王羲之：唐诗 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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江锦世 编

图书标签:

• 书法
• 唐诗
• 王羲之
• 中国古典文学
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• 书法艺术
• 文学

出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102078793

版次：1

商品编码：12273457

包装：平装

丛书名： 王羲之

开本：8开

出版时间：2017-12-01

用纸：胶版纸

页数：71

正文语种：中文

内容简介

　　《王羲之：唐诗》为王羲之书法集字唐诗，所选唐诗为家喻户晓的作品。
　　《王羲之：唐诗》适合广大书法爱好者临摹学习，是较好的普及范本。
　　《王羲之：唐诗》所选内容也很好地贴切弘扬中国传统文化的理念。

内页插图

好的，以下是关于一本名为《山水之间：中国山水画的意境与传承》的图书简介，此书内容与《王羲之：唐诗》无关。 --- 山水之间：中国山水画的意境与传承 引言：笔墨丹青，寄托山河 自古以来，中国山水画便以其独特的审美视角和深邃的哲学内涵，在世界艺术之林中独树一帜。它不仅是对自然景物的描摹，更是画家“胸中丘壑”的物化呈现，是中国人精神世界与自然万物和谐共处的生动写照。《山水之间：中国山水画的意境与传承》一书，旨在带领读者穿越历史的长河，深入探索中国山水画从萌芽、发展到成熟的演变历程，细致剖析其核心的艺术思想、独特的技法体系以及深远的人文精神。 第一部分：源起与雏形——从“可游”到“可居”的转变 本书的开篇，将追溯中国山水画的源头活水。在先秦时期，山水观念已深植于哲学思想之中，《道德经》中“道法自然”的思想为后世山水画奠定了理论基础。汉魏六朝时期，山水开始从人物画的背景中独立出来，形成了初步的形态。 1. 魏晋风骨与玄学思潮： 这一时期的山水画，带有浓厚的玄学色彩，画家们追求的已非单纯的形似，而是通过山水来寄托对人生、宇宙的思考。顾恺之的“以形写神”理论，虽主要针对人物，但其精神已渗透到早期山水画的创作中。本部分将重点探讨宗炳提出的“卧游”理论，即画家无需亲临现场，只需凭胸中丘壑便可描绘出壮丽山河的理念，这是中国山水画从客观再现向主观表现迈进的关键一步。 2. 隋唐气象的奠基： 隋唐盛世，国力强盛，山水画也展现出恢弘大气的面貌。李思训父子的“金碧山水”，以其富丽堂皇的设色，奠定了唐代山水画的宫廷气象。但更具革命性的是王维的出现。王维提出的“诗中有画，画中有诗”，将文学的意境融入绘画，使得山水画的审美标准第一次与文学高度对齐，开启了文人山水画的先声。我们将详述水墨技法的初步运用，及其对后世的深远影响。 第二部分：文人画的崛起与山水精神的确立 唐代中后期至宋代，是中国山水画发展的黄金时期。随着士大夫阶层地位的提升，山水画彻底脱离了工匠的范畴，成为士人表达志向、寄托情怀的重要载体。 1. 荆浩、关仝与北派的雄浑： 五代时期，以荆浩、关仝为代表的北方画家，创作了气势磅礴、结构严谨的巨制。他们的作品展现了黄河流域山川的雄伟与险峻，用笔老辣，墨法精湛，奠定了后世巨碑式山水的范本。本书将通过对《匡庐图》《雪景山水图》的细致分析，展示其“势”与“骨”的完美结合。 2. 南宋“四家”与意境的内化： 到了南宋，随着政治格局的变化，山水画的审美转向内敛与抒情。以李唐、刘松年、马远、夏圭为代表的“南宋四家”，创造了极具个人风格的“边角之景”和“一角之雄”。马远的“留白”手法，以及夏圭的“半边”构图，体现了画家对空间、时间乃至生命的哲学思考。留白不再是空白，而是“计白当黑”，是无限可能的意境所在。 3. 宋代理论的成熟： 郭熙的《林泉高致》是山水画理论史上的里程碑。书中提出的“可行、可望、可游、可居”的审美层次，系统地构建了山水画的审美体系。