复调音乐写作基础教程修订版陈铭志人民音乐出版社艺术考研9787103035290 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈铭志 著

图书标签:

• 复调音乐
• 音乐写作
• 和声学
• 音乐理论
• 艺术考研
• 陈铭志
• 人民音乐出版社
• 9787103035290
• 音乐教学
• 作曲

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103035290

商品编码：29684843125

页数：316

图书基本信息
书名：	复调音乐写作基础教程（修订版）
丛书名：	作曲技术理论丛书
作者/主编：	陈铭志
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103035290
出版年份：	2011年

版次：	第2版
总页数：	316页
开本：	1/32
图书定价：	35.00元
实际重量：	322 g
新旧程度：	正版全新

陈铭志编著的《复调音乐写作基础教程-修订版》对复调音乐写作作了详细的介绍。

绪论

一、复调音乐的定义与类型
二、复调音乐与圭调音乐的相互关系
三、复调音乐的表现作用
部分 单声部写作
章 旋律
一、旋律进行的一般特点
二、旋律的节奏
三、旋律的调式、调性
四、旋律中的变化音
五、旋律的结构
第二部分 二声部写作
第二章 二声部单对位
一、一般特性
二、和声基础
三、声部进行
四、调性、调式关系
五、声部的对此
六、织体类型
七、开始与结尾的处理
第三章 二声部复对位
一、一般特性
二、常用的复对位
三、复对位在作品中的应用
第四章 复对位的变体形式
一、蟹行对位
二、倒影对位
第五章 声部模仿
一、一般特性
二、模仿的写作步骤
三、模仿的织体类型
四、模仿与复对位的结合
五、模仿在作品中的应用
第三部分 三声部写作
第六章 三声部单对位
一、一般特性
二、和声处理
三、声部进行
四、声部对比
五、声部距离
六、织体类型
七、开始与结尾的处理
第七章 三声部复对位
一、一般特性
二、八度三声部复对位
三、三声部倒影对位
四、三声部复对位的应用
第八章 三声部模仿
一、一般特性
二、织体类型
三、三声部卡农式模仿与复对位的结合
四、三声部模仿的应用
第四部分 四声部写作
第九章 四声部单对位
一、一般特性
二、和声的处理
三、声部距离
四、织体类型
五、开始与结尾的处理
第十章 四声部复对位
一、一般特性
二、八度四声部复对位
三、四声部复对位的应用
第十一章 四声部模仿
一、一般特性
二、织体类型
三、四声部模仿的应用
第十二章 四声部以上的对位写作
一、一般处理原则
二、织体类型
第五部分
第十三章 小型复调乐曲写作
一、旋律的处理
二、织体的处理
三、过渡的处理
四、曲式结构

 

作者介绍

 

 陈铭志编著的《复调音乐写作基础教程(修订版)》对复调音乐写作作了详细的介绍。全书共分五个部分，内容包括：单声部写作；二声部写作；三声部写作；四声部写作等。几个具有独立意义的旋律性声部，在运动中同时结合在一起。构成丰富多样的织体形式，这种各自具有独立旋律意义的多声部音乐，称为复调音乐。 

