加德纳艺术通史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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弗雷德·S·克雷纳，克里斯汀·J·马米亚 著，李建群 等 译

图书标签:

• 艺术史
• 西方艺术
• 艺术鉴赏
• 加德纳
• 艺术通史
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术理论
• 文化史

出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535632630

版次：1

商品编码：11185386

包装：精装

开本：8开

出版时间：2013-02-01

用纸：胶版纸

页数：918

产品特色

编辑推荐

　　2013年全新版本，欧美大学专业教科书，中央美术学院专业翻译团队，1200余幅高质量原版大图。

内容简介

　　《加德纳艺术通史》因广受好评而不断再版，成为读者众多，流传较广的英文艺术史书籍。同时还被美国许多大学选为艺术史专业的教材，又是一本颇具专业的艺术通史类教科书。该书遵循加德纳的基本框架，以“全景化”的视角来阐释艺术发展的主旨，内容从史前到20世纪的后现代主义艺术，涉及绘画、雕塑、建筑、设计、摄影及工艺美术等多个艺术门类，体现出权重平衡的整体观和客观性。在全面的基础上，加德纳艺术通史还注重图像完整的历史与文化背景，以及它在过去和现在的不同学术地位，为相关专业的学生、老师以及有这方面兴趣的人士提供了更多的帮助。相较之前的各种版本，《加德纳艺术通史》新增了丰富的图像与文字资料，并且图像和翻译的质量也有大幅提高。

作者简介

　　弗雷德·S·克雷纳（Fred.S.K，公元1948-），美国知名艺术史学者，毕业于美国哥伦比亚大学，获艺术和考古学博士学位，曾任波士顿大学艺术史和考古学系主任，《美国考古杂志》主编，耶鲁大学客座教授。现为波士顿大学教授。
　　
　　李建群，现为中央美术学院美术史系教授，外国美术教研室教师，硕士研究生导师。主攻西方近现代美术史。1984-1987年中央美术学院美术史系研究生，获硕士学位；1987至今，中央美术院美术史系教师；1992-1993年，伦敦大学考陶尔美术学院访问学者，主修中世纪美术；2002年，伦敦大学大学学院美术史系高访学者，主修英国美术史，西方女性艺术研究。该书由李建群女士组织中央美院师生一流翻译团队集体完成。

