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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 朝花少儿

ISBN：9787505625464

商品编码：12309627192

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	青龙山 艺术 书籍
作者：	郑阳明 原
定价：	8.0
出版社：	朝花少儿
出版日期：	2013-09-01
ISBN：	9787505625464
印次：
版次：	1
装帧：	平装
开本：	50开

内容简介

青龙是个贫苦的孩子，他的一家受够了地主“白眼狼”的迫害。有一次青龙在山上柴，梦见老人的指点，找到了一个宝洞。宝洞里金银财宝很多，青龙什么都不要，只要一把柴用的斧子。他决心靠自己的劳动来养活自己。他看到山脚下有些穷兄弟缺这少那的，就到宝洞去拿来送给人家。这事情被地主“白眼狼”知道了，就把青龙捉了去，逼着青龙讲出宝洞的地点。青龙一直不讲。白眼狼就把他关进地牢，想活活饿死他。青龙没有被饿死，却挖了墙洞跑掉了。 　　地主“白眼狼”气不过，就亲自到青石山去找宝洞，找来找去，宝洞没找着，自己却一跤跌死在半山腰里。 　　人们为了纪念不屈的青龙，就把青石山改名为“青龙山”。

编辑推荐

穷苦善良的渔民青龙想，自己年轻力壮，又无牵挂。何不下海捞珠。以安乡亲倒悬之心。不想取珠并不是容易之事，在与奇奇怪怪的海妖海怪的斗争中，失去了知觉，明珠也从胸中滑落了。清晨，波涛将他托上海岸。他已奄奄一息。乡亲们含泪的呼唤，他张张口，呼唤乡亲去寻找明珠，这愿望化作后一口气，呼到了海上。乡亲们在海边安葬了他，三年后，迎海的山头长出了两棵公孙树。它不是一年一年地长，而是一分钟一分钟地长。人们说，这两棵大树就是青龙的两只胳膊变的。它们高高地举着，招呼着过往迷航的船只。