本书将深入解读这些理论对后世元明清画家的指导意义。 第三部分：元四家的笔墨革命与元气淋漓 元代，蒙古人的统治使得汉族文人阶层被迫退隐山林，山水画的创作重心彻底转向抒发胸臆、表达“郁勃之气”。 1. 元四家的精神肖像： 倪瓒的“逸笔草草，不求形似”，代表了文人画对笔墨趣味的极致追求，其画面中萧疏冷寂的意境，是其高洁人格的投射。黄公望的《富春山居图》，则展现了对生活的热爱与对山川的深厚情感，其“皴法之妙”成为后世学习的圭臬。赵孟頫倡导的“复古”精神，强调笔墨的本体价值，将书法用笔引入山水画，使之成为一种高度成熟的书写艺术。 2. 墨分五色的探索： 这一时期，墨法的运用达到了空前的多样性。董源、巨然开创的江南山水风格，通过浓淡干湿的墨法变化，表现出江南水乡温润秀美的特质，为后来的吴门画派奠定了基础。 第四部分：明清的流派纷呈与传统的深化 明清两代，山水画发展出更加多元和世俗化的倾向，流派众多，但其核心仍是围绕着对“古法”的继承与创新展开。 1. 吴门画派的典雅： 以沈周、文徵明为代表的吴门画派，继承元四家衣钵，尤重文徵明在笔墨上的精到与典雅，使山水画在民间和士林中更具普及性。 2. 董其昌与“南北宗论”： 晚明的董其昌，以其理论家的身份，系统梳理了山水画的历史脉络，提出了著名的“南北宗论”，强调文人画（南宗）的内在线索和笔墨传统，这对后世的评判标准产生了决定性影响。 3. 清代的变局与高蹈： 清初“四王”力图集大成，将前代名家的笔法融会贯通，追求“熟”与“全”，使山水画的古典范式臻于极致。而以石涛、八大山人为代表的“异端”画家，则以强烈的个性和对传统的颠覆性改造，预示着中国绘画向现代转型的可能性。石涛的“我自心中生”，是对传统程式化的一种深刻反思。 结语：笔墨的永恒回响 《山水之间：中国山水画的意境与传承》不仅是一部艺术史的梳理，更是一次对中华民族精神的探寻。它揭示了中国山水画如何超越单纯的视觉再现，成为一种渗透着哲学、诗歌与个人性情的独特艺术语言。通过对历代名家作品的深入解读，读者将能体会到“笔墨当随时代”的深刻含义，并领悟到中国山水艺术永恒的魅力与生命力。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版极具匠心，光是翻阅的过程就成为一种享受。纸张的选择带有恰到好处的粗粝感，墨色的深浅变化也控制得极好，使得版面疏密有致，呼吸感十足。这让我意识到，出版方显然是想将这本书打造成一本“可感的”艺术品，而非纯粹的知识传递工具。从内容上看，作者似乎更专注于探讨“文脉”的延续性与断裂感。他花费了大量篇幅来梳理从汉魏到初唐的文风转变，强调了地域文化和少数民族文化对唐诗形成的微妙影响。这种宏大的历史视野令人赞叹，它提供了一个理解唐诗产生的复杂背景。但坦白讲，对于一个期待快速掌握唐诗精髓的读者来说，这种“慢阅读”的节奏可能会稍显吃力。它要求读者不仅要有文学素养，还要对历史地理、社会制度有基本的了解。每一次翻页，都像是在拨开历史的重重迷雾，寻找那个隐藏在盛唐光环之下的、更复杂、更具张力的前因后果。它更像是一部高阶文人对文化现象的深度沉思录。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻（同时也感到困惑）的地方，是它对于“雅”与“俗”的界定和探讨。作者似乎在试图论证，即便是在唐诗的黄金时代，其内部也存在着一条微妙的审美断层。他对宫廷宴饮诗与民间歌谣体诗歌的对比分析相当犀利，指出二者在格律、用词、情感表达上的巨大差异。这种批判性的视角，突破了许多传统解读中将唐诗一概而论为“巅峰”的窠臼，展现了一种去魅化的历史观。我特别欣赏作者对个别“被低估”的初唐诗人的挖掘和重估，他用冷峻的笔触剖析了这些作品背后的时代局限性与艺术潜力。然而，当他过度强调这种对立时，我开始疑惑：这种对“雅俗之辩”的执着，是否冲淡了唐诗作为一种全民精神食粮的特质？难道我们不能更包容地看待那些既气势恢宏又质朴自然的篇章吗？这种阅读体验，就像是品尝了一道用顶级食材烹制却调味过重的菜肴，技艺登峰造极，但那份直抵人心的“真味”却似乎被复杂的雕琢所掩盖了。