内页插图

目录

前言
绪论
艺术史的研究对象与专业词汇
21世纪艺术史
艺术史家所面临的问题
艺术史家所使用的词汇
艺术史与其他学科
不同的观看方式

一、艺术的诞生
石器时代的非洲、欧洲与近东艺术
旧石器时代艺术
新石器时代艺术
小结

二、文明的起源
古代近东艺术
阿卡德、新苏美尔、巴比伦与赫梯艺术
埃兰与亚述艺术
新巴比伦与阿契美尼德波斯艺术
萨珊艺术
小结

三、法老与来生
古埃及艺术
前王朝时期及早王朝时期
古王国
中王国
新王国
晚期
小结

四、米诺斯与荷马的英雄
史前爱琴海艺术
基克拉泽斯艺术
米诺斯艺术
迈锡尼艺术
小结

五、神，英雄与运动员
古希腊艺术
希腊人文主义
几何风格与东方化时期
古风时期
古典早期与盛期
古典晚期
希腊化时期
小结

六、罗马人之前的意大利
伊特鲁里亚艺术
早期伊特鲁里亚艺术
晚期伊特鲁里亚艺术
小结

七、从七丘之城到三洲之国
古罗马艺术
共和国时期
庞贝与维苏威火山
帝国早期
帝国盛期
帝国晚期
小结

八、异教徒、基督教徒和犹太教徒
古代晚期艺术
地下墓穴和墓葬艺术
建筑与镶嵌画
奢侈艺术
小结

九、东方的罗马
拜占庭艺术
拜占庭早期艺术
圣像破坏运动
拜占庭中期艺术
拜占庭晚期艺术
小结

十、罗马陷落之后的欧洲
西方早期中世纪艺术
封建领主割据时期
爱尔兰-撒克逊艺术
穆萨拉比艺术
加洛林艺术
奥托艺术
小结

十一、朝圣的时代
罗马式艺术
建筑
雕塑
绘画
小结

十二、伟大主教堂的时代
哥特式艺术
法国哥特式
法国以外的哥特式
小结

十三、从哥特到文艺复兴
14世纪意大利
城市国家
一场与中世纪精神背道而驰的艺术运动
小结

十四、虔敬、激情与政治
15世纪北欧与西班牙艺术
法国的插画手抄本
15世纪的佛兰德斯艺术
15世纪的法国艺术
15世纪的德国艺术
15世纪的西班牙艺术
小结

十五、人文主义和古代遗产的魅力
15世纪的意大利艺术
佛罗伦萨
肖像画的兴起
虔诚与爱
慷慨的宫廷
世纪末的骚乱
小结

十六、意大利艺术中的美、科学和精神
盛期文艺复兴和样式主义
盛期文艺复兴
样式主义
16世纪晚期建筑
16世纪晚期的威尼斯艺术和建筑
小结

十七、宗教改革的时代
16世纪的北欧和西班牙艺术
新教改革
基督教人文主义
神圣罗马帝国
法国
尼德兰
西班牙
小结

十八、教皇、农民、君主和商人
巴洛克艺术
17世纪的欧洲
17世纪的巴洛克艺术
18世纪初的晚期巴洛克艺术
小结

十九、思想启蒙运动及其遗产
18世纪晚期到19世纪中期艺术
洛可可：法式趣味
启蒙运动:哲学和社会
启蒙运动：科学和技术
伏尔泰与卢梭:科学与“自然”品位
对古典主义兴趣的复苏
从新古典主义到浪漫主义
浪漫主义的兴起
风景画中的想象和情绪
各种建筑风格的复兴
摄影
小结

二十、现代主义的兴起
19世纪晚期艺术
现代主义的发展
前卫的兴起
世纪末文化
19世纪晚期的其他建筑风格
小结

二十一、现代主义的发展
20世纪早期艺术
社会革命与世界大战
20世纪早期的欧洲表现主义
接受抽象
挑战艺术传统
横跨大西洋的艺术对话
一战后的欧洲艺术
新社会，新艺术-乌托邦理想主义
有机性
20世纪30年代，为政治服务的艺术
移民者和流放者：
为20世纪中期的美国艺术注入活力
小结

二十二、后现代与后现代之后
20世纪晚期艺术
艺术中心向西转移
战后的欧洲表现主义
现代主义形式主义
现代主义形式主义之外的选择
艺术为公众服务
新的建筑模式：从现代主义到后现代主义
后现代主义：绘画、雕塑与新媒体艺术
艺术和艺术史的未来
进入21世纪
小结
附录一
名词解释
附录二
博物馆、美术馆、画廊及收藏机构名录
收藏基金会与收藏家名录
附录三
参考书目

精彩书摘

　　喷泉中的胜利
　　在希腊化时期的巴洛克作品中也有非阿塔洛斯王朝的作品，这尊耸立在萨莫色雷斯岛大神圣所（Sanctuary of the Great Gods）中的胜利女神像（Nike of Samothrace，图5-82）就是一个例外。胜利女神站在一艘希腊战舰的舰首，她的右臂（已佚）高高举起，正在为海战的胜利者加冕。在这里，我们可以比较一下宙斯祭坛上给雅典娜加冕的胜利女神（图5-79）。相较之下，帕加玛的浮雕女神像显得更加平静，而萨莫色雷斯的胜利女神则更富戏剧性—她的双翼仍在拍打，风拂起她的衣裙，她的长袍缠绕着她的右腿堆起厚厚的褶皱，她的外衣紧紧地贴着腹部和左腿。雕像的基座—战舰，被陈列在一座两层喷泉的上层水池中，下层水池中是一块巨大的圆石，从喷泉中喷出的水柱营造出一种激浪在冲撞战舰的错觉。雕像在水中的倒影强调了它的光影感与运动感，喷溅的水声则在听觉层面上加强了雕像的戏剧性效果—在这里，艺术与自然的结合成就了有史以来最成功的雕像作品。波留克列特斯曾经认为，雕塑应该是一个具有完美比例的自足实体，不应过于装饰。然而，在希腊化时期的作品中，雕塑家们彻底摒弃了这种观念—他们的作品与环境充分互动，就像是一个活生生的且十分情绪化的人（或神）。
　　……