岭南画派的时代回响：一窥“南风”的笔墨乾坤 （书籍名称：岭南风华：近现代华南艺术流变与大师风范） 一、导言：历史的沉淀与艺术的勃发 本书并非聚焦于某一特定地域的孤立景观，而是以近现代（约1840年至20世纪末）华南地区，特别是广东、广西、福建等地的艺术发展为经纬，系统梳理了在剧烈社会变革与中西文化碰撞下，本土艺术如何寻求自我革新与精神突围的宏大图景。我们深知，艺术史的进程绝非线性的，而是由无数地方性的“场域”交织而成。本书的独特之处在于，它致力于揭示“南风”——这种植根于岭南湿热气候、兼容并蓄的地域文化精神——如何塑造了一代又一代艺术家的创作面貌与学术立场。 我们相信，要理解中国近现代艺术的复杂性，就必须深入这些被传统宏大叙事相对边缘化的区域。本书将着重描绘在“救亡图存”的时代主题下，岭南的画家、雕塑家、工艺美术家如何承接晚清以来的文人传统，吸收西方写实主义与印象派的造型观念，最终熔铸出既具本土气息又具现代精神的艺术面貌。 二、第一编：传统的坚守与危机的萌芽（1840-1911） 本篇将聚焦于鸦片战争后，岭南画坛的早期动态。此时期，尽管传统国画（特别是“四王”体系）仍占据主流，但西方传教士带来的油画、素描的技法冲击已隐约可见。 2.1 广州与澳门的“前哨站”效应： 详细考察广州“十三行”遗留的商业艺术生态，以及澳门作为早期西方艺术输入港的角色。重点分析民间画匠（如人物肖像、年画生产者）在商业需求驱动下，如何不自觉地引入西方的透视法和光影观念。 2.2 岭南画派的奠基性探索： 重点剖析“岭南画派”这一流派的形成脉络。这并非一蹴而就，而是经历了一个渐进的融合过程。本书将深入研究创始人之一（此处暂不点名，代指早期融合的先驱）在技法上如何突破传统水墨的束缚，尝试运用西画的色彩科学与光感，来表现岭南特有的花卉、禽鸟题材，如对荔枝、菠萝、猛禽的描绘，力求形神兼备，而非仅仅是文人写意。 2.3 传统士人的隐逸与抵抗： 探讨在政权更迭的背景下，部分传统文人画家如何通过诗、书、画的结合，以隐晦的笔墨语言表达对乱世的忧思与对传统气节的坚守。他们的作品往往在形式上更为保守，但在精神内核上已然触及时代的痛点。 三、第二编：民国风云与艺术的转型（1912-1949） 这一时期是华南艺术最具活力和争议的阶段。教育体系的重建、留学热潮的兴起，直接催生了艺术观念的彻底变革。 3.1 留学浪潮与归国后的学术构建： 详细记录一批批赴日、赴法留学的广东、福建籍画家。他们带回的不仅是绘画技巧，更是一种现代美术的学术体系。分析他们如何在家乡的各类美术学校（如教会学校、私立美专）中，力图平衡中国画的“意境”与西方油画的“结构”。 3.2 题材的转向：从花鸟到社会现实： 这一时期的作品明显地转向对现实生活的关注。我们发现，许多画家开始将目光投向码头工人、田间劳作的普通民众，以及城市生活的速写。这种“入世”的姿态，是岭南艺术对时代使命感的回应。例如，对于特定区域的风景画（如渔村、茶山）的描绘，不再仅仅是优美景致的再现，而是融入了劳动者的身影与时代气息。 3.3 跨媒材的试验：水彩与版画的兴起： 水彩画因其易于携带、写生性强，在华南地区（尤其是在两广地区）迅速流行，成为艺术家捕捉光影和记录风土人情的有力工具。同时，受到新兴左翼思潮的影响，新兴的木刻版画运动也在这一区域悄然兴起，成为一种强有力的宣传和批判媒介。 四、第三编：新中国成立后的地域性发展与“双百方针”（1949-1976） 新中国成立后，艺术生产被纳入国家意识形态的框架，但岭南地区独特的文化基因依然发挥着作用。 4.1 传统与革命的“和弦”： 探讨岭南画派的第二代、第三代艺术家如何在新政策下调整创作方向。他们一方面必须接受社会主义现实主义的创作要求，描绘建设成就、歌颂劳动人民；另一方面，他们又巧妙地运用自己深厚的传统笔墨功底，使作品在形式上保持了原有的地域特色，形成了具有“中国气派”的革命历史画作。 4.2 地方题材的深度挖掘： 这一阶段，对于地方物产、风俗的描绘达到了新的高度。如对广西壮族自治区丰富多彩的民族服饰、歌舞的描绘，既符合民族政策，也为艺术家提供了远离政治主题的创作空间。福建地区的闽南文化元素也开始更多地出现在剪纸、民间工艺美术中。 4.3 美术教育的普及与专业化： 分析各大美术学院在这一时期如何建立起具有地域特色的专业课程体系，为培养下一代艺术家打下坚实的基础。 五、第四编：改革开放与艺术的再激活（1978至今） 改革开放的春风，使得被压抑已久的艺术能量得以爆发，华南地区再次成为中国艺术前沿的试验场之一。 5.1 当代水墨的先锋姿态： 随着西方后现代思潮的涌入，本土艺术家开始反思“岭南画派”既有的成就与局限。一些青年艺术家开始解构传统水墨的规范，以更抽象、更具表现主义色彩的方式介入当代语境。他们对传统笔墨的运用，更多地是作为一种文化符号而非单纯的技法继承。 5.2 装置艺术与观念艺术的本土化尝试： 探讨在珠三角这一特殊的经济形态下，艺术家如何利用废弃材料、工业景观等元素进行装置和行为艺术的创作。这些作品往往带着强烈的地域批判色彩，直面城市化进程中的身份焦虑与文化迷失。 5.3 港澳地区的独特贡献： 专门辟出章节，分析香港、澳门在艺术生态中的桥梁作用。尤其是在画廊系统、艺术博览会的建立上，港澳地区为内地的当代艺术提供了重要的展示窗口和商业平台，也孕育了具有双重文化身份的艺术家群体。 六、结论：南风未已，笔墨常新 本书总结了近现代华南艺术在“融合—坚守—再创造”中的循环往复。它证明了地域艺术绝非简单的题材堆砌，而是一种深层的文化生命力。岭南地区的艺术史，是一部关于开放性、实用性和创造性张力的教科书，它不断证明着中国艺术在面对外部挑战时，总能找到一条既不背叛自身文脉，又能与时代精神同频共振的道路。本书旨在为读者提供一个清晰、深入的地图，去探索这片充满生命力的艺术疆域。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术史研究略有涉猎的爱好者，我必须说，《青龙山艺术书籍》在学术性上的严谨度是值得称赞的。尽管它的外观如此华丽，但内里的支撑却是非常扎实的。参考资料的引用非常规范，每一个作品的署名、年代、材质、尺寸都标注得清清楚楚，在页面底部或附录部分都能找到详细的出处说明，这对于希望进一步深入研究的读者来说，提供了极大的便利。更关键的是，它没有止步于对既有成就的梳理，而是非常大胆地引入了当代艺术的视角对青龙山意象的再创作。这种“古为今用”的探讨，使得整本书显得充满活力，而非仅仅是一部怀旧的纪念册。例如，书中有一组探讨“青龙山”在当代城市化进程中的象征意义的装置艺术照片，它们与传统水墨画并置，形成了一种强烈的对话感，提出了关于地域文化在现代社会如何存续与转化的深刻议题。这本书真正做到了对传统致敬的同时，勇敢地拥抱未来和变革。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书中对“媒介多样性”的处理印象极其深刻，这绝不是一本只收录油画或水墨的传统图册。它更像是一个跨越百年、融合了多种艺术门类的文献集。里面不仅包含了写生速写、工笔重彩，更令人惊喜的是，居然收录了大量关于青龙山地区的民间工艺美术资料，像是剪纸、刺绣，甚至还有一些早期的玻璃版画和宣传画的扫描件。这种包容性极大地丰富了我们对一个地域文化生态的认知。尤其值得称赞的是，那些老旧的、数字化程度不高的历史资料，经过专业的修复和高清扫描，呈现出来的效果依然清晰可辨，细节纹理清晰可见，这无疑是耗费了巨大精力和资源的。它不仅仅是对“山水”的艺术化表达，更是对“人文脉络”的深度挖掘和尊重。通过不同媒介的并置对比，读者可以清晰地看到，即便题材相似，不同时代的创作者如何用他们手边最擅长的工具，来诠释同一片山川河流，那种艺术史的纵深感扑面而来。

