歌的举例。  

音乐人类学的田野与理论：世界民族音乐的深度透视 第一版 作者： [此处可设想一位与樊祖荫先生研究方向相关，但非同一领域的知名学者，例如：张世明] 出版社： [此处可设想一家在音乐学、人类学领域有声望的出版社，例如：北京大学出版社] ISBN： [此处可设置一个与原书ISBN不冲突的编号，例如：9787301245678] --- 内容提要： 本书并非聚焦于中国特定区域或特定声部结构（如多声部）的细致分析，而是将视角投向广阔的世界民族音乐（Ethnomusicology）领域，以人类学理论为基石，系统探讨全球范围内音乐文化现象的生成、演变、社会功能及其认知基础。全书构建了一个宏大而精密的分析框架，旨在揭示音乐作为人类文化载体的普遍规律与特殊表现形式。 本书的叙事脉络清晰，从民族音乐学的学科建构历史入手，深入考察了田野调查方法论的演变，继而分别对几大洲具有代表性的音乐传统进行了深度个案研究。重点关注的议题包括：口头传统的记忆机制、音乐在仪式与日常生活中的社会权力结构、音乐与身份认同（种族、性别、阶层）的交织关系，以及全球化背景下音乐的变迁与适应。 详细章节概述： 第一部分：学科基石与方法论的重塑 第一章：民族音乐学的范式转换：从比较音乐学到文化诠释 本章首先追溯了19世纪末“比较音乐学”的兴起及其在欧洲中心主义视角下的局限性。重点阐述了20世纪中叶，在艾伦·洛克伍德、梅休·米勒等学者推动下，民族音乐学如何吸纳人类学（特别是文化相对主义）的精髓，实现研究范式的根本转变。探讨了“音乐文本”的解构——不再将音乐视为孤立的声学实体，而是将其置于其发生的社会、历史和生态环境中进行考察。本章对“文化聆听”（Cultural Listening）的概念进行了详细界定，强调听众的文化预设对音乐理解的决定性影响。 第二章：田野工作的伦理、实践与深度参与 本部分着重探讨民族音乐学田野调查的实践操作与伦理困境。不同于传统文献整理，本书强调“参与式观察”（Participant Observation）在音乐人类学中的核心地位。内容涵盖了田野准备（语言学习、文化敏感性训练）、录音技术在田野中的应用与限制、以及如何处理与信息提供者之间的权力动态关系。特别分析了“归属感”（Belonging）的构建过程，即研究者如何从“局外人”转变为可被接纳的“内部观察者”，并讨论了数据采集的客观性与主观性的平衡问题。 第二部分：全球音乐文化的结构与功能分析 第三章：口头传统的记忆宫殿：音乐叙事与世代传承 本章深入探讨了缺乏标准化书写系统的文化中，音乐如何承担起历史记录、法律条文、神话传说的载体作用。选取了西非的格里奥特（Griot）传统、中亚的史诗吟唱，以及大洋洲的航海歌谣作为分析对象。重点研究了“模进”（Formulaic Composition）理论在解释口头音乐再创作中的应用，以及不同年龄层在音乐知识传递中的角色差异。探讨了当代数字媒体对传统记忆系统的冲击与重构。 第四章：仪式、祭祀与音乐的社会建构 音乐在人类社会中扮演着“社会粘合剂”的角色。本章侧重于音乐在生命周期仪式（出生、成年、死亡）和宗教/世俗庆典中的功能性分析。通过对亚马逊雨林部落的巫术音乐、印度教圣地的梵唱、以及欧洲中世纪圣歌的比较研究，揭示了音乐如何通过特定的音高、节奏模式（如重复、加速、休止）来调动参与者的集体情感，实现社会秩序的再确认或情感的宣泄释放。强调音乐如何通过物理性的身体互动（如舞蹈、合唱）来固化群体认同。 第五章：性别、身份与音乐的表演政治 本章聚焦于音乐表演如何成为表达和协商社会身份的舞台。研究了不同文化中，音乐技能的习得权、演奏角色分配与性别、阶层之间的关联。例如，探讨了北美原住民中女性歌者所处的独特地位，以及现代流行音乐中“酷儿”（Queer）身份如何利用音乐的模糊性来反抗主流规范。重点分析了音乐（包括乐器制作与使用）在象征性权力分配中的体现。 第三部分：全球化时代的音乐生态变迁 第六章：跨文化接触与音乐的杂交（Hybridity） 在全球化加速的背景下，音乐的“纯粹性”概念受到挑战。本章深入探讨了文化接触区（Contact Zones）的音乐创造力。通过分析拉丁美洲的“坎东贝”（Candombe）音乐、牙买加的雷鬼乐（Reggae）的全球传播，以及电子舞曲（EDM）对地方节奏的采样与重构，揭示了音乐融合的动力学过程。本章区别了“同化”（Assimilation）与“杂交”（Hybridization）在音乐意义上的本质差异。 第七章：技术、媒体与音乐消费的未来 本章关注录音技术、广播、互联网和流媒体平台对传统音乐生态的颠覆性影响。探讨了音乐从“仪式性产品”向“可消费商品”转化的过程，以及这种转变如何影响音乐的创作动机和听众的深度参与度。分析了数字音乐平台在促进边缘音乐传播的同时，也可能带来的“文化同质化”风险。最后，展望了声音景观（Soundscape）研究在理解未来城市音乐环境中的潜力。 结语：人类音乐的普遍性与多样性之辩 本书总结了民族音乐学作为一门综合性学科的价值，强调研究的最终目的不在于对特定音乐形式进行优劣评判，而在于理解人类如何通过声音组织其世界观、社会结构和情感体验。研究者必须在尊重地方知识体系（Indigenous Knowledge System）的前提下，构建具有跨文化普适性的理论解释。 --- 本书特点： 理论深度与案例广度并重： 结合了人类学（如格尔茨的深描）、符号学和声学分析的最新研究成果。 方法论的实证性： 提供了详尽的田野工作案例，为初学者提供了清晰的操作指南。 批判性视角： 对西方音乐学的历史局限性保持持续的反思，倡导多元中心的音乐文化观。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐学的专著实在有些烧脑，初翻起来感觉像是进入了一个宏大的迷宫，里面布满了各种复杂的理论术语和历史脉络。作者似乎对中国南方一些少数民族音乐的田野调查积累了相当深厚的功底，书里引用的案例非常详实，光是那些关于音阶、调式转换的分析，就足以让一个初学者感到头晕目眩。我花了很长时间才勉强跟上作者的思路，尤其是在比较不同地域多声部形式的生成逻辑时，那种层层递进的论证方式，既严谨又带着一种近乎苛刻的学术要求。对我来说，这本书的价值更多体现在它提供了一个透视中国民间音乐复杂结构的高级视角，而不是简单地罗列民歌曲目。它更像是一份深入骨髓的学术地图，指引着研究者去探索那些隐藏在质朴旋律背后的复杂文化密码。读完它，我感觉对“多声部”这个概念的理解被彻底重塑了，不再是西方和声学那种单一的框架，而是看到了一个更加多元、更具民族特色的复杂生态系统。

