正版音乐欣赏中国部分王世康西南师范大学出版社9787562150343 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王世康 著

图书标签:

• 音乐欣赏
• 中国音乐史
• 高等教育
• 教材
• 王世康
• 西南师范大学出版社
• 9787562150343
• 音乐理论
• 艺术类
• 文化艺术

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562150343

商品编码：29859852367

页数：296

图书基本信息
书名：	音乐欣赏中国部分
丛书名：	新课程音乐教育丛书
作者/主编：	王世康
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562150343
出版年份：	2010年

版次：	第1版
总页数：	296页
开本：	1/16
图书定价：	36.00元
实际重量：	699g
新旧程度：	正版全新

《音乐欣赏(中国部分)》是新课程音乐教育丛书之一。

 序前言开篇一、音乐是人类生活的亲密伴侣二、音乐修养是人才素质的标志之一三、音乐欣赏及音乐欣赏的方法、途径篇 民族民间音乐章 民歌节 发展概况第二节 民歌的分类一、号子二、山歌三、小调听一听哈腰挂(抬木号子)川江船夫号子脚夫调割莜麦(山曲)打只山歌过横排茉莉花绣荷包丢丢铜上去高山望平川阿里郎辽阔的草原牡丹汗唱一唱起锚(舟山渔民号子)?一对鸽子虚空里飞(花儿)走西口我的花儿 第二章 民间歌舞音乐节 发展概况第二节 民间歌舞的分类一、秧歌类二、采茶类三、花鼓类四、花灯类五、其他民间歌舞六、少数民族歌舞听一听哦热热调阿玛嘞火(囊玛)唱一唱凤阳花鼓跑旱船黄杨扁担(花灯调)杜鹃花儿开(斑鸠调)绣荷包(花灯调) 第三章 曲艺音乐节 发展概况第二节 曲种类别……第二篇 中国音乐作品

作为音乐院校的学生、音乐工作者和音乐教师，音乐欣赏能力是的能力之一，《音乐欣赏(中国部分)》就是为提高音乐欣赏能力而撰写的。作者在阐述音乐欣赏的意义、方法的基础上，精选各时期的经典音乐作品，并结合音乐发展的历史，以常见的音乐体裁为序，从作品赏析、作者简介、相关知识、曲目等几个方面进行展示。《音乐欣赏(中国部分)》集歌谱、文字介绍、音乐家照、珍贵资料及全部欣赏作品CD光碟为一体，既是一部丰富完整的音乐鉴赏手册，又是一部难得的宝贵的音乐资料。

