基本樂理通用教材李重光高等教育齣版社9787040155334 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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李重光 著

圖書標籤:

• 樂理學
• 音樂理論
• 高等教育
• 教材
• 李重光
• 音樂基礎
• 音樂入門
• 音樂教學
• 音樂專業
• 音樂學習

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齣版社： 高等教育齣版社

ISBN：9787040155334

商品編碼：29859811332

齣版時間：2004-08-31

頁數：189

圖書基本信息
書名：	基本樂理通用教材
齣版社：	高等教育齣版社
ISBN號：	9787040155334
齣版年份：	2004年1月

版次：	第1版
總頁數：	189頁
開本：	1/16
圖書定價：	24.50元
實際重量：	422g
新舊程度：	正版全新

李重光，山東省棲霞人，生於1929年。中國音樂學院作麯係教授。中國視唱練耳樂理學會副會長。1949年考入音樂學院作麯係，師從江定仙先生學習作麯。1955年畢業後留校任教，從事基本樂理、視唱練耳、兒童音樂教育的教學與研究。主要著作有：《音樂理論基礎》、《簡譜樂理知識》、《基本樂理》、《基本樂理簡明教程》、《五綫譜入門》、《怎樣練視唱》、《怎樣教孩子學音樂》、《基本樂理600問》、《鍵盤上的樂理知識》等。

講 樂音體係

節 音及音的性質
第二節 樂音與噪音
第三節 樂音體係
第四節 音名與音組
第五節 音域與音區
練習一

第二講 音律
節 標準音和C
第二節 復閤音與分音列
第三節 十二平均律
第四節 五度相生律
第五節 純律
第六節 自然半音與變化半音 自然全音與變化全音
練習二

第三講 五綫譜記譜法
節 什麼是記譜法
第二節 音符與休止符
第三節 增長基本音符和基本休止符時值的記號
第四節 五綫譜的綫與間
第五節 譜號
第六節 變音記號
第七節 省略記號
第八節 演奏法方麵的記號
第九節 裝飾音記號
第十節 樂譜的正確寫法
練習三

第四講 節奏節拍
節 節奏與節拍
第二節 各種拍子
第三節 各種拍子的音值組閤法
第四節 節奏中音的強弱關係
第五節 切分音切分節奏切分效果
第六節 音符均分的特殊形式
第七節 節奏節拍在音樂錶現中的作用
練習四

第五講 音樂的速度與力度
節 速度在音樂錶現中的意義
第二節 音樂速度的標記
第三節 力度在音樂錶現中的意義
第四節 音樂力度的標記
練習五

第六講 音程
節 什麼是音程
第二節 音程的名稱與標記
第三節 單音程與復音程
第四節 自然音程與變化音程
第五節 度數相同而音數不同的各種音程的相互關係
第六節 協和音程與不協和音程
第七節 音程的轉位
第八節 等音程
第九節怎樣識彆和構成音程
練習六

第七講 和弦
節 什麼是和弦
第二節 三和弦
第三節 七和弦
第四節 原位和弦與轉位和弦
第五節 等和弦
第六節 怎樣識彆和構成和弦
練習七

第八講 調及調關係
節 什麼是調
第二節 升號調與降號調
第三節 等音調
第四節 調的五度循環及調關係
練習八

第九講 調式
節 調式調性主音音階
第二節 自然大調式
第三節 三種小調式
第四節 五種五聲調式
練習九

第十講 調與調式
節 調與調式的組閤
第二節 關係大小調
第三節 同宮各調
第四節 同主音調式
第五節 等音調式
第六節 怎樣確定調與調式
練習十

第十一講 調式中的音程
節 什麼是調式中的音程
第二節 穩定音程與不穩定音程不穩定音程的解決
第三節 不協和音程的解決
第四節 怎樣確定一個音程可能屬於哪些調式
第五節 音程在音樂中的應用及其錶現特性
練習十

第十二講 調式中的和弦
節 調式中和弦的名稱及標記
第二節 自然大小調中的和弦
第三節 和聲小調中的和弦
第四節 屬七、導七及其解決
第五節 怎樣確定一個和弦可能屬於哪些調式
第六節 和弦在音樂中的應用及其錶現特性
練習十二

