电子音乐理论基础白小墨西南师范大学出版社正版课本教材9787562169901 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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白小墨，韩彦敏，韩敏捷，吴万新 著

图书标签:

• 电子音乐
• 音乐理论
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• 白小墨
• 西南师范大学出版社
• 高等教育
• 音乐教学
• 音乐基础
• 9787562169901
• 课本

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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562169901

商品编码：29859851333

页数：225

图书基本信息
书名：	电子音乐理论基础
丛书名：	四川音乐学院电子音乐理论与技术丛书
作者/主编：	白小墨 韩彦敏 韩敏捷 吴万新 姚琦 杨万钧
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562169901
出版年份：	2014年

版次：	第1版
总页数：	225页
开本：	1/16
图书定价：	32.00元
实际重量：	381g
新旧程度：	正版全新

 《四川音乐学院电子音乐理论与技术丛书:电子音乐理论基础》是四川音乐学院电子音乐理论与技术丛书之一。 

总序 

前言 
第*章电子音乐发展简史 
第*节电子音乐的诞生 
一、电子音乐的定义与分类 
二、电子音乐的诞生背景 
三、电子音乐先驱——皮埃尔·舍费尔 
第二节早期电子音乐 
一、法国具体音乐 
二、德国纯电子音乐 
三、日本早期电子音乐 
第三节磁带音乐 
一、磁带音乐的概念 
二、磁带音乐的代表作曲家和作品 
三、“磁带音乐”含义的变迁 
第四节电子声学音乐 
一、电子声学音乐的概念 
二、电子声学音乐的代表作曲家与作品 
第五节计算机音乐 
一、计算机算法作曲 
二、计算机音乐的语言 
三、计算机音乐的特征 
四、计算机音乐的代表人物和作品 
第六节中国的新媒体音乐——走向多媒融合的电子音乐 
第二章MIDI音序技术 
第*节MIDI基本概念 
一、什么是MIDI 
二、MIDI的诞生与发展 
三、MIDI所涉及的领域 
第二节MIDI信息 
一、MIDI连接 
二、音符信息 
三、MIDI信息 
第三节MIDI通道与 
一、通道信息 
二、信息 
三、音色改变 
四、弯音 
五、控制改变 
第四节GM1格式文件 
一、GM1概要 
二、设置小节 
三、GM1音色 
四、控制 
五、GMl信息 
第五节GM2格式文件 
一、GM2概要 
二、设置小节 
三、GM2音色 
四、GM2控制 
五、GM2设定 
第六节GS格式文件 
一、概要 
二、设置小节 
三、一般音轨的设定 
四、节奏轨的设定 
五、基本设定 
第七节XG格式文件 
一、概要 
二、设置小节 
三、音色的选择 
四、声音的编辑 
五、效果的设定 
六、鼓组音色的编辑 
…… 
第三章物理声学与心理声学基础 
第四章数字音频技术 
第五章声音的与采样技术 
第六章互动电子音乐 
参考文献 
后记

 

《四川音乐学院电子音乐理论与技术丛书:电子音乐理论基础》内容内容包括：电子音乐发展简史、电子音乐的诞生、电子音乐的定义与分类、电子音乐的诞生背景、电子音乐先驱——皮埃尔·舍费尔、早期电子音乐、法国具体音乐、德国纯电子音乐、日本早期电子音乐等。 

