基本乐理通用教材李重光高等教育出版社9787040155334 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李重光 著

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040155334

商品编码：29859811332

出版时间：2004-08-31

页数：189

图书基本信息
书名：	基本乐理通用教材
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040155334
出版年份：	2004年1月

版次：	第1版
总页数：	189页
开本：	1/16
图书定价：	24.50元
实际重量：	422g
新旧程度：	正版全新

李重光，山东省栖霞人，生于1929年。中国音乐学院作曲系教授。中国视唱练耳乐理学会副会长。1949年考入音乐学院作曲系，师从江定仙先生学习作曲。1955年毕业后留校任教，从事基本乐理、视唱练耳、儿童音乐教育的教学与研究。主要著作有：《音乐理论基础》、《简谱乐理知识》、《基本乐理》、《基本乐理简明教程》、《五线谱入门》、《怎样练视唱》、《怎样教孩子学音乐》、《基本乐理600问》、《键盘上的乐理知识》等。

讲 乐音体系

节 音及音的性质
第二节 乐音与噪音
第三节 乐音体系
第四节 音名与音组
第五节 音域与音区
练习一

第二讲 音律
节 标准音和C
第二节 复合音与分音列
第三节 十二平均律
第四节 五度相生律
第五节 纯律
第六节 自然半音与变化半音 自然全音与变化全音
练习二

第三讲 五线谱记谱法
节 什么是记谱法
第二节 音符与休止符
第三节 增长基本音符和基本休止符时值的记号
第四节 五线谱的线与间
第五节 谱号
第六节 变音记号
第七节 省略记号
第八节 演奏法方面的记号
第九节 装饰音记号
第十节 乐谱的正确写法
练习三

第四讲 节奏节拍
节 节奏与节拍
第二节 各种拍子
第三节 各种拍子的音值组合法
第四节 节奏中音的强弱关系
第五节 切分音切分节奏切分效果
第六节 音符均分的特殊形式
第七节 节奏节拍在音乐表现中的作用
练习四

第五讲 音乐的速度与力度
节 速度在音乐表现中的意义
第二节 音乐速度的标记
第三节 力度在音乐表现中的意义
第四节 音乐力度的标记
练习五

第六讲 音程
节 什么是音程
第二节 音程的名称与标记
第三节 单音程与复音程
第四节 自然音程与变化音程
第五节 度数相同而音数不同的各种音程的相互关系
第六节 协和音程与不协和音程
第七节 音程的转位
第八节 等音程
第九节怎样识别和构成音程
练习六

第七讲 和弦
节 什么是和弦
第二节 三和弦
第三节 七和弦
第四节 原位和弦与转位和弦
第五节 等和弦
第六节 怎样识别和构成和弦
练习七

第八讲 调及调关系
节 什么是调
第二节 升号调与降号调
第三节 等音调
第四节 调的五度循环及调关系
练习八

第九讲 调式
节 调式调性主音音阶
第二节 自然大调式
第三节 三种小调式
第四节 五种五声调式
练习九

第十讲 调与调式
节 调与调式的组合
第二节 关系大小调
第三节 同宫各调
第四节 同主音调式
第五节 等音调式
第六节 怎样确定调与调式
练习十

第十一讲 调式中的音程
节 什么是调式中的音程
第二节 稳定音程与不稳定音程不稳定音程的解决
第三节 不协和音程的解决
第四节 怎样确定一个音程可能属于哪些调式
第五节 音程在音乐中的应用及其表现特性
练习十

第十二讲 调式中的和弦
节 调式中和弦的名称及标记
第二节 自然大小调中的和弦
第三节 和声小调中的和弦
第四节 属七、导七及其解决
第五节 怎样确定一个和弦可能属于哪些调式
第六节 和弦在音乐中的应用及其表现特性
练习十二