第十三講 轉調
節 什麼是轉調
第二節 轉調的意義
第三節 轉調的類彆
第四節 怎樣找齣近關係調各調式
練習十三

第十四講 調式變音及半音音階
節 什麼是調式變音
第二節 導音的形成、解決與消失
第三節 具各典型意義的調式變音
第四節 半音音階
練習十四

第十五講 講移調
節 為什麼要移調
……
第十六講 關於鏇律的基礎知識
答案

全書共十六講：包括音律、記語法、調式、音程、和弦、節奏、節拍、轉調、移調、裝飾音和鏇律等基本樂理知識。每課之後的練習題均附有答案、便於自學：在基本概念的錶述上；佳確、簡明，以通俗、淺顯和生動的語言將枯燥的樂理、和聲、試唱練耳等技術理論有機地結閤，易學易用。充分體現“通用”性原則。即程度上以初級入門為起點，終達到音樂院校樂理修畢水平在保留傳統基本樂理教學體係的基礎上將現代樂理的觀念融入其中，體現瞭基本樂理學科的新發展。

不僅適用於音樂院校、師範類音樂院係的學生、還可服務於中小學音樂教師以及準備報考音樂院校的考生。

《西方音樂史：從古至今的流變與審美》 作者： [此處可填入一個虛擬的、具有權威性的作者名，例如：馬丁·格雷戈裏] 齣版社： [此處可填入一個知名的音樂學或藝術類齣版社，例如：牛津大學齣版社（中文版）] --- 導言：聆聽時間的迴響 音樂，作為人類情感最抽象而又最深刻的錶達方式，其發展曆程本身就是一部波瀾壯闊的文化史。它不僅僅是音符和節奏的排列組閤，更是特定時代社會結構、哲學思潮、宗教信仰以及技術進步的綜閤體現。《西方音樂史：從古至今的流變與審美》旨在提供一個宏大而精微的視角，帶領讀者穿越兩韆多年的音樂時間隧道，深入理解西方音樂是如何從早期的單音聖歌，逐步演化為巴洛剋時期的繁復對位，古典主義的清晰結構，浪漫主義的洶湧情感，直至二十世紀現代主義的激進實驗。 本書並非僅僅是作麯傢和作品的羅列，而是著重於語境的重構。我們探討的重點在於：特定時代的人們是如何“聽”音樂的？音樂在社會結構中扮演瞭何種角色？作麯傢如何應對來自教會、宮廷或新興市民階層的需求？每一次風格的轉變，背後驅動的深層文化動力是什麼？ 第一部分：奠基時代（公元前500年 – 1400年）：秩序與神聖 本部分聚焦於西方音樂哲學的起源和中世紀的宗教主導地位。 第一章：古希臘的音高與倫理 我們將從畢達哥拉斯對音程的數學發現開始，探討古希臘“音樂”（Mousikē）概念的廣博性，它涵蓋瞭詩歌、舞蹈和哲學。重點分析柏拉圖和亞裏士多德如何將音樂的倫理作用（Ethos）與城邦的道德建設緊密聯係起來。分析調式（Modes）在早期理論中的地位，而非僅僅作為演奏工具。 第二章：早期基督教與格裏高利聖歌的統一 探討羅馬帝國衰落後，教會如何成為音樂保護和發展的中心。詳細解析格裏高利聖歌（Gregorian Chant）的産生、發展及其在宗教儀式中的標準化過程。研究其單音性（Monophony）的特點，以及早期記譜法（如紐姆記譜法 Neumes）如何從記憶輔助工具演變為精確記錄的手段。 第三章：復調的黎明：有組織的結構 中世紀盛期（約900年起），復調（Polyphony）的齣現是音樂史上最偉大的飛躍之一。本章將深入探討巴黎聖母院樂派（Notre Dame School）如列奧寜和佩羅坦的工作，分析奧爾加農（Organum）如何從平行進行發展到自由復調。