评分☆☆☆☆☆

这本《王羲之：唐诗》的书名真是引人遐思，让人不由自主地联想到两位文化巨匠的碰撞与交融。然而，当我真正翻开这本书，却发现它呈现出一种截然不同的风貌。它似乎更像是一场对魏晋风度与盛唐气象的深度挖掘，以一种近乎考古的方式，试图还原那个特定历史时期的精神内核。开篇几章，作者对王羲之的书法演变过程的论述细致入微，几乎是将我们带入了那个笔墨飞扬的时代。他不仅分析了王氏家族的家学渊源，更探讨了书法艺术在当时的社会地位和政治含义。这种对细节的执着，使得阅读过程充满了智力上的挑战和满足感。尤其是在论及《兰亭集序》的摹本流传和真迹之谜时，作者展现了扎实的文献功底，旁征博引，让那些原本晦涩难懂的历史公案变得清晰可见。这种对“形”的深入探索，虽然让人敬佩，但也让我不免好奇，这种对“形”的极致描摹，究竟如何导向对“神”——也就是唐诗的理解？它更像是一部书法史的导论，而非我预期的那样，是一本诗书结合的精妙之作。我期待着它如何从笔锋的起落间，引申出盛唐诗篇中磅礴的气象与深沉的悲悯。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来形容阅读这本书的感受，那便是“沉浸”。作者构建的叙事结构非常具有感染力，他成功地将文学批评、历史考据和个人哲思熔为一炉。他似乎不满足于仅仅分析诗歌的结构，而是力求还原诗人创作时的心境、甚至当时的空气湿度与光线角度。这种全方位的感官调动，使得阅读体验极具现场感。特别是关于盛唐边塞诗的章节，那种大漠孤烟、铁马冰河的景象，几乎要从书页中喷薄而出，让人为之热血沸腾。然而，也正是在这种对“氛围”的极致追求中，我发现了一个小小的“缺口”：这本书对于一些核心的、脍炙人口的唐诗名篇，反而着墨不多。它们似乎被视为“已定论”的符号，而作者的兴趣点则更倾向于那些尚未被充分发掘或存在争议的边缘地带。这使得这本书更像是一份面向专业研究者的“补充材料”，而非面向大众读者的“入门指南”。它提供了深刻的见解，但阅读门槛也相对较高，需要读者具备一定的背景知识储备才能真正领会其深意。

评分☆☆☆☆☆

阅读此书的过程，与其说是在品味文字，不如说是在经历一场关于“气韵”的辩论。作者的笔触极其凝练，充满了古典的韵律感，仿佛他本人就是一位饱读诗书、心有丘壑的士人。他并没有直接铺陈大量唐诗原文，而是巧妙地将唐代文人的生活场景作为切入点，构建了一个立体的文化生态。例如，对于“竹林七贤”精神对唐代隐逸诗风的影响，他描绘得入木三分，那种对自由的向往、对俗世的疏离，被他用一种近乎散文诗的语言娓娓道来。然而，这种过度依赖氛围营造的方式，有时会让实际的文本分析显得有些单薄。我感觉自己仿佛置身于一个充满香炉烟气和古琴声的房间，被浓厚的文化气息所包围，却在寻找具体诗句的解析时，发现那层“薄雾”有些难以穿透。这种风格的优势在于其艺术感染力，让人心神向往；但弊端也显而易见，那就是在追求整体意境的完美统一时，对具体诗歌技巧和思想深度的剖析，似乎被置于了次要的位置。我更希望看到的是，这种深厚的文化积淀如何精准地“锚定”到某一句、某个意象的精妙之处。