第十三讲 转调
节 什么是转调
第二节 转调的意义
第三节 转调的类别
第四节 怎样找出近关系调各调式
练习十三

第十四讲 调式变音及半音音阶
节 什么是调式变音
第二节 导音的形成、解决与消失
第三节 具各典型意义的调式变音
第四节 半音音阶
练习十四

第十五讲 讲移调
节 为什么要移调
……
第十六讲 关于旋律的基础知识
答案

全书共十六讲：包括音律、记语法、调式、音程、和弦、节奏、节拍、转调、移调、装饰音和旋律等基本乐理知识。每课之后的练习题均附有答案、便于自学：在基本概念的表述上；佳确、简明，以通俗、浅显和生动的语言将枯燥的乐理、和声、试唱练耳等技术理论有机地结合，易学易用。充分体现“通用”性原则。即程度上以初级入门为起点，终达到音乐院校乐理修毕水平在保留传统基本乐理教学体系的基础上将现代乐理的观念融入其中，体现了基本乐理学科的新发展。

不仅适用于音乐院校、师范类音乐院系的学生、还可服务于中小学音乐教师以及准备报考音乐院校的考生。

《西方音乐史：从古至今的流变与审美》 作者： [此处可填入一个虚拟的、具有权威性的作者名，例如：马丁·格雷戈里] 出版社： [此处可填入一个知名的音乐学或艺术类出版社，例如：牛津大学出版社（中文版）] --- 导言：聆听时间的回响 音乐，作为人类情感最抽象而又最深刻的表达方式，其发展历程本身就是一部波澜壮阔的文化史。它不仅仅是音符和节奏的排列组合，更是特定时代社会结构、哲学思潮、宗教信仰以及技术进步的综合体现。《西方音乐史：从古至今的流变与审美》旨在提供一个宏大而精微的视角，带领读者穿越两千多年的音乐时间隧道，深入理解西方音乐是如何从早期的单音圣歌，逐步演化为巴洛克时期的繁复对位，古典主义的清晰结构，浪漫主义的汹涌情感，直至二十世纪现代主义的激进实验。 本书并非仅仅是作曲家和作品的罗列，而是着重于语境的重构。我们探讨的重点在于：特定时代的人们是如何“听”音乐的？音乐在社会结构中扮演了何种角色？作曲家如何应对来自教会、宫廷或新兴市民阶层的需求？每一次风格的转变，背后驱动的深层文化动力是什么？ 第一部分：奠基时代（公元前500年 – 1400年）：秩序与神圣 本部分聚焦于西方音乐哲学的起源和中世纪的宗教主导地位。 第一章：古希腊的音高与伦理 我们将从毕达哥拉斯对音程的数学发现开始，探讨古希腊“音乐”（Mousikē）概念的广博性，它涵盖了诗歌、舞蹈和哲学。重点分析柏拉图和亚里士多德如何将音乐的伦理作用（Ethos）与城邦的道德建设紧密联系起来。分析调式（Modes）在早期理论中的地位，而非仅仅作为演奏工具。 第二章：早期基督教与格里高利圣歌的统一 探讨罗马帝国衰落后，教会如何成为音乐保护和发展的中心。详细解析格里高利圣歌（Gregorian Chant）的产生、发展及其在宗教仪式中的标准化过程。研究其单音性（Monophony）的特点，以及早期记谱法（如纽姆记谱法 Neumes）如何从记忆辅助工具演变为精确记录的手段。 第三章：复调的黎明：有组织的结构 中世纪盛期（约900年起），复调（Polyphony）的出现是音乐史上最伟大的飞跃之一。本章将深入探讨巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）如列奥宁和佩罗坦的工作，分析奥尔加农（Organum）如何从平行进行发展到自由复调。同时，世俗音乐的力量，特别是游吟诗人（Troubadour/Trouvère）的作品，如何为后来的文艺复兴带来新的活力和主题。 第二部分：文艺复兴（1400 – 1600）：人文主义与精湛的工艺 文艺复兴的核心是人性的回归和对古典美学的重新发掘。音乐领域亦然，作曲家开始关注文本的清晰度和情感的微妙表达。 第四章：弗兰德学派的统治与复调的黄金时代 分析杜飞（Dufay）、奥克冈（Ockeghem）和雅各布斯·雷迪（Josquin des Prez）等弗兰德作曲家如何将对位技术推向完美。探讨“模仿”技巧（Imitation）的成熟，以及无伴奏合唱（A Cappella）的理想化状态。 第五章：宗教改革与反宗教改革的回响 考察马丁·路德的宗教改革对音乐形式的影响，特别是德语圣咏（Chorale）的兴起。重点分析特伦特会议后，帕莱斯特里那（Palestrina）如何通过其清晰、平衡的弥撒曲，为天主教会树立了对位典范，成为“纯净”音乐的象征。 