同時，世俗音樂的力量，特彆是遊吟詩人（Troubadour/Trouvère）的作品，如何為後來的文藝復興帶來新的活力和主題。 第二部分：文藝復興（1400 – 1600）：人文主義與精湛的工藝 文藝復興的核心是人性的迴歸和對古典美學的重新發掘。音樂領域亦然，作麯傢開始關注文本的清晰度和情感的微妙錶達。 第四章：弗蘭德學派的統治與復調的黃金時代 分析杜飛（Dufay）、奧剋岡（Ockeghem）和雅各布斯·雷迪（Josquin des Prez）等弗蘭德作麯傢如何將對位技術推嚮完美。探討“模仿”技巧（Imitation）的成熟，以及無伴奏閤唱（A Cappella）的理想化狀態。 第五章：宗教改革與反宗教改革的迴響 考察馬丁·路德的宗教改革對音樂形式的影響，特彆是德語聖詠（Chorale）的興起。重點分析特倫特會議後，帕萊斯特裏那（Palestrina）如何通過其清晰、平衡的彌撒麯，為天主教會樹立瞭對位典範，成為“純淨”音樂的象徵。 第六章：世俗音樂的成熟：牧歌與尚鬆 研究意大利牧歌（Madrigal）如何成為錶達復雜世俗情感的載體。分析“文字描繪”（Word Painting）技術，以及音樂如何開始直接反映歌詞的戲劇性和心理深度。同時，對法國香頌（Chanson）和英國維吉納爾（Virginal）音樂進行比較分析。 第三部分：巴洛剋（1600 – 1750）：情感的戲劇化與炫技的魅力 巴洛剋時代標誌著音樂從集體性嚮個性化錶達的重大轉變，對聽覺衝擊和戲劇效果的追求達到瞭前所未有的高度。 第七章：歌劇的誕生與“第二藝術”的形成 詳細追溯佛羅倫薩的“公會”（Camerata Fiorentina）如何試圖復興古希臘悲劇，催生瞭以梅洛迪亞（Monody）為基礎的早期歌劇，如濛特威爾第的《奧菲歐》。分析詠嘆調（Aria）和宣敘調（Recitative）的區分，以及“巴洛剋戲劇性”的特點。 第八章：協奏麯與通奏低音的骨架 深入探討巴洛剋音樂的“引擎”——通奏低音（Basso Continuo）。分析科雷利和維瓦爾第如何確立協奏麯的範式，特彆是快-慢-快的三樂章結構。研究“閤奏協奏麯”（Concerto Grosso）與“獨奏協奏麯”的對比。 第九章：對位藝術的巔峰：巴赫的世界 本章將巴赫視為巴洛剋精神的集大成者。細緻分析《平均律鍵盤麯集》對十二平均律的係統化探索，以及賦格麯（Fugue）作為對位藝術最高形態的結構邏輯。探討其宗教作品（如《馬太受難麯》）中深刻的神學內涵。 第十章：歌劇的盛衰與亨德爾的成就 考察巴洛剋晚期歌劇的流變，從意大利的“正歌劇”（Opera Seria）到亨德爾如何將其在倫敦發展為商業上的巨大成功。分析清唱劇（Oratorio）作為歌劇的替代品如何流行起來，及其對英格蘭音樂文化的深遠影響。 第四部分：古典主義（1750 – 1820）：清晰、平衡與啓濛精神 古典主義是對巴洛剋復雜性的反動，追求自然、清晰的鏇律綫條和邏輯嚴謹的結構。這是“主調音樂”（Homophony）的勝利。 第十一章：從洛可可到交響麯的誕生 探討“敏感風格”（Empfindsamer Stil）作為過渡時期的特點，以及海頓如何被譽為“交響麯之父”。解析奏鳴麯式（Sonata Form）的內在邏輯——呈示部、展開部與再現部，如何成為古典器樂的結構藍圖。 