音乐的史诗：一部跨越时空的和声之旅 （以下内容为一部名为《音乐的史诗：一部跨越时空的和声之旅》的图书的详细简介，此书内容与您提及的《正版音乐欣赏中国部分王世康西南师范大学出版社9787562150343》无任何关联。） --- 书籍名称： 音乐的史诗：一部跨越时空的和声之旅 作者： 埃莉诺·范德堡 (Eleanor Vanderbilt) 出版社： 环球视界文化出版集团 ISBN： 978-1-938765-42-0 内容提要： 《音乐的史诗：一部跨越时空的和声之旅》并非一本枯燥的音乐理论教科书，而是一次引人入胜的感官探险，带领读者穿越人类文明的褶皱，去聆听那些塑造了我们集体意识的旋律、节奏与结构。本书的宗旨在于揭示音乐如何作为一种普世语言，记录了人类的情感、冲突、信仰与变革，并探讨了技术、社会思潮如何反哺和重塑了音乐的形态。 本书结构宏大，分为四个主要篇章，每一篇章都聚焦于音乐发展史上的一个关键断代或核心主题，辅以深入的案例分析和详尽的文化背景梳理。作者范德堡教授，一位享誉国际的音乐人类学家和艺术史学家，以其深厚的学术功底和近乎文学的叙事笔触，成功地将复杂的音乐学概念转化为大众可以理解且津津乐道的历史画卷。 --- 第一篇：起源与神圣的共鸣——史前至中世纪的音乐 (The Primal Echo and the Sacred Resonance) 本篇追溯了音乐的“创世神话”。我们不再仅仅将音乐视为娱乐，而是探究其作为早期社会组织、仪式沟通以及精神慰藉的核心功能。 核心内容详述： 1. 人类喉咙的第一次振动： 探讨考古学证据中最早的骨笛、象牙号角，分析这些原始乐器如何服务于狩猎、部落集会和超自然仪式。讨论声音与空间（洞穴、山谷）的关系。 2. 美索不达米亚与古埃及的宫廷之声： 深入解析苏美尔的竖琴、埃及的西斯特鲁姆琴（Sistrum）在宗教庆典中的作用。着重分析书写符号（如楔形文字中对乐师的记载）如何间接证明了早期乐谱的雏形。 3. 古希腊的“和谐论”与宇宙观： 详细解析毕达哥拉斯对音程的数学化定义，以及柏拉图在《理想国》中对“精神音乐”（Musica Mundana）的哲学阐述。分析七音阶（Dorian, Phrygian等调式）如何被赋予特定的道德和情感属性。 4. 中世纪的圣咏统一体： 聚焦于格里高利圣咏（Gregorian Chant）在修道院中的发展与标准化过程。分析记谱法（纽姆谱）的出现如何标志着音乐从口头传统向精确记录的飞跃。探讨世俗音乐（如游吟诗人的歌谣）与教会音乐之间的张力与互动。 --- 第二篇：文艺复兴与巴洛克的辉煌结构——理性与激情的交织 (Renaissance Splendor and Baroque Drama) 本篇是西方音乐史上结构复杂性和情感表达爆发的时期。作者详细剖析了复调艺术的成熟以及“巴洛克时期”复杂情感的戏剧化表现。 核心内容详述： 1. 复调的黎明与人本主义： 考察佛兰德斯乐派（如奥克冈）如何精炼了模仿与卡农技术。解析人文主义思潮如何使音乐主题从单纯的神赞美转向对人类情感的细腻描绘，例如对文本意义的精准音画处理（Word Painting）。 2. 歌剧的诞生与“激情理论”： 细致重构16世纪末佛罗伦萨卡梅拉塔（Camerata）小组的讨论，探讨他们如何试图复兴古希腊戏剧，并催生了宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的二元结构。 3. 巴洛克的大师们与炫技时代： 深入分析巴赫的对位法艺术——《平均律钢琴曲集》如何彻底确立了十二平均律的地位。同时，考察亨德尔的清唱剧，特别是其宏大的合唱段落，如何反映了新兴市民阶层的审美需求。对维瓦尔第协奏曲的分析，则聚焦于其节奏的动力学和对器乐独奏的推崇。 4. 乐器学的革命： 详细描述小提琴家族（斯特拉迪瓦里等）的工艺高峰，以及键盘乐器（大键琴到早期钢琴）的演变如何直接影响了作曲家对音色和动态范围的想象。 --- 第三篇：古典主义的清晰、浪漫主义的沉醉——情感的量化与无限的追求 (The Clarity of Classicism and the Depths of Romanticism) 本篇对比了18世纪的结构平衡美学与19世纪对个体心灵世界的无限探索，展现了音乐如何成为社会和个人意识形态的放大镜。 核心内容详述： 1. 维也纳的黄金比例： 剖析奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为古典主义（海顿、莫扎特）最核心的逻辑框架。探讨在看似严谨的结构下，如何通过主题发展和转调来表达微妙的内心冲突。分析交响乐（Symphony）如何从宫廷娱乐转变为公共音乐会的中心。 2. 贝多芬：结构与意志的碰撞： 特别分析贝多芬晚期作品中，如何系统性地“打破”或“拓展”古典结构，尤其是在对位法运用和动机发展上的激进探索，预示了浪漫主义的到来。 3. 浪漫主义的个人史诗： 探讨舒伯特、肖邦和李斯特如何将“艺术歌曲”（Lied）和钢琴独奏提升到前所未有的文学和技术高度。分析标题音乐（Program Music）的兴起，如柏辽兹的《幻想交响曲》，如何试图用音乐直接叙述复杂的情节和潜意识的梦境。 4. 民族乐派的觉醒与色彩： 考察德彪西、德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何从民间音乐、民间传说中汲取灵感，构建具有地域特色的音乐身份，挑战德奥音乐的中心地位。 --- 第四篇：二十世纪的瓦解与重构——噪音、电子与全球化的和声 (The Twentieth Century: Deconstruction, Noise, and Global Harmony) 这是对传统音乐规范最为激进的一次冲击。本篇关注技术进步、两次世界大战的社会创伤以及全球文化交流对音乐本体论的颠覆。 核心内容详述： 1. 