第六章：世俗音乐的成熟：牧歌与尚松 研究意大利牧歌（Madrigal）如何成为表达复杂世俗情感的载体。分析“文字描绘”（Word Painting）技术，以及音乐如何开始直接反映歌词的戏剧性和心理深度。同时，对法国香颂（Chanson）和英国维吉纳尔（Virginal）音乐进行比较分析。 第三部分：巴洛克（1600 – 1750）：情感的戏剧化与炫技的魅力 巴洛克时代标志着音乐从集体性向个性化表达的重大转变，对听觉冲击和戏剧效果的追求达到了前所未有的高度。 第七章：歌剧的诞生与“第二艺术”的形成 详细追溯佛罗伦萨的“公会”（Camerata Fiorentina）如何试图复兴古希腊悲剧，催生了以梅洛迪亚（Monody）为基础的早期歌剧，如蒙特威尔第的《奥菲欧》。分析咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）的区分，以及“巴洛克戏剧性”的特点。 第八章：协奏曲与通奏低音的骨架 深入探讨巴洛克音乐的“引擎”——通奏低音（Basso Continuo）。分析科雷利和维瓦尔第如何确立协奏曲的范式，特别是快-慢-快的三乐章结构。研究“合奏协奏曲”（Concerto Grosso）与“独奏协奏曲”的对比。 第九章：对位艺术的巅峰：巴赫的世界 本章将巴赫视为巴洛克精神的集大成者。细致分析《平均律键盘曲集》对十二平均律的系统化探索，以及赋格曲（Fugue）作为对位艺术最高形态的结构逻辑。探讨其宗教作品（如《马太受难曲》）中深刻的神学内涵。 第十章：歌剧的盛衰与亨德尔的成就 考察巴洛克晚期歌剧的流变，从意大利的“正歌剧”（Opera Seria）到亨德尔如何将其在伦敦发展为商业上的巨大成功。分析清唱剧（Oratorio）作为歌剧的替代品如何流行起来，及其对英格兰音乐文化的深远影响。 第四部分：古典主义（1750 – 1820）：清晰、平衡与启蒙精神 古典主义是对巴洛克复杂性的反动，追求自然、清晰的旋律线条和逻辑严谨的结构。这是“主调音乐”（Homophony）的胜利。 第十一章：从洛可可到交响曲的诞生 探讨“敏感风格”（Empfindsamer Stil）作为过渡时期的特点，以及海顿如何被誉为“交响曲之父”。解析奏鸣曲式（Sonata Form）的内在逻辑——呈示部、展开部与再现部，如何成为古典器乐的结构蓝图。 第十二章：维也纳三杰的结构革命 深入比较海顿、莫扎特和贝多芬早期作品中对古典形式的贡献。莫扎特如何将歌剧的心理深度融入器乐，以及贝多芬如何在其早期作品中奠定英雄式（Heroic Style）的基础。 第十三章：交响乐的成熟与弦乐四重奏的对话 分析弦乐四重奏如何被视为作曲家进行最纯粹、最深刻的室内对话的媒介。详细剖析贝多芬中晚期作品（如“拉祖莫夫斯基”四重奏）如何突破既有形式的界限，预示着浪漫主义的到来。 第五部分：浪漫主义（1820 – 1900）：情感的无限拓展与民族色彩 浪漫主义音乐的核心是“个人情感的绝对化”和对超验领域的探索。音乐的想象力和表现力被推向极致。 第十四章：诗意与抒情的胜利：舒伯特与艺术歌曲 重点分析艺术歌曲（Lied）如何因诗歌的提升而成为浪漫主义的精粹。研究舒伯特如何通过钢琴伴奏来描绘意境和人物内心世界，以及“连环艺术歌曲集”（Song Cycles）的叙事功能。 第十五章：钢琴的时代：李斯特的炫技与肖邦的私密 探讨钢琴如何成为最重要的独奏乐器。分析李斯特如何发展出交响诗（Symphonic Poem）和“主题变形”手法，以及肖邦如何将波兰民族舞曲融入高度精致的室内独奏作品中。 第十六章：宏大叙事与民族主义的兴起 考察十九世纪中后期歌剧的“巨型化”趋势，如瓦格纳的“乐剧”（Musikdrama）及其“主导动机”（Leitmotif）理论对后世的影响。同时，分析俄国五人组、德沃夏克等如何通过民间音乐元素，塑造独特的民族音乐身份。 第六部分：二十世纪至今：分裂、探索与边界的消融 进入二十世纪，音乐不再寻求统一的审美标准，而是进入了快速的风格迭代和对音乐本质的深刻反思。 第十七章：通往现代主义的桥梁：德彪西与马勒 分析马勒如何将晚期浪漫主义推向极限，以及德彪西如何通过印象主义（Impressionism）瓦解传统的调性功能，引入全新的音色和色彩。 