音乐的织体与和声的深度：西方音乐理论精要探析 本书旨在为音乐学习者、研究者及爱好者提供一套系统、深入的西方音乐理论知识体系。内容聚焦于古典音乐传统中的核心要素，从基础的音高、节奏概念出发，逐步深入到复杂的和声进行、复调织体构建以及曲式结构分析，旨在培养读者扎实的理论功底和敏锐的音乐分析能力。 第一部分：音乐元素与符号系统 本部分为理解后续复杂理论奠定基石，详细阐述了西方音乐的“建筑材料”。 第一章：音与乐音系统 本章首先厘清“音”的物理学基础，探讨声波的频率与听觉感知之间的关系。在此基础上，系统介绍西方十二平均律的构建原理及其在历史上的发展。重点剖析自然音阶（大调与小调）的结构特征，包括音程的精确计算与辨识，如纯、增、减等各类音程的内涵。此外，还对各种调式（如古老教会调式和中古民族调式）的特性进行了比较研究，强调它们在特定音乐语境中的色彩作用。 第二章：节奏与节拍的架构 节奏是音乐的脉搏。本章细致考察了时间在音乐中的组织方式。从最小单位——符值（全音符、二分音符直至三十二分音符）的书写规范和时值关系入手，深入讲解了拍号（如 2/4、3/4、4/4 以及复合拍号如 6/8、12/8）的意义与功能。探讨了附点、休止符在塑造节奏灵活性中的作用，并引入了更为复杂的节奏概念，如复节奏（Polyrhythm）和错拍（Hemiola），分析它们如何打破常规的律动感，增加音乐的张力。 第三章：记谱法与音乐语言 本章聚焦于如何将听觉概念转化为视觉符号。详尽介绍了五线谱的结构、高音谱号、低音谱号及中音谱号的使用规则。重点阐述了调号与临时升降记号在明确调性、指示变化音时的精确含义。此外，本章还涵盖了演奏力度（如 p, f, crescendo, diminuendo）和表情术语（如 allegro, andante, legato, staccato）的标记系统，这些是理解作曲家情感表达意图的关键。 第二部分：和声学原理与功能分析 和声是西方音乐的“骨架”，本部分构建了从三和弦到复杂七和弦的理论体系，并深入探讨了和声的功能性。 第四章：三和弦的构成与功能 本书将三和弦的构建提升到理论分析的核心地位。系统讲解了大三和弦、小三和弦、增三和弦与减三和弦的音级结构、转位形式（第一转位、第二转位）及其在特定乐句中的音响特性。更重要的是，本章引入功能和声学的视角，精确定义了主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）的基本功能，及其在终止式（如完全终止式、不完全终止式）中的不可替代性。 第五章：七和弦的深化应用 本章扩展了和声的色彩和张力维度。详细分析了属七和弦（V7）的构成、解决路径及其在功能和声中的核心地位。随后，深入探讨了导七和弦（vii°7）、下属七和弦（ii6/5, IV7）的运用，并分析了减七和弦的结构复杂性和其在转调中作为中介和弦的潜力。本章强调了和声进行中声部进行规则的严谨性，如避免平行五、八度、处理好导音和属音的解决。 第六章：调性外的和声与色彩变化 为超越基础调性框架，本章探讨了丰富音乐色彩的技巧。内容包括经过和弦（Passing Chords）的应用，如那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth）和增六和弦（Augmented Sixth Chords，如意大利式、德国式、法国式），分析它们如何高效地导向属和弦。同时，也触及了副属和弦（Secondary Dominants）的使用，阐释它们如何暂时“染色”其他调性，增强音乐的进行感。 第三部分：复调音乐的逻辑与织体分析 复调，即多声部独立旋律的交织，是音乐表达力的重要源泉。本部分专门针对这一核心技术进行深入剖析。 第七章：对位法的基本原则 本章回归到巴赫时代复调音乐的黄金标准。详细阐述了对位法的核心概念——声部之间的独立性、旋律性与和谐性之间的平衡。重点讲解了不同对位法种类（或称“风格”）的规则，从严格对位法（Species Counterpoint）的初级阶段——例如第一种（二对一）、第二种（一比一）开始，系统解析音程的和谐度要求、声部进出的规范以及如何处理解决不和谐音程。 第八章：二部与三部复调的构建 在掌握了对位法的基本规则后，本章将理论应用于实践。详细分析了二部创作中两条旋律线如何相互呼应、追逐与对比。随后，转向更复杂的三部织体，探讨中声部的承载作用以及如何维持三个独立声部在音高、节奏上的平衡。本章会辅以大量实例，分析不同时期（如文艺复兴晚期至巴洛克早期）作曲家在处理三部织体时的独特处理方式。 第九章：赋格的结构与技巧 赋格（Fugue）是复调音乐的集大成者。本章深入解析赋格的“骨骼”——主题（Subject）的特性与变体（如倒影、增值、减值）。系统讲解了赋格曲的各个组成部分：呈示部（Exposition）中各声部的进入顺序、中入（Episodes）的素材发展、再现部的结构安排，以及制约句（Stretto）等高阶技巧的应用。通过对这些复杂结构的拆解，使读者能够清晰地把握复调逻辑的严密性。 第四部分：曲式结构与宏观分析 本部分将视野从局部音响提升至整体建筑布局，探讨乐曲的组织形式。 第十章：小曲式与中曲式 本章首先介绍最基础的音乐片段组织形式。详述乐句（Phrase）、乐段（Period）的构成要素，包括起句与应句的平衡关系。重点分析单三部曲式（ABA’）在器乐小品中的普遍运用，探讨其对比性、再现部（A’）的变奏手法。对于复三部曲式，则着重分析中段（B段）在调性、材料上如何与呈示部（A段）形成有效对比。 第十一章：奏鸣曲式与大型曲式 奏鸣曲式是古典主义音乐的标志。本章提供了一套精细的分析框架，剖析呈示部（主题呈示、副部主题的引入与转调）、展开部（材料的分解、冲突与和声探索）以及再现部（主副部主题均回到主调的解决性）的内部逻辑。此外，本章还会涵盖回旋曲式（Rondo）的交替结构（如 ABACA, ABACABA）以及变奏曲的基本类型（如固定低音变奏、固定和声变奏）。 第十二章：管弦乐配器基础与织体分析 最后，本章将理论应用于实际的乐器组合中。概述管弦乐队的主要声部群（弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组）的基本音域与音色特征。通过分析不同时代（如古典时期到浪漫主义）管弦乐作品的实例，探讨作曲家如何运用和声色彩、织体密度（独奏、齐奏、多层次复调）的变化，实现音乐意境的表达和动态的层层递进。本书强调，最终的音乐理解必须是理论与听觉体验的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