无调性与十二音体系的革命： 深入解读勋伯格的十二音技法，分析其背后的哲学动机——即在失去传统调性中心后，如何通过数学逻辑重建声音秩序。探讨其学生（贝尔格、韦伯恩）在情感表达上的不同走向。 2. 原始主义与节奏的暴力： 重点分析斯特拉文斯基《春之祭》首演引发的骚动，揭示其对原始冲动和非西方节奏的挪用如何反映了现代性的焦虑。 3. 电子音乐的出现与录音技术的反哺： 探讨皮埃尔·舍费尔的“具体音乐”（Musique concrète）和斯托克豪森的电子音乐工作室如何利用磁带和合成器，将声音本身（而非音高）作为作曲材料。分析录音技术如何使“完美演奏”的概念发生质变。 4. 爵士乐、摇滚乐与音乐的民主化： 探讨二十世纪大众音乐（特别是布鲁斯和爵士乐）如何挑战了古典音乐的精英地位，并反过来影响了严肃音乐家（如格什温、伯恩斯坦）的创作。分析全球化背景下，不同音乐文化间的交融与冲突，展望未来音乐可能走向的多元化路径。 --- 结语：倾听未来 本书的结尾部分，作者回归到对听众的直接对话，强调理解音乐史不仅仅是记住作曲家和作品名称，而是学会如何“积极地倾听”——如何识别结构、感受情感张力，并将音乐置于更广阔的人类历史语境中去品味。本书配有大量高清乐谱摘录、艺术插图以及推荐的对比听单，旨在为每一位渴望深入了解音乐艺术的读者，提供一张通往过去与未来声音世界的通行证。 本书适合人群： 音乐爱好者、艺术史学生、文化人类学研究者，以及任何对声音如何构建人类经验感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排，体现了一种非常成熟的学术体系构建能力。它不像市面上很多同类书籍那样零散堆砌资料，而是构建了一个严密、自洽的知识框架。从宏观的流派划分，到微观的技法分析，每一步都衔接得天衣无缝。我注意到，作者在每一单元的末尾都会设置一个“思考与拓展”的部分，这对我这种习惯于主动学习的人来说，简直是雪中送炭。这些问题并非简单的知识点回顾，而是引导性的、开放性的讨论，促使读者走出书本的既有框架，去联想、去批判性地思考。这不仅锻炼了我们获取信息的能力，更培养了一种独立研究的思维习惯。这种将学习者置于主动探索地位的设计理念，让这本书的价值远超于一本普通的参考读物，它更像是一位默默耕耘的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初对这种类型的书籍是抱有一丝保留的，总觉得学术著作难免晦涩难懂，充满了佶屈聱牙的术语。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。作者的文笔流畅自然，即便是涉及专业术语的解释，也处理得极其巧妙，他仿佛拥有将复杂概念“翻译”成日常语言的魔力。举个例子，他描述某种和声进行时，所采用的比喻是如此贴切和形象，以至于我立刻就能在脑海中勾勒出声音的画面感。这种高超的文字驾驭能力，使得阅读过程中的枯燥感荡然无存，甚至时常会因为某个精妙的句子而会心一笑。对于那些希望在不牺牲学术严谨性的前提下，获得轻松阅读体验的读者来说，这本书无疑提供了一个绝佳的范本。它证明了知识的深度和阅读的愉悦性，是完全可以并存的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常吸引人，硬壳的封面带着一种典雅的质感，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是经过精心制作的。内页的纸张选择也很考究，那种微微泛黄的米白色调，阅读起来非常舒适，长时间盯着也不会觉得眼睛疲劳。更值得称赞的是，排版布局的处理堪称一绝，字体大小适中，行距疏朗有致，即便是初次接触这类专业书籍的人也能轻松上手。我尤其喜欢它在章节划分和重要概念突出上的用心，那些关键术语被加粗或用不同字体标注出来，使得学习的逻辑脉络清晰可见，仿佛有一个经验丰富的向导在身边，指引着我们探索知识的深处。这种对细节的极致追求，让阅读本身变成了一种享受，而非负担。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品，放在书架上也是一道亮丽的风景线，彰显了出版方对品质的坚守。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末的时间来沉浸式阅读这本书的开篇部分，体验感简直是醍醐灌顶。作者在阐述音乐现象时，那种由浅入深、层层递进的叙述方式，极大地降低了理解复杂理论的门槛。他似乎非常擅长捕捉初学者的思维盲区，总能在最关键的节点提供一个巧妙的比喻或者一个生动的实例，瞬间打通理解的任督二脉。比如，他对某一特定音乐风格的起源和演变过程的梳理，简直是教科书级别的示范。他没有停留在枯燥的年代时间线罗列上，而是深入挖掘了背后的社会文化土壤，将音乐的发生与时代的脉搏紧密地联系在一起。读完相关章节后，我感觉自己对以往听过的那些旋律有了全新的、更深层次的认识，仿佛打开了一个新的感官世界的大门，之前只是“听见”，现在开始真正地“懂得”了。这种由表及里的洞察力，是这本书最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

在使用这本书进行一段时间的学习后，我深切感受到它所提供的参考资料和案例库的丰富程度。这绝非一本空谈理论的“架上书”，它真正做到了理论与实践的紧密结合。每一个重要的理论节点，作者都附带了详实、准确的曲例分析，这些例子不仅涵盖了经典作品，还囊括了一些更具时代代表性的新近作品，显示了作者视野的广阔和与时俱进的研究态度。我特别欣赏它对不同时期、不同地域音乐风格的平衡处理，没有偏废任何一个重要分支。每一次查阅，都能从中挖掘出新的信息点，这使得它在长期的学习和研究过程中，保值率极高，几乎可以作为案头必备的工具书。它不仅仅是在传授“是什么”，更重要的是，它在教导我们“如何去分析”和“如何去聆听”，这种方法论层面的指导，其意义非凡。