第十八章：调性的瓦解与新古典主义的回溯 深入探讨勋伯格（Schoenberg）如何系统化地废弃传统调性，建立十二音体系（Twelve-Tone Technique）。对比斯特拉文斯基的新古典主义（Neoclassicism）对早期形式的回归与现代手法的结合。 第十九章：实验、电子与后现代的景观 考察二战后音乐的激进变革，包括序列音乐（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music）以及电子音乐的兴起。分析约翰·凯奇对“沉默”和“不确定性”的哲学探索，以及极简主义（Minimalism）如何通过重复和微小变化重塑听众的感知。 结语：未完的乐章 当代音乐的版图是多元且开放的。本书的终点并非历史的终结，而是对未来可能性的展望。通过对历史的梳理，我们得以更好地理解今天音乐家们所面对的选择与挑战，以及音乐艺术在信息爆炸时代中，如何继续履行其沟通心灵、记录时代的永恒使命。 --- 本书特色： 结构清晰： 以时间线和核心思潮为纲，清晰勾勒风格的演进逻辑。 深度分析： 侧重于音乐形式（如奏鸣曲式、赋格结构）的内在机制，而非仅停留在背景介绍。 跨学科视野： 将音乐置于哲学、文学、社会政治的语境中进行解读，展现音乐的文化负载力。 避免专业术语壁垒： 尽管内容严谨，但力求以流畅、富有感染力的叙事方式，使非专业读者也能领略古典音乐的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐理论教材的排版和设计着实让人眼前一亮，远非我过去接触过的那些枯燥的教科书可比。封面色彩沉稳又不失活力，内页的字体选择和行间距都体现出对读者体验的细致考量。装帧质量很高，纸张厚实，即便是频繁翻阅也不会轻易损坏，这对于需要长期使用的教材来说是极大的加分项。更值得称赞的是，书中对于复杂概念的图示化处理非常到位，那些原本抽象的音程关系、和弦结构，通过清晰的五线谱实例和辅助图表，变得直观易懂。比如讲解调式转换时，作者巧妙地运用了色彩编码来区分主音和导音的变化，这种视觉辅助极大地降低了初学者的理解门槛。我个人尤其喜欢它在乐理概念引入时采用的循序渐进的逻辑链条，它不是简单地罗列规则，而是将每一个知识点都置于一个更大的音乐语境中去解释其存在的合理性和功能性，让人感觉自己不是在背诵教条，而是在探索一门严谨的艺术规律。即便是对于初次接触音乐理论的人，也能感受到作者在编排上的匠心独运，使得学习过程本身也成为一种享受，而不是负担。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构上的宏大叙事感令人印象深刻，它构建了一个完整且自洽的音乐逻辑体系。我发现，作者在构建每一个章节时，都似乎预设了一个“对话者”——一个渴望系统性、全面性知识的学习者。它的章节过渡处理得极为自然流畅，前一节学习的知识点，会在后续章节中以新的角度被重新审视和深化，形成了知识的螺旋上升结构。比如，对节奏复杂性的讨论，从最初的拍号和节拍概念引入，随后便自然过渡到复节奏和自由节拍的分析，两者之间没有生硬的跳跃，而是通过层层递进的例子将听觉体验和理论分析紧密结合。这种编排不仅有助于知识的吸收，更重要的是培养了读者一种整体性的音乐思维，即明白任何一个孤立的乐理现象都是整个音乐结构中不可或缺的一部分。这对于希望建立扎实基础，并最终能够自主分析和构建音乐作品的读者来说，是极其宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，并不仅仅体现在其内容本身，更在于它所体现出的一种教育理念——尊重音乐的艺术性和逻辑性并重。在内容覆盖上，它做到了对传统乐理的全面覆盖，包括了和声学、对位法的基础概念，以及对调性和无调性音乐的初步接触。然而，与其他强调规则至上的教材不同，这本书在讲解规则时，总会穿插一些关于“听感”的描述。例如，在讲解不协和音程的处理时，它会引导读者去辨别那种张力是如何被解决的，强调听觉感受在乐理学习中的核心地位。这种将“耳听为实”与“理论推导”相结合的方式，极大地提升了学习的趣味性和实际应用价值。对于音乐教育者而言，这本书无疑提供了一个极佳的教学蓝本；而对于渴望深入理解音乐世界奥秘的爱好者来说，它更像是一把能够开启音乐殿堂大门的钥匙，系统、权威且充满启发性。

