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文森特·佩尔西凯蒂，黄大同，杜亚雄 著

图书标签:

• 和声学
• 二十世纪和声
• 音乐教材
• 上海音乐出版社
• 作曲
• 音乐理论
• 高等教育
• 教材
• 9787807514794
• 正版书籍

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807514794

商品编码：29684841288

出版时间：2002-06-30

页数：278

图书基本信息
书名：	二十世纪和声学:原创样式与应用
丛书名：	西方音乐理论
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807514794
出版年份：	2009年12月1日

版次：	第1版
总页数：	278页
开本：	1/16
图书定价：	48元
实际重量：	440 g
新旧程度：	正版全新

 编辑《二十世纪和声学:原创样式与应用》是西方音乐理论名著译丛之一。作者简介作者：（美国）文森特·佩尔西凯蒂（Vincent Persichetti） 译者：黄大同 杜亚雄

 目录前言1·音程结构转位与间隔和弦中的音程泛音作用表现媒介2·音阶素材调式人工音阶的构成五声音阶和六声音阶半音音阶3·三度叠置和弦三和弦七和弦与九和弦十一和弦与十三和弦十五和弦与十七和弦十二音和弦4·四度叠置和弦三个音的四度叠置和弦四个音的四度叠置和弦多个音的四度叠置和弦5·附加音和弦增六和弦其他附加音和弦6·二度叠置和弦三个音的二度叠置和弦多个音的二度叠置和弦音簇7·复和弦两个三和弦单位三个或更多的三和弦单位非三和弦单位8·混合与镜像和声混合结构镜像写作9·和声方向进行和弦连接不协和音平行和声连续纯五度终止式10·节拍与力度节奏和声的打击乐效果泛自然音写作力度与休止11·装饰与变形装饰音型扩展与模仿半音改动持续音与固定音型同音写作12·调中心调性转调多调性无调性序列和声13·和声的织体的结合主题和形式构思作曲家人名中西文索引主要词汇索引参考文献中的西文曲名

《二十世纪和声学:原创样式与应用》内容简介：美国作曲家、音乐理论家和音乐教育家文森特佩尔西凯蒂的《二十世纪和声学——原创样式与应用》，是全世界本对二十世纪前60年欧美作曲家的和声实践进行总结的教科书，也是当下美国许多音乐院校正在使用的和声教材。本译著是其个完整的中文译本，可作为我国音乐家的参考书，以及音乐院校现代和声课程的学习用书．亦可供音乐爱好者自学之用。