前言/序言

　　能够向大家介绍《加德纳艺术通史》的第12版我们倍感荣幸。它是读者最多的英语艺术史入门读物。1926年，在这部经典的世界艺术与建筑纵览出版之时，海伦·加德纳不可能想到在60年后世界各地的教师们还会在教室里使用这本书作为教材。作为人文与社会科学最佳大学教材，《加德纳艺术通史》的第11版同时获得了2001年教科书与高等院校作者协会的教材奖，以及麦格菲图书奖—这无疑会让她特别引以为豪。这是第一部获得这些奖项的历史书，也是在同一年份获得这两种奖项的唯一书目。
　　我们拥有与海伦·加德纳一样的信仰，我们相信艺术史对于文科教育而言是至关重要的。艺术史研究的宗旨是欣赏与理解人类在历史长河中生产出来的具有高度艺术质量与历史意义的作品。和她一样，我们认为讲述历代艺术故事的最有效方式是将这些数量浩繁的艺术杰作按制造它们的文明来进行组织，以大致的时间先后顺序来考察每一件作品。对于首次研究艺术史的人而言，这种方法尤为适用。这种方法不仅经受了时间的考验，而且还是讲述艺术历史的最适当方式。我们认为，绘画、雕塑、建筑以及其他艺术品外形与含义的巨大变化，在很大程度上是艺术家与雕塑家们身处的日新月异的历史、社会、经济、宗教与文化背景发展的结果。因此，以历史为依据的叙事最适用于艺术史纵览。
　　然而，从另一些方面看，海伦·加德纳也许认不出《加德纳艺术通史》的第12版就是自己的那部著作。比如，毕加索与戴维斯不再出现在“欧美当代艺术”的这一章。然而，更重要的是，最近几十年间艺术史学科已然发生了显著变化，因此这部书也必须做出相应改变。第12版反映了最新的艺术史研究重点，同时保留了《加德纳艺术通史》之前各版本的传统优点。在继续关注风格、时间顺序、图像志与技巧的同时，我们比以往任何一版都更加关注作品的功能与背景。在考察作品时，我们会考虑在生产出它们的那个社会中，在生产它们的那个时候—它们的目的与含义。我们还关注赞助制度在艺术生产中至关重要的作用，考察那些付钱给艺术家，并影响艺术作品的个人与团体的作用。我们将用比以往更多的篇幅介绍女性以及女艺术家在社会中的角色。自始至终，我们都致力于将艺术与建筑的历史、政治与社会背景结合起来。因此，我们常常将绘画、雕塑、建筑和所谓的次要艺术放在一起处理，强调它们如何共同反映了一个文化的传统与抱负，而不是将它们当做独立的、截然不同的媒介进行处理。并且，我们所描绘的许多作品直到最近，艺术史家还认为其根本不是“艺术”。在每一章中，我们在选择艺术品时都试图反映当今学者们日益扩张的兴趣范围，同时也不摒弃传统的“伟大”作品列表或“经典”观念。作品的选择囊括了几乎每一种艺术媒介以及每一个时代的文化。
　　即便就第11版而言，我们所作的变更也是显而易见的。将第11版与第12版放在一起看的人对于这一点立刻就会一目了然。两个版本都有1400多张照片、平面图与素描。但是，在新版中，几乎每一幅照片都是彩色的。唯一例外的是那些以黑白创作的作品（例如版画或照片）以及少量我们无法获取能达到我们极高复制标准的彩色图片的其他艺术杰作。
　　《加德纳艺术通史》的每一个版本都经过严格的审校过程，第12版也不例外。每个章节都经过各领域专家的阅读，有些章节经过多达6位专家的审校，以确保文本符合加德纳艺术史准确且可读的名声。每一章都作了修改，有些几乎整章重写。各章都有上乘的新彩色插图，每章开头都有一页作为各时期代表作的整幅图片。
　　为了响应同学们的要求，《加德纳艺术通史》新版的每一章都以短小的结语结束，总结了所讨论的主要主题。每一章结束页，都有一幅关于该章所介绍材料的大事年表，布置成纵向的时间表，并附四幅“微型”插图作为各种媒介的代表作，通常至少包括一幅绘画、雕塑与建筑插图。每一幅微型插图都有编号，相应的编号出现在左方的“时间轴”中，这样，创作的时间先后顺序就十分清楚了。