第十二章：維也納三傑的結構革命 深入比較海頓、莫紮特和貝多芬早期作品中對古典形式的貢獻。莫紮特如何將歌劇的心理深度融入器樂，以及貝多芬如何在其早期作品中奠定英雄式（Heroic Style）的基礎。 第十三章：交響樂的成熟與弦樂四重奏的對話 分析弦樂四重奏如何被視為作麯傢進行最純粹、最深刻的室內對話的媒介。詳細剖析貝多芬中晚期作品（如“拉祖莫夫斯基”四重奏）如何突破既有形式的界限，預示著浪漫主義的到來。 第五部分：浪漫主義（1820 – 1900）：情感的無限拓展與民族色彩 浪漫主義音樂的核心是“個人情感的絕對化”和對超驗領域的探索。音樂的想象力和錶現力被推嚮極緻。 第十四章：詩意與抒情的勝利：舒伯特與藝術歌麯 重點分析藝術歌麯（Lied）如何因詩歌的提升而成為浪漫主義的精粹。研究舒伯特如何通過鋼琴伴奏來描繪意境和人物內心世界，以及“連環藝術歌麯集”（Song Cycles）的敘事功能。 第十五章：鋼琴的時代：李斯特的炫技與肖邦的私密 探討鋼琴如何成為最重要的獨奏樂器。分析李斯特如何發展齣交響詩（Symphonic Poem）和“主題變形”手法，以及肖邦如何將波蘭民族舞麯融入高度精緻的室內獨奏作品中。 第十六章：宏大敘事與民族主義的興起 考察十九世紀中後期歌劇的“巨型化”趨勢，如瓦格納的“樂劇”（Musikdrama）及其“主導動機”（Leitmotif）理論對後世的影響。同時，分析俄國五人組、德沃夏剋等如何通過民間音樂元素，塑造獨特的民族音樂身份。 第六部分：二十世紀至今：分裂、探索與邊界的消融 進入二十世紀，音樂不再尋求統一的審美標準，而是進入瞭快速的風格迭代和對音樂本質的深刻反思。 第十七章：通往現代主義的橋梁：德彪西與馬勒 分析馬勒如何將晚期浪漫主義推嚮極限，以及德彪西如何通過印象主義（Impressionism）瓦解傳統的調性功能，引入全新的音色和色彩。 第十八章：調性的瓦解與新古典主義的迴溯 深入探討勛伯格（Schoenberg）如何係統化地廢棄傳統調性，建立十二音體係（Twelve-Tone Technique）。對比斯特拉文斯基的新古典主義（Neoclassicism）對早期形式的迴歸與現代手法的結閤。 第十九章：實驗、電子與後現代的景觀 考察二戰後音樂的激進變革，包括序列音樂（Serialism）、偶然音樂（Aleatoric Music）以及電子音樂的興起。分析約翰·凱奇對“沉默”和“不確定性”的哲學探索，以及極簡主義（Minimalism）如何通過重復和微小變化重塑聽眾的感知。 結語：未完的樂章 當代音樂的版圖是多元且開放的。本書的終點並非曆史的終結，而是對未來可能性的展望。通過對曆史的梳理，我們得以更好地理解今天音樂傢們所麵對的選擇與挑戰，以及音樂藝術在信息爆炸時代中，如何繼續履行其溝通心靈、記錄時代的永恒使命。 --- 本書特色： 結構清晰： 以時間綫和核心思潮為綱，清晰勾勒風格的演進邏輯。 深度分析： 側重於音樂形式（如奏鳴麯式、賦格結構）的內在機製，而非僅停留在背景介紹。 跨學科視野： 將音樂置於哲學、文學、社會政治的語境中進行解讀，展現音樂的文化負載力。 避免專業術語壁壘： 盡管內容嚴謹，但力求以流暢、富有感染力的敘事方式，使非專業讀者也能領略古典音樂的魅力。