乐海拾遗：一部跨越世纪的音乐思想探索 本书并非仅仅是一部音乐理论的工具书，更是一次深入二十世纪音乐创作核心的哲学之旅。它以宏大的历史视野，审视了自世纪之交至千禧年间，西方音乐在风格、语汇和结构上所经历的翻天覆地的变革。 第一部分：和声的瓦解与重建 本部分追溯了传统调性体系的松动，从德彪西开创的印象主义色彩和声，到斯克里亚宾对十二音体系的先驱性探索。我们细致分析了德奥晚期浪漫主义向现代主义过渡时期的复杂和声语汇，特别是如何通过和弦的重新功能化（非功能性和声）来表达新的情感维度。 重点章节深入探讨了无调性音乐的逻辑基础。这不仅仅是关于舍恩贝格“十二音作曲法”的技术解析，更是对“中心缺失”状态下音乐逻辑建构方式的哲学思辨。我们考察了 Webern 如何将序列的严格性推向极致，及其在结构上的精妙布局，以及 Berg 在序列框架中如何巧妙地保留了传统戏剧张力和抒情性。这种在极端约束下的自由，是理解二十世纪上半叶音乐思想的关键。 此外，书中辟专章讨论了自由和声与集群的运用。从巴托克的民族主义融合，到法国“六人组”对新古典主义简洁性的追求，再到美国作曲家如科普兰对“开放和声”的探索，我们展示了作曲家们如何利用音高集团和非功能性三和弦来营造特定的空间感和音色氛围。这部分强调，和声的变化不仅仅是技巧的更迭，更是对“美”和“秩序”新定义的探寻。 第二部分：节奏与结构的新范式 二十世纪音乐的革命性不仅仅体现在音高组织上，更体现在对时间维度的重塑。本部分聚焦于节奏的解放。 我们详细剖析了复节奏与非周期性节奏。斯特拉文斯基的《春之祭》如何通过尖锐的节奏冲突和对传统小节概念的瓦解，彻底改变了听众对音乐“流动”的认知。书中对比分析了利盖蒂（Ligeti）的微观复调（Micropolyphony）技术，探讨了如何通过大量独立声部交织，形成一种“声音的物质感”和密集的织体，使节奏感从线性的时间推进转变为空间性的密度变化。 结构层面，本书讨论了拼贴（Collage）与异质性并置。这包括对历史材料的引用、戏仿与解构，以及不同风格或乐器组的突然切换。这种手法反映了战后文化对整体性叙事的怀疑，以及对意义碎片化的表达。我们考察了后极简主义时期，作曲家如何通过简约的材料和极慢的演变速度，来探索时间感知的极限，例如赖希（Reich）和史蒂夫·赖克（Steve Reich）的相位技术（Phasing Technique）如何从机械操作中自然涌现出复杂的听觉效果。 第三部分：音色与空间的维度拓展 本卷的后半部分转向了声音本身的物理属性，这是二十世纪音乐最激动人心的前沿领域。 电子音乐的崛起：书中系统梳理了电子音乐从早期磁带实验到数字合成的发展脉络。分析了德国科隆工作室（WDR）的电子音乐（Elektronische Musik）与法国巴黎工作室（GRM）的具体音乐（Musique Concrète）的理论分野和技术差异。我们探讨了这些技术如何彻底解放了音乐家，使其可以直接操纵声音的频谱、包络和空间定位，将录制的自然声和电子声波视为可塑的“原材料”。 空间音乐的理论化：我们探讨了如何通过多声道系统（如环绕声场）来重新定义“音乐空间”。这不仅仅是声源的简单定位，更是对声音的运动轨迹、密度变化和听者沉浸感的精细计算。从早期的物理声学实验到后来的电子媒介应用，这一部分揭示了声音如何从时间艺术转变为兼具空间艺术的形态。 第四部分：观念的碰撞与新方向 最后一部分关注二十世纪下半叶的思潮对音乐创作的深刻影响。 偶然性与开放形式：探讨了约翰·凯奇（John Cage）对“意图”的颠覆性挑战。通过对概率论和禅宗哲学的吸收，分析了“不确定性”如何被纳入音乐的创作和演奏过程。这种对作品“完成度”的质疑，极大地拓宽了音乐的边界。 极简主义与回归：与前卫的复杂性相对立，极简主义的兴起代表了一种对清晰性、重复性以及听觉直接性的渴望。我们分析了对美国民间音乐、摇滚乐以及非西方音乐元素（如印度拉格）的借鉴，展示了作曲家如何寻求一种更“平易近人”但同样具有深刻结构性的表达方式。 结论：面向未来的和声回响 本书最终总结了二十世纪留给后人的遗产：一个充满无限可能性的语汇库。它证明了和声、节奏和音色不再受制于历史的惯例，而是成为作曲家手中最自由的工具。我们不再追问“什么是好的和声”，而是探究“在特定语境下，什么样的声音组织能最有效地传达思想”。本书旨在为有志于理解和参与当代音乐实践的读者，提供一个清晰、严谨且充满启发性的认知框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，在我看来，更多地体现在它对“传统”与“创新”之间关系的深刻探讨上。它没有盲目地推崇最新的、最前卫的音乐实验，也没有固步自封于古典和声的框架之内。相反，它搭建了一座坚实的桥梁，让读者清晰地看到，那些看似“出格”的现代和声语言，无一不是在对既有规则进行解构、重组和升华的结果。阅读过程中，我常常会停下来，反复揣摩作者是如何将一个复杂的理论模块，拆解成若干个可以消化的子单元的。它对“风格的演变”这一主题的处理尤其精彩，通过对比不同历史时期作曲家对同一和声元素的不同处理手法，展现了音乐语言的动态发展性。这种批判性思维的培养，对于希望在音乐创作上有所突破的人来说，无疑是至关重要的。它教会我们如何“继承”，更教会我们如何“超越”。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大感受，是它重新定义了我对“和声”这个概念的理解。过去总觉得和声就是那些固定的“三和弦”、“七和弦”的排列组合，而这本书则像是一位高明的炼金术士，向我们展示了如何将这些基础元素熔炼成千变万化的色彩和张力。它在探讨现代和声时，并没有回避那些听起来“不和谐”的音响，而是将其置于一个更宏大的美学框架下进行解读，解释了这些“不和谐”如何服务于整体的音乐表达，如何制造出恰到好处的紧张感和释放感。阅读体验上，我最喜欢它那种冷静、客观的叙事语调，它不带过多主观色彩地陈述事实和逻辑，却在字里行间透露出对音乐艺术无限的敬畏与热爱。这本书，无疑是梳理和深化二十世纪音乐理论脉络的一部里程碑式的著作，值得所有严肃对待音乐创作和研究的人珍藏与反复研读。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的专业深度是毋庸置疑的，对于初学者来说，前几章可能需要花费更多的时间去啃食，毕竟要建立起扎实的基础理论体系，是无法绕过的门槛。但是，只要坚持度过这个“适应期”，后面的内容会像打开了一扇通往新世界的大门。我特别欣赏作者在讨论到具体的“应用”层面时所展现出的严谨态度。他提供的不仅仅是“是什么”的描述，更是“为什么是这样”的深层逻辑解释，以及“如何才能做到”的操作指南。书中附带的那些技术图表和和声分析范例，清晰度和准确性都堪称业内标杆。我甚至将其中一些标记方法用在了我自己的乐谱分析练习中，效果立竿见影。这是一本真正可以“用起来”的教材，而不是束之高阁的理论大全，它要求读者动手、动脑，真正参与到音乐的结构性思考之中去。