探寻艺术的宏大叙事：一部穿越时空的视觉之旅 书名：《光影与尘埃：西方艺术史的千年回响》 内容简介： 本书并非对既有艺术史巨著的简单复述，而是一次深入挖掘、重新审视西方艺术思想与实践的独立探索。我们试图拨开时间的迷雾，聚焦于那些驱动艺术变革的关键时刻、被主流叙事长期忽视的边缘声音，以及技术、社会结构与艺术本体论之间复杂而微妙的相互作用。这不是一本关于“谁是谁的作品”的编年史，而是一部关于“艺术如何成为我们理解自身的一种工具”的哲学论述。 第一部分：原始的冲动与古典的理性——从洞穴壁画到希腊神殿的断裂与融合 我们的旅程始于人类对意义构建的最早尝试——拉斯科和阿尔塔米拉的洞穴壁画。我们不满足于将其视为单纯的“史前艺术”，而是将其解读为人类首次尝试将“可见之物”转化为“可被交流的概念”的符号学前奏。这些图像如何处理生命、死亡与狩猎的循环？它们与后世宗教图像的内在逻辑有何关联？ 随后，我们将目光投向古埃及和美索不达米亚的纪念碑性艺术。重点不在于对法老权力的描摹，而在于其对“永恒性”的执着追求——如何通过程式化、层级化的构图来抵抗时间的侵蚀。 真正的转折点出现在古希腊。我们拒绝将古希腊艺术简化为对“完美人体”的赞颂。相反，我们将探讨“理想化”背后的伦理学基础：从古风时期的僵硬到古典盛期的“沉思的平衡”（Sophrosyne）。重点分析斐狄亚斯和波留克列特斯如何通过数学比例（如《法则》）试图捕捉宇宙秩序，并探讨晚期希腊化艺术中个体情感的爆发如何预示着罗马的世俗化转向。 罗马艺术，常被视为希腊风格的继承者，在此书中被重新定位为“权力实施的工具”。从共和国时期的写实肖像（Verism）到帝国宏伟的公共叙事（如图拉真纪功柱），我们关注的焦点是媒介的选择（青铜、大理石、镶嵌画）如何服务于政治宣传的效率，以及罗马人如何将叙事性融入建筑空间，创造出一种全方位的沉浸式体验。 第二部分：信仰的景观与形体的重构——中世纪的灵性与拜占庭的威严 中世纪的艺术，往往被误解为“黑暗时代的停滞”。本书将揭示其内在的深刻逻辑和极高的精神追求。我们深入探讨早期基督教的象征体系，考察罗马晚期墓葬艺术如何演变为教堂内的教义阐释空间。 拜占庭艺术，作为连接古典遗产与未来欧洲的关键枢纽，其重要性不言而喻。我们着重分析圣像（Icon）的“窗户”理论——圣像并非描绘人物，而是提供一个通往神圣实体的通道。这种对平面化、对称性和非物质性的坚持，与西方对空间透视的迷恋形成了鲜明的对照。 在西欧，从加洛林文艺复兴到罗马式艺术，我们考察修道院文化如何保存并改造了古典遗产。罗马式教堂的“野蛮”力量、野兽纹样与清晰的教化主题相结合，形成了一种面向信徒的、触觉化的信仰体验。 第三部分：人性的觉醒与视觉的革命——文艺复兴的视角、解剖与人文精神 文艺复兴的爆发并非偶然。我们将探讨佛罗伦萨作为商业中心如何催生了对个体成就和世俗赞助的渴望。本书对透视法的分析超越了布鲁内莱斯基的技术发明，而将其置于哲学层面——透视法如何重塑了人与世界的关系，将观察者置于宇宙的中心。 对于达·芬奇，我们侧重于其对光学、水利学与人体解剖学的交叉研究，如何影响了其绘画中对“晕染法”（Sfumato）的运用——一种对可见世界不确定性的承认。 