音乐的结构与表达：一部探索西方音乐传统与现代声音景观的深度导览 书名： 《和声的建筑与声音的织体：从巴洛克到后现代的音乐语言解析》 作者： 埃里克·范德比尔特 出版社： 环球音乐学社 --- 内容导读 本书旨在为严肃的音乐学习者、作曲家、音乐理论研究者以及所有对西方音乐传统及其演变抱有深厚兴趣的读者，提供一套全面、深入且兼具批判性视角的音乐语言分析框架。我们拒绝将音乐理论视为僵化的规则集合，而是将其视为人类表达情感、构建结构、以及与历史对话的动态工具。全书共分五大部分，逻辑严密地引导读者从宏观的音乐史语境切入，逐步剖析具体的声音组织技法，最终抵达当代音乐实践的复杂前沿。 第一部分：古典语法的奠基与解构（The Foundations: Establishing and Challenging Classical Syntax） 本部分聚焦于17世纪晚期至19世纪中叶，即西方音乐“功能和声”体系发展至顶峰的时期。我们不满足于对基本三和弦和导和弦的简单罗列，而是深入探究和声在构建乐章宏大结构中的作用。 1. 调性空间与导向性： 详细分析了如何通过色彩和声（如减七和弦、那不勒斯六和弦）不仅在局部制造张力，更是在更宏大的结构层次上实现远距离调性转移。通过对莫扎特钢琴奏鸣曲第一乐章呈示部和再现部调性布局的详细图谱分析，揭示了“平衡”并非等量齐观，而是通过不对称的张力释放达成的听觉效果。 2. 对位法的再思： 考察了巴赫赋格结构中，主题的进入、移位与展开不仅是技巧的展示，更是对逻辑推演的听觉化。本书特别引入了“线索密度”的概念，用以量化不同声部间信息传递的复杂程度，并对比了早期对位与晚期浪漫主义中旋律线“独立性”的消解过程。 3. 形式的动力学： 探讨奏鸣曲式、回旋曲式等古典结构并非固定模板，而是针对特定情感表达的“容器”。通过对贝多芬晚期弦乐四重奏中“内省化”的结构处理，展示了作曲家如何通过对主题的碎片化处理和对传统段落界限的模糊，来实现更深层次的心理描绘。 第二部分：浪漫主义的无限延伸与异化（Romantic Expansion and Alienation） 本部分深入研究了19世纪音乐中，作曲家如何通过拓展调性边界、深化和声色彩来表达个体情感的极端化需求。 1. 和声的饱和与模糊： 重点分析了李斯特、瓦格纳等人的作品，特别是半音化进行和“不解决”的和弦如何从边缘走向核心。我们通过对《特里斯坦与伊索尔德》前奏曲的详细“泛调性”分析，论证了这种和声语言如何系统性地瓦解了传统功能关系的确定性，为20世纪的音乐变革铺平了道路。 2. 织体与配器的心理学： 考察了配器法从服务于旋律和和声的工具，转变为独立表达手段的过程。例如，如何通过特定乐器组合（如中提琴的独白、低音提琴的泛音）来描绘“不可言喻”的忧郁或崇高感。 3. 民谣与民族主义的和声语汇： 探究了德彪西、巴拉基列夫等如何从民间音乐、异域音阶中汲取灵感，从而在既有的古典框架内创造出新的“地方色彩”，这不仅是地域性的，更是对欧洲中心主义音乐美学的微妙反叛。 第三部分：世纪之交的革命与重构（The Turn of the Century: Revolution and Reconfiguration） 此部分是全书的转折点，聚焦于20世纪初音乐如何彻底颠覆了听觉习惯，并催生了多种并行不悖的理论体系。 1. 十二音体系的逻辑： 详尽阐述了勋伯格的十二音作曲法，不仅仅是音高的排列，而是一种全新的组织原则，试图在丧失传统调性的基础上重建音乐的逻辑必然性。我们分析了其“组合”的严谨性及其在结构构建上的限制与可能性。 2. 新古典主义的回溯与重塑： 对比了斯特拉文斯基等作曲家对巴洛克和古典形式的“引用”，指出这并非简单的复古，而是一种策略性的“剥离”——保留形式的骨架，但用完全现代的、非功能性的和声材料填充其中，创造出一种“疏离感”的音乐美学。 3. 节奏的解放： 探讨了梅西安的“移位节奏”和复杂的复节奏如何挑战了听众对时间流逝的感知。