这本书的练习题设置堪称一绝，可以说是检验学习成果的最佳环节。很多教材的习题往往是机械重复性的，做完之后感觉只是完成了任务，但这本书的练习却充满了设计感和启发性。它不仅仅考察你是否掌握了某个特定的对位规则，更引导你去思考如何在既定的限制下，创作出具有音乐性的、流畅的声部进行。我记得有一组练习，要求在保持严格的声部独立性的同时，实现某个特定的情感表达，这一下子就把技术训练提升到了艺术表达的层面。做这些题的时候，常常会遇到瓶颈，需要反复推敲和修改，但每一次“顿悟”带来的成就感都是巨大的。这种强迫你动脑筋、去创造的练习模式，才是真正能提升写作能力的“硬通货”。

评分☆☆☆☆☆

这本书在讲解复调写作的核心概念时，那份深入浅出的功力简直让人佩服得五体投地。它不像有些教材那样，上来就堆砌晦涩的术语，让人望而生畏。相反，作者似乎总是能找到最贴切的比喻和最直观的解释，将那些看似高深的对位法原则，一步步拆解成可以操作的步骤。我特别欣赏它处理“模仿”和“自由对位”那几个章节的方式，它不是简单地罗列规则，而是通过大量的历史实例分析，展示了这些规则在不同时期和不同作曲家手中的变奏与应用。这使得理论学习不再是枯燥的公式背诵，而更像是一场与音乐史的对话。读完这部分，我感觉自己对巴赫的对位技巧有了更本质的理解，而不是停留在表面的模仿。这种由浅入深、理论与实践紧密结合的叙述方式，极大地增强了学习的信心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格是那种带着温度的学术探讨，读起来有一种被一位经验丰富的老师耐心指导的感觉。作者在关键概念的阐述后，经常会加入一些“过来人的经验之谈”，比如如何避免某些常见的错误，或者在创作中如何保持旋律线的活力等。这些“花絮”虽然不直接构成理论本身，却极大地润滑了阅读过程，让原本严肃的学科变得亲切起来。尤其是在讨论到声部进行中的“不协和音处理”时，那种细致入微的讲解，仿佛作者正坐在我身边，手把手地指导我如何调整一个微小的音高，以达到最佳的听感效果。正是这种兼顾学术深度和人文关怀的写作态度，让这本书在众多同类教材中脱颖而出，成为了我案头常备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

从整体的逻辑架构上来看，这本书展现出了一种极高的专业素养和严谨性。它没有盲目追求“新潮”，而是坚守了复调音乐写作的经典范式和核心原理，这对于打下坚实的基础至关重要。作者在论述过程中，总能巧妙地穿插一些关于不同时期作曲家写作习惯的细微差别，这为读者提供了一个广阔的视角，不至于将某个历史阶段的风格固化为唯一的标准。我感觉这本书的定位非常清晰：它不是一本快速入门的“速成手册”，而是一部需要投入时间去啃读的“工具书”和“思想启迪者”。对于那些打算未来从事作曲、音乐理论研究或者高级音乐教育工作的人来说，这本书提供的知识框架是极其可靠和全面的，是值得反复研习的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了那种沉稳又不失活力的色彩搭配，纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，很有分量感。尤其是那个字体选择，既现代又带着一丝古典的韵味，很符合音乐理论书籍的调性。我记得我是在书店里无意间翻到的，本来只是想随便看看，结果被它扎实的内容和清晰的排版吸引住了。 尤其是目录部分的梳理，结构非常清晰，从最基础的和声概念到复杂的复调技巧，层层递进，让人很容易把握学习的脉络。这对于自学者来说简直是福音，感觉作者在编排这本书的时候，真的花了很多心思去考虑读者的接受习惯。而且，书中插图和范例的排版也很讲究，每一个和声进行或对位关系的例子都标注得清清楚楚，让抽象的理论变得可视化了。 作为一个音乐学习者，我深知好的教材不仅要有内容深度，更要有阅读的愉悦感，这本书在这两方面都做得相当出色，让人愿意沉下心去细细研读。