米开朗基罗的雕塑，不仅是新柏拉图主义的体现，更是对人类身体潜能的极限探索。我们对比其对大卫像与西斯廷天顶画中“未完成”（Non-finito）手法的不同处理，以揭示其精神挣扎。 威尼斯画派的色彩革命，特别是提香，标志着“线条的退位”与“色彩作为主要表达手段”的崛起。这种对光线与氛围的捕捉，预示着巴洛克时代对感官刺激的追求。 第四部分：动感的戏剧性与启蒙的反思——巴洛克、洛可可与新古典的张力 巴洛克艺术是权力、情感与运动的狂想曲。卡拉瓦乔的极端明暗对比（Tenebrism）不仅是戏剧效果，更是对“神圣介入平凡瞬间”的有力描绘。我们分析贝尼尼的雕塑如何将雕塑、建筑和光线融合成单一的、令人震撼的舞台。 洛可可风格，常被轻视为颓废，在此书中被视为对前一时代宏大叙事的一种“优雅的逃离”——一种聚焦于私人生活、亲密关系与感官愉悦的文化回应。 随后，新古典主义的回归并非简单的复古。它是一种对启蒙运动理性、公民美德和革命理想的视觉编码。大卫的作品是政治纲领的视觉化，它试图用古罗马的庄严来规范当代社会。 第五部分：机器的时代与主观的爆发——浪漫主义至现代艺术的决裂 浪漫主义是对启蒙理性过度扩张的反叛。戈雅的黑暗、德拉克洛瓦的色彩激情、透纳对“崇高”（Sublime）体验——即自然力量的压倒性——的捕捉，都标志着艺术从再现世界转向表达内心世界的本质。 19世纪中叶，照相术的出现对绘画的“记录”功能构成了根本性的挑战。现实主义的兴起是对工业化社会中被压迫者的关注，是对“非美”题材的接纳。 印象派是视觉史上的一个奇点。我们探讨其如何受到光学理论和日本浮世绘的影响，彻底放弃了传统的造型观念，转而捕捉瞬间的视觉感知，即“时间本身”而非“物体”。 后印象派（塞尚、梵高、高更）则在这一基础上，开始构建个人的、结构性的或象征性的“新实在”。塞尚对几何形体的还原，为20世纪的立体主义奠定了结构基础。 第六部分：碎片化与重构——二十世纪艺术的多元宇宙 现代艺术的开端，是艺术史上最剧烈的断裂。立体主义如何将物体拆解并从多个视角重组，挑战了文艺复兴以来约定俗成的空间观念。 我们详细分析了“非再现性”的诞生：从康定斯基的纯粹抽象到蒙德里安的几何秩序，艺术如何试图摆脱对外部世界的依附，转向纯粹的形式与精神表达。 达达主义和超现实主义是对战争和理性逻辑的深刻反思。本书侧重于这些运动如何利用“偶然性”、“梦境逻辑”和“现成品”（Readymade）来质疑艺术品的“光环”和作者的权威。 二战后，抽象表现主义将战场从外部世界转向艺术家的内心战场。波洛克将行动本身转化为作品的核心，使创作过程具有了与结果同等重要的地位。 结语：后现代的迷宫与未来的回响 本书最终将探讨波普艺术对消费文化的挪用，极简主义对艺术本体的纯粹探寻，以及观念艺术对“物”的彻底颠覆。我们不再追问“什么是好的艺术”，而是审视“艺术的边界在哪里”，以及在图像信息爆炸的时代，艺术如何继续扮演批判者、记忆的保管者和想象力导师的角色。 本书力求提供一种动态的、批判性的艺术史观，鼓励读者不仅欣赏艺术的表象之美，更要理解其背后的权力结构、技术革新和社会焦虑。这是一部邀请你亲自参与这场视觉对话的著作。