我们引入了数学模型来分析这些复杂节奏的内部结构，揭示了其看似随机背后的精密计算。 第四部分：战后实验与声音的边界拓展（Post-War Experimentation and Expanding Sonic Boundaries） 聚焦于二战后，电子技术、偶然性以及新的哲学思潮如何彻底冲击了作曲家的创作领域。 1. 序列主义的全面化： 从最初的音高序列，扩展到对力度、时值、音色等所有音乐要素的序列化控制。通过对布列瑟（Boulez）作品的案例分析，探讨了这种极端控制可能带来的听觉体验——一种“去人性化”的纯粹结构呈现。 2. 偶然性与开放形式： 深入分析了约翰·凯奇对“意图”的质疑。探讨了图形记谱法、开放形式（Open Form）如何将“不确定性”转化为音乐体验的核心要素，并讨论了观众参与在最终音乐作品完成过程中的角色。 3. 电子音乐的诞生与电声学分析： 介绍了早期磁带音乐的制作技术，以及电子合成器如何提供了传统乐器无法企及的音色库。重点分析了斯托克豪森等人在空间化声音处理上的先驱性工作。 第五部分：后现代的多元景观与综合（The Postmodern Landscape: Pluralism and Synthesis） 本部分关注当代音乐实践中的主要趋势，强调理论工具的融合与跨学科对话。 1. 极简主义与循环结构： 分析了赖利、史蒂夫·赖克等如何通过材料的极度简化和过程的缓慢推进，来重新激活听众对时间与重复的感知。揭示了这些看似简单的重复背后，隐藏着微妙的相位差和听觉幻觉的构建。 2. 频谱音乐与音色为王： 探讨了格里塞（Grisey）等人如何直接从自然界的声音实体——如乐器的泛音列——出发，构建音乐材料，使音色本身成为结构性组织的基础，而非和声或旋律的附属。 3. 音乐学的跨界应用： 讨论了声音景观研究、符号学分析在当代音乐研究中的重要性，以及如何利用计算机辅助分析工具来处理复杂的多媒体音乐作品。 --- 本书特色： 深度案例驱动： 每一理论概念都辅以来自巴赫到当代作曲家的关键作品的细致分析，避免了理论的空泛化。 批判性视角： 鼓励读者质疑既定范式，将音乐理论视为工具箱而非教条，培养独立分析能力。 多维度图示： 包含大量定制的谱例分析图、和声结构流程图以及音色频谱图，辅助复杂的听觉概念理解。 本书是音乐学院高年级本科生、研究生以及专业音乐工作者不可或缺的理论参考书目，它将带领读者穿越四个世纪的音乐演变，掌握解析任何复杂音乐文本所需的知识深度与思维广度。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在寻找一本能系统梳理电子音乐发展脉络的教材，市面上的东西大多碎片化严重，要不就是只讲理论而缺乏历史语境。这本书在这一点上做得非常出色。它不仅仅是理论的堆砌，更像是一部微型的“电子音乐社会学史”。从早期的磁带实验，到科隆学派的序列化思想，再到迪斯科和底特律Techno的兴起，作者都将其与当时的社会文化背景和可用的电子技术发展紧密结合起来。这种宏观的视角让我对自己所钟爱的音乐风格有了更深的敬意。比如，它对“重复性”在不同流派中哲学意义的探讨——在Minimal Techno中是冥想性的，而在Drum and Bass中则是能量的爆发点——这种思辨性的分析非常吸引我。它教会我，电子音乐不只是“噪音”或“机器音乐”，它承载着时代的技术进步和人类对时间、空间感知的全新探索。阅读体验非常流畅，像是在听一位知识渊博的长者讲述一个宏大而迷人的故事。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我本来担心这本“大学教材”会显得过于刻板和脱离实际应用，毕竟很多理论书籍写得让人昏昏欲睡。然而，这本书的实际效果却大大超出了我的预期。它在讲解结构和形式时，采用了非常清晰的“案例分析”模式。它会选取一些非常具有代表性的电子音乐作品（我猜是经过出版社严格授权的），然后拆解它们的结构、配器和音色处理。