评分☆☆☆☆☆

这本书在学术规范和参考文献的严谨性上做得极为出色，体现了作者数十年的心血和积累。无论是引用的文献还是田野记录的来源，都标注得清清楚楚，体现了高度的学术诚信。不过，对于那些希望通过这本书直接学习如何“演唱”或“创作”多声部民歌的读者来说，可能会感到有些理论上的落差。这本书的重点在于“研究”和“分析”，而非“技法指导”。它告诉你“为什么”会是这样，而不是手把手教你“如何”去做到。因此，我建议有志于此的同行们，可以将本书作为理论基石，然后搭配一些侧重于实践操作和曲目赏析的入门级读物进行互补学习。只有理论和实践相结合，才能真正领略到中国多声部民歌那份深沉而又充满生命力的艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书最大的价值，在于它挑战了传统音乐学研究中过于侧重“主调”或“五声性”的固有观念。作者大胆地将视野投向了那些长期被主流音乐史忽略的、具有强烈地域色彩和复杂声部交织特点的民歌实践。书中对某些特定区域（比如西南少数民族地区）的对位手法进行了细致的民族学和人类学层面的解读，指出这些多声部并非简单的模仿西方，而是在长期的文化互动和自身传统中独立发展出来的、具有高度智慧的音乐组织方式。这使得我的视野豁然开朗，明白了研究中国传统音乐，必须摆脱“西方中心论”的桎梏，要真正深入到田野的土壤中去聆听和理解。每一次重读，都能从中挖掘出新的研究视角和潜在的交叉学科研究点，它更像是一块不断激发思考的磨刀石。

评分☆☆☆☆☆

说实话，作为一本考研参考书，它的内容密度简直是挑战人类的极限。每一章节都像是一场没有休息的马拉松，信息量大得惊人，而且作者的行文风格极其精炼，几乎没有冗余的描述，每个句子都可能藏着一个需要反复揣摩的关键点。我记得有一次为了搞懂书中关于“曲牌体”与“歌板体”在多声部处理上的差异，我查阅了其他三本辅助资料才勉强理清头绪。这本书的强悍之处在于它的体系性，它不是零散的知识点堆砌，而是构建了一个非常清晰的研究框架，从起源、发展、到类型划分和具体分析，逻辑链条环环相扣，密不透风。对于那种目标明确、准备“硬啃”下来的考生来说，这无疑是最好的武器；但对于只是想泛泛了解一下的读者，可能需要极大的毅力和方法论上的调整，否则很容易被其深度和广度所淹没，产生挫败感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版中规中矩，作为人民音乐出版社的出品，质量上是令人放心的，纸张的质感和印刷的清晰度都符合一本严肃学术著作的标准。然而，它的“正版教材”身份，也决定了它在内容呈现上侧重于“学理的严谨性”而非“阅读的愉悦感”。封面设计得比较朴素，内页的谱例和图表虽然标注得非常准确，但如果能增加一些彩色印刷或者更具现代感的可视化工具来辅助理解那些复杂的织体结构，相信会更贴近当代读者的阅读习惯。当然，这些都是次要的，核心的学术价值是毋庸置疑的。我个人更倾向于带着笔记本电脑，对照着书中的理论，在网上搜索相关的音频资料进行同步学习，这样才能真正让那些抽象的文字描述“活”起来，感受到中国多声部民歌在实际演唱中的那种震撼人心的力量。