评分☆☆☆☆☆

这本鸿篇巨制简直是艺术爱好者的福音，它不是那种干巴巴的教科书，读起来更像是一位博学又风趣的向导，带着你穿越时空，漫步在世界艺术的殿堂里。我印象最深的是它对不同时期艺术思潮的剖析，那种深入骨髓的洞察力，让你明白了为什么某个时期的艺术家会选择那种独特的表现手法。比如，书中对文艺复兴时期人文主义精神如何渗透到绘画和雕塑中的论述，就极其到位，它不仅仅是罗列作品，而是把作品背后的社会土壤和哲学思辨都给你挖掘得清清楚楚。阅读体验非常流畅，即便是对某些晦涩难懂的现代艺术流派，作者也总能找到一个巧妙的角度切入，用通俗却不失深度的语言来阐释其核心价值。我个人特别喜欢它在比较不同文化艺术风格时的那种细腻笔触，比如将古希腊雕塑的理想化与古罗马的写实主义进行对比，那种跨越地域和时间的对话感，让人拍案叫绝。它成功地将复杂的艺术史脉络梳理成清晰的叙事线，让你在享受阅读乐趣的同时，不知不觉间就构建起了一个完整而坚实的艺术知识框架。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调，这本书最迷人的地方在于其独特的叙事“温度”。它没有采用那种高高在上的学术腔调，而是用一种近乎朋友间的分享口吻，娓娓道来。阅读时，我感觉自己不是在被动地接受知识灌输，而是在和一个对艺术充满热情的前辈进行深度交流。这种代入感极大地降低了艺术史学习的门槛。例如，书中对于某些艺术家个人生活与其创作状态之间关系的探讨，写得极其生动，那些关于灵感迸发、创作瓶颈的描述，充满了人性的光辉与挣扎。它成功地将那些遥不可及的艺术大师，还原成了有血有肉的创作者。正是这种对“人”的关注，使得那些冰冷的年代和作品获得了鲜活的生命力，让人在赞叹艺术成就的同时，也能对创作者产生深深的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的深度和广度都超出了我的预期。我原本以为这种“通史”类的书籍，为了覆盖面广，难免会在细节上有所取舍，但事实证明我的担心是多余的。它在关键转折点上的论述，简直是教科书级别的精准。特别是在描述巴洛克艺术向洛可可风格过渡时，作者对于权力结构变化如何影响艺术赞助和审美取向的分析，逻辑严密，论据充分，让我对那个时期的社会史有了全新的认识。更值得称赞的是，它对非西方艺术的介入并非蜻蜓点水，而是给予了足够的篇幅和尊重，书中关于伊斯兰建筑的几何美学以及东方水墨画的意境表达，都有独到的见解。阅读过程中，我常常需要停下来，去查阅那些被提及的艺术家的生平，或者去搜索那些画作的高清图，因为它激发出的求知欲是难以抑制的。这本书的价值，绝不仅仅在于它提供了“什么”艺术，更在于它解释了“为什么”艺术会那样发展，那是一种对人类文明进程的深刻反思。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和视觉呈现绝对是加分项，这对于一本艺术史读物来说至关重要。虽然我不能在这里提及具体的插图或版式细节，但可以肯定的是，它在视觉上传达信息的能力非常强。它巧妙地平衡了文字的密度和图像的展示，做到了既不让文字显得枯燥冗长，也不让图片成为单纯的装饰。我尤其欣赏作者在叙事节奏上的把控，该快则快，一笔带过那些发展平稳的时期，但在遇到革命性的艺术变革时，笔墨会瞬间变得凝重而细致，仿佛放慢了镜头，让你能清晰捕捉到每一次美学上的“爆炸”。这种张弛有度的叙述，让读者在面对漫长的时间跨度时，依旧能保持高度的专注力。读完某个章节后，那种满足感，就像是爬上了一座高山，将整个艺术领域的风景尽收眼底，却又不会感到丝毫的疲惫。

评分☆☆☆☆☆

这是一部需要反复品读的案头书。我发现自己时不时地会随机翻开某一页，重新阅读某一段关于媒介演变或者材料革命的论述。这本书的结构安排非常精妙，它不仅关注了绘画和雕塑，还对建筑、设计乃至摄影的早期发展给予了足够的关注，构建了一个多维度的艺术生态系统。它最令人称道的一点，是其批判性思维的引入。作者并非盲目地推崇“经典”，而是敢于质疑既有的评价体系，引导读者去思考“什么是好的艺术”以及“谁来定义艺术”。这种不完全服从既有定论的学者风范，让整本书的立意拔高了一个层次。它不仅仅是艺术史的记录者，更是一位引导我们重新审视美学标准的思想者。每次重读，都能从中挖掘出新的层次和理解，可见其知识的密度和韧性。

评分☆☆☆☆☆

外包装完好，可是里面的这本书八个角有四个不同程度受损，其中书脊一侧两只书角已碎裂，塑封也多处破损，而另外的书和碟片都完好无损，估计加德纳艺术通史这本书装箱前就是如此。就当中了一次奖，不退货了。

评分☆☆☆☆☆

不错，很厚实，图片也还挺清楚的，五十多块一本，很知足了

评分☆☆☆☆☆

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这本书居然比当当贵了六十八块……京东满2 0 0减1 0 0，当当满1 0 0减5 0

评分☆☆☆☆☆

实用性，有趣，详细

评分☆☆☆☆☆

红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚红红火火恍恍惚惚

评分☆☆☆☆☆

这本书比我想象的大多，特别重。拿起来都很费劲，大小如图。618五十多块钱到手

评分☆☆☆☆☆

书角跌破了，伤心！！！那么贵、那么精美的书，为什么不能用心包装运送呢？

评分☆☆☆☆☆

好大一本，特别精美，活动的时候很划算