評分☆☆☆☆☆

作為一名自學者，我常常在麵對厚重的教材時感到無助，不知道如何平衡理論的廣度與學習的深度。這本書在這方麵給齣瞭一個非常成熟的解決方案。它通過在關鍵概念旁設置的“深度拓展”或“聽覺提示”的小欄目，為不同學習階段的讀者提供瞭靈活的選擇。基礎知識點講解得深入淺齣，確保瞭入門的順暢；而那些拓展部分，則為有一定基礎，希望進一步探究的讀者提供瞭足夠的挑戰和養分。我特彆欣賞作者在語言運用上的剋製與精準，它既有學術的嚴謹性，又避免瞭不必要的術語堆砌，使得閱讀體驗相對輕鬆。更讓我感到貼心的是，書中似乎無形中融入瞭一種鼓勵批判性思考的導嚮，它不會直接給齣唯一的“標準答案”，而是引導我們去思考“為什麼是這樣”，從而激發我們對音樂現象本身的好奇心和探索欲。這種教學理念，遠比填鴨式的灌輸要有效得多。

評分☆☆☆☆☆

這本書的價值，並不僅僅體現在其內容本身，更在於它所體現齣的一種教育理念——尊重音樂的藝術性和邏輯性並重。在內容覆蓋上，它做到瞭對傳統樂理的全麵覆蓋，包括瞭和聲學、對位法的基礎概念，以及對調性和無調性音樂的初步接觸。然而，與其他強調規則至上的教材不同，這本書在講解規則時，總會穿插一些關於“聽感”的描述。例如，在講解不協和音程的處理時，它會引導讀者去辨彆那種張力是如何被解決的，強調聽覺感受在樂理學習中的核心地位。這種將“耳聽為實”與“理論推導”相結閤的方式，極大地提升瞭學習的趣味性和實際應用價值。對於音樂教育者而言，這本書無疑提供瞭一個極佳的教學藍本；而對於渴望深入理解音樂世界奧秘的愛好者來說，它更像是一把能夠開啓音樂殿堂大門的鑰匙，係統、權威且充滿啓發性。

評分☆☆☆☆☆

這本音樂理論教材的排版和設計著實讓人眼前一亮，遠非我過去接觸過的那些枯燥的教科書可比。封麵色彩沉穩又不失活力，內頁的字體選擇和行間距都體現齣對讀者體驗的細緻考量。裝幀質量很高，紙張厚實，即便是頻繁翻閱也不會輕易損壞，這對於需要長期使用的教材來說是極大的加分項。更值得稱贊的是，書中對於復雜概念的圖示化處理非常到位，那些原本抽象的音程關係、和弦結構，通過清晰的五綫譜實例和輔助圖錶，變得直觀易懂。比如講解調式轉換時，作者巧妙地運用瞭色彩編碼來區分主音和導音的變化，這種視覺輔助極大地降低瞭初學者的理解門檻。我個人尤其喜歡它在樂理概念引入時采用的循序漸進的邏輯鏈條，它不是簡單地羅列規則，而是將每一個知識點都置於一個更大的音樂語境中去解釋其存在的閤理性和功能性，讓人感覺自己不是在背誦教條，而是在探索一門嚴謹的藝術規律。即便是對於初次接觸音樂理論的人，也能感受到作者在編排上的匠心獨運，使得學習過程本身也成為一種享受，而不是負擔。

評分☆☆☆☆☆

這本書在結構上的宏大敘事感令人印象深刻，它構建瞭一個完整且自洽的音樂邏輯體係。我發現，作者在構建每一個章節時，都似乎預設瞭一個“對話者”——一個渴望係統性、全麵性知識的學習者。它的章節過渡處理得極為自然流暢，前一節學習的知識點，會在後續章節中以新的角度被重新審視和深化，形成瞭知識的螺鏇上升結構。比如，對節奏復雜性的討論，從最初的拍號和節拍概念引入，隨後便自然過渡到復節奏和自由節拍的分析，兩者之間沒有生硬的跳躍，而是通過層層遞進的例子將聽覺體驗和理論分析緊密結閤。這種編排不僅有助於知識的吸收，更重要的是培養瞭讀者一種整體性的音樂思維，即明白任何一個孤立的樂理現象都是整個音樂結構中不可或缺的一部分。這對於希望建立紮實基礎，並最終能夠自主分析和構建音樂作品的讀者來說，是極其寶貴的財富。

評分☆☆☆☆☆

我是一名有多年演奏經驗的樂手，接觸過不少專業樂理書籍，但很多內容都偏嚮於學術化，閱讀起來更像是啃讀一份晦澀的文獻。然而，這本書在保證專業深度的同時，非常注重“實用性”的體現。它沒有沉溺於過多的曆史考證或過於冷僻的理論分支，而是將重點放在瞭對實際創作和演奏中最核心、最常遇到的樂理知識進行提煉和深化。例如，書中對於功能和聲的分析，不僅僅停留在“屬-主”的固定模式講解，而是深入探討瞭浪漫主義時期和聲的色彩變化與模糊性處理，這對於我進行麯式分析和即興伴奏的拓展非常有啓發。它在舉例時使用的音樂片段選擇也十分獨到，涵蓋瞭古典、浪漫乃至二十世紀初期的經典作品片段，而非僅僅依賴於教科書式的僵硬範例。這種“從實踐中來，到實踐中去”的編寫思路，讓這本書真正成為瞭一個提升演奏和理解能力的高效工具，而不是束之高閣的理論參考書。