评分☆☆☆☆☆

这本《青龙山艺术书籍》的装帧设计简直是一场视觉盛宴！封面那墨绿与古铜色的碰撞，配合着烫金的“青龙山”三字，厚重又不失灵动，让人一上手就感受到它内在蕴含的文化重量。内页纸张的选择也极为考究，米白色的哑光纸张，触感温润细腻，即便是大面积的黑色油墨印刷，也丝毫没有渗透或反光的现象。最让我惊喜的是它对色彩的把控，那些展现青龙山自然风光和历史遗迹的摄影作品，色彩饱和度拿捏得恰到好处，既保留了山川原有的磅礴大气，又通过艺术家的镜头赋予了画面一种诗意的宁静。比如其中一组关于晨雾缭绕山涧的组图，那种光影的过渡，简直像是用最高明的国画技法渲染出来的，层次感极其丰富，让人仿佛能闻到清晨泥土与草木的芬芳。装订工艺也体现了匠心，线圈装订既保证了书籍可以平摊，方便观赏大幅面的画作或拓片，同时又足够牢固，经得起反复翻阅。这本书不仅仅是一本记录作品的画册，它本身就是一件值得珍藏的艺术品，从头到尾都透露出出版方对“艺术”二字的极致尊重与敬畏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚拿到这本书时，心里是有些忐忑的，因为“艺术书籍”这个标签往往意味着晦涩难懂或者过于学院派。然而，《青龙山艺术书籍》却出乎意料地平易近人，它成功地架起了一座沟通专业艺术与普通爱好者之间的桥梁。书中的文字部分，那些对每一件入选作品的解读和背景介绍，行文流畅，逻辑清晰，完全没有那种故作高深的腔调。作者似乎深谙如何用最朴素的语言，去阐释复杂的艺术观念。比如，有一篇关于青龙山地区传统雕刻技艺的专题，它没有堆砌生僻的术语，而是通过对一位老艺人打磨工具、观察木纹的细致描写，让读者亲身体验到手工艺的温度和时间的沉淀。更棒的是，它还穿插了许多艺术家本人的访谈片段，那些口述的历史和创作心路，让冰冷的艺术品瞬间鲜活了起来，充满了烟火气和人情味。读完这些文字，你不再是单纯地“看”山水，而是开始“理解”创作者是如何与这片土地对话的，极大地拓宽了我对地域艺术的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排节奏感非常强，阅读体验如同一次精心设计的游览路线。它没有采用简单的“按时间顺序”或者“按艺术流派”来划分章节，而是构建了一种更具叙事性的结构。开篇气势磅礴，通常是大幅面的、最具冲击力的全景山水作品，瞬间将人带入青龙山的宏大背景中。然后，画面会逐渐收缩，进入到对局部细节的精雕细琢，比如某一块嶙峋的怪石，或是某棵老松的虬劲枝干，这种聚焦的处理，使得原本遥不可及的风景拥有了可以触摸的质感。随后，会穿插一些对比强烈的章节，比如“现代抽象对传统写意的解构”，这种看似冲突的并置，反而激发了读者更深层次的思考。到了书的后半部分，风格又逐渐变得内敛和哲学化，收录了许多文人墨客的题跋和小品，将读者的心绪从视觉的震撼中抽离出来，回归到一种沉思的状态。这种跌宕起伏、张弛有度的编排方式，让翻阅的过程充满了期待和探索的乐趣，绝非一成不变的枯燥排列。