评分☆☆☆☆☆

我是一名有多年演奏经验的乐手，接触过不少专业乐理书籍，但很多内容都偏向于学术化，阅读起来更像是啃读一份晦涩的文献。然而，这本书在保证专业深度的同时，非常注重“实用性”的体现。它没有沉溺于过多的历史考证或过于冷僻的理论分支，而是将重点放在了对实际创作和演奏中最核心、最常遇到的乐理知识进行提炼和深化。例如，书中对于功能和声的分析，不仅仅停留在“属-主”的固定模式讲解，而是深入探讨了浪漫主义时期和声的色彩变化与模糊性处理，这对于我进行曲式分析和即兴伴奏的拓展非常有启发。它在举例时使用的音乐片段选择也十分独到，涵盖了古典、浪漫乃至二十世纪初期的经典作品片段，而非仅仅依赖于教科书式的僵硬范例。这种“从实践中来，到实践中去”的编写思路，让这本书真正成为了一个提升演奏和理解能力的高效工具，而不是束之高阁的理论参考书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名自学者，我常常在面对厚重的教材时感到无助，不知道如何平衡理论的广度与学习的深度。这本书在这方面给出了一个非常成熟的解决方案。它通过在关键概念旁设置的“深度拓展”或“听觉提示”的小栏目，为不同学习阶段的读者提供了灵活的选择。基础知识点讲解得深入浅出，确保了入门的顺畅；而那些拓展部分，则为有一定基础，希望进一步探究的读者提供了足够的挑战和养分。我特别欣赏作者在语言运用上的克制与精准，它既有学术的严谨性，又避免了不必要的术语堆砌，使得阅读体验相对轻松。更让我感到贴心的是，书中似乎无形中融入了一种鼓励批判性思考的导向，它不会直接给出唯一的“标准答案”，而是引导我们去思考“为什么是这样”，从而激发我们对音乐现象本身的好奇心和探索欲。这种教学理念，远比填鸭式的灌输要有效得多。