评分☆☆☆☆☆

我通常对厚重的理论书籍抱持着一种敬而远之的态度，总觉得那里面充斥着晦涩难懂的术语和佶屈聱牙的论述，但这次的体验完全颠覆了我的固有印象。这本书的排版布局非常考究，字号大小、行间距，乃至图表的清晰度，都达到了教科书应有的高水准。更令人称道的是，它并非仅仅停留在理论的罗列上，而是穿插了大量的实例分析，这些例子选取得十分巧妙，既有古典时期的范例，也不乏近现代作品的影子，显示出作者广阔的音乐视野。在讲解到某个特定的和声进行或织体变化时，作者总能用一种近乎讲故事的方式，将历史背景、作曲家的创作意图和技术细节无缝衔接起来。这种多维度的解析方式，极大地增强了阅读的趣味性和理解的深度，让人在不知不觉中沉浸其中，甚至会忍不住拿起乐器去试验书中所述的各种“新奇”组合，那种即时的反馈感是任何其他媒介都无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那种简约中透着深邃的质感，让人仿佛能透过封面窥见其中蕴含的深厚学术底蕴。初翻开扉页，油墨的清香混合着纸张特有的微涩感扑面而来，这是一种久违的、踏实的阅读体验。内容编排上，作者似乎花了大工夫去梳理那些纷繁复杂的音乐理论脉络，逻辑性极强，每章节之间的过渡都像一条蜿蜒却清晰的小径，引导着读者一步步深入主题。我尤其欣赏它在阐述那些抽象概念时所采用的具象化比喻，这对于我们这些非科班出身，但对音乐怀抱热情的人来说，无疑是极大的福音。它没有那种高高在上的学术腔调，而是像一位耐心且博学的导师，在你困惑时适时地给出点拨。即便是初次接触这些复杂和声体系的读者，也能从中找到属于自己的学习节奏。读完第一部分，我已经对过去习以为常的音乐作品有了全新的审视角度，那份由内而外散发出的音乐的“结构美”被彻底揭示，令人赞叹不已。