例如，在讲解“动态对比”时，它会直接引用某首经典Trance曲目的Intro和Breakdown部分进行对比说明，而不是仅仅停留在“响度变化”的抽象概念上。这种“理论指导实践，实践反哺理论”的教学闭环做得非常紧密。它并没有直接教你怎么使用某个插件，但它明确告诉你，在这个音乐段落里，你需要通过某种合成方式达到什么样的听觉效果，从而倒逼你去钻研如何实现它。对于那些希望从“模仿者”成长为“创造者”的音乐人来说，这本书提供了必要的底层逻辑框架，让我对自己的制作方向更有信心和清晰度。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我原本以为电子音乐理论会是一片晦涩难懂的“无人区”，毕竟我大学学的是金融，对乐理知之甚少。但这本书彻底颠覆了我的认知。它的叙事节奏把握得极好，不会让人在刚开始就被各种复杂的数学公式吓跑。其中关于“调性与和声在电子乐中的运用”那一章，简直是我的福音。作者巧妙地避开了传统古典和声的繁琐细节，而是聚焦于合成器音色和效果器如何替代传统乐队中的和声乐器，从而构建出具有空间感的“电子和声场”。我印象特别深的是对“低音线设计”的讨论，它不仅仅停留于音高，更深入到子低音（Sub-bass）的物理感受层面，这让我开始思考，在制作音乐时，我们听到的和我们身体感受到的震动，哪个在电子音乐中更具决定性。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，让理工科背景的人也能找到理解音乐的切入点，它教会你的不是如何“弹奏”，而是如何“思考”声音的结构和意图。我对它那种务实又富有洞察力的分析赞不绝口。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我这种对电子音乐充满好奇的新手量身定制的！虽然我还没完全啃完，但光是翻阅目录和前几章的导论部分，我就能感受到作者的用心良苦。它不像那些枯燥的学术著作，而是用一种非常生活化、易于理解的方式，把复杂的音乐理论概念拆解开来。比如，它对“合成器声音设计”的讲解，不是简单地堆砌术语，而是结合了实际的声波原理，让我这个零基础的人也能大致明白包络（Envelope）是如何塑造一个声音的起伏和特性的。我特别喜欢它在介绍节奏结构时，那种将传统音乐理论与现代电子舞曲（EDM）的节拍模式进行对比的方式，这一下子拓宽了我的视野，让我明白了为什么某些特定的节奏型在舞池中会那么“抓耳”。更值得称赞的是，书中穿插了大量历史背景的介绍，让我们知道今天的电子音乐是如何一步步演变而来的，而不是孤立地去看待技术和理论。这本书的排版和插图也非常清晰，有助于视觉理解，这对于学习理论知识来说至关重要。我感觉，有了它作为“拐杖”，我迈向真正理解电子音乐的步伐会稳健很多。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有几年制作经验的业余爱好者，我手里已经堆了不少入门级的教程了，但大多都是侧重于DAW（数字音频工作站）软件操作的“手把手”指南。这本书的出现，感觉就像是终于有人愿意深入到“幕后”去讲解原理了。我最欣赏它在“声音合成技术”部分展现的深度。它没有停留在减法合成（Subtractive Synthesis）的基础介绍上，而是花了大量篇幅去解析了波表合成（Wavetable Synthesis）和频率调制（FM Synthesis）在创造现代复杂音色中的作用和数学基础。虽然某些段落需要我反复阅读并对照外部资料进行理解，但这恰恰说明了内容的扎实程度。对我来说，这本书像是为我打开了一扇“黑盒”的侧门，让我知道为什么某些预设（Presets）听起来就是比我手动设置的要“高级”或“有味道”。它强迫我跳出“拖拽MIDI音符”的舒适区，去真正理解声音的生成过程，这对于追求原创性和独特音色的制作人来说，简直是醍醐灌顶。