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曲 著，杨和平，王家祥，分册 编

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• 艺术史
• 音乐理论
• 艺术概论
• 文化
• 审美
• 人文社科
• 艺术欣赏

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552315035

版次：1

商品编码：12332876

包装：平装

开本：16

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：116

内容简介

《音乐艺术概论》是依据小学教育专业（音乐方向）专业必修课的课程要求编写的。本教材把与艺术

相关知识和“音乐美学”的相关知识相融合，从音乐美学和音乐审美的角度出发，以通俗易

懂的语言，概述音乐艺术的本体特征、音乐艺术的内容与形式、创作与表演、欣赏与批评、传

播与功能、历史嬗变以及音乐艺术与文学、戏剧、舞蹈、影视等相关艺术的关系，使学生既学

习了音乐艺术方面的知识，又学习了其他主要艺术形式的相关知识。本教材突出了教材内

容的基础性、实用性，使教学更加符合职前、职后教育的需要，更加贴近基础音乐教育实际。

教材内容包括“绪论”“音乐艺术的类型与特征”“音乐艺术的内容与形

式”“音乐艺术的创作与表演”“音乐艺术的欣赏与批评”“音乐艺术的传播与功能”“音乐艺

术的历史嬗变”“音乐艺术与其他相关艺术”，共八章。

内页插图

目录

乐律探微：西方古典音乐的结构与审美 本书旨在为音乐爱好者、学生以及对西方古典音乐抱有好奇心的读者，提供一套深入浅出、系统严谨的音乐理论与历史概览。我们聚焦于古典音乐的内在逻辑、发展脉络及其背后的文化哲学，而非宽泛的“音乐艺术”概念的界定。 --- 第一部分：音乐的骨架——听觉的科学与结构分析 本部分致力于拆解西方音乐赖以存在的“骨架”——那些决定听觉体验的底层规则和组织形式。我们将从最基础的元素入手，构建一个清晰的分析框架。 第一章：音高与音高的组织：调式、音阶与和声的基石 本章深入探讨声音的物理属性如何转化为音乐的语言。我们详细考察音高（Pitch）的精确定义，以及人类如何对这些离散的频率点进行组织。 1. 频率与音高知觉： 简要回顾声波、频率与人耳听觉系统的关系，重点阐述“律制”在历史中的演变，特别是如何从自然泛音列中提炼出可操作的音高体系。 2. 西方十二平均律的形成与影响： 详尽分析十二平均律（Equal Temperament）如何成为西方音乐的通用标准，以及它在解决纯律不协和性上的妥协与胜利。对比毕达哥拉斯音律和纯律在特定语境中的应用（如巴赫时代的调性探索）。 3. 音阶与调式（Scales and Modes）： 详细辨析大小调体系的构建。重点分析大调（Major）和小调（Minor）的特征音程和情感指向。同时，对中世纪的教会调式（如多利亚、弗里吉亚等）进行深入的结构分析，探讨它们在浪漫主义及现代音乐中的“复兴”现象，理解调式的色彩性功能而非仅仅是历史遗迹。 4. 音程与和弦的构建逻辑： 系统梳理音程（Interval）的分类（基于音级和音分）。深入讲解三和弦（Triads）的构成——如何通过叠加三度音程来确定和声的性质（大、小、增、减）。 第二章：和声的语法：功能与进行 和声是古典音乐的“语法”，它赋予了音乐前进的方向感和张力。本章聚焦于西方功能和声（Functional Harmony）的运作机制。 1. 和弦功能分析（Tonic-Dominant-Subdominant）： 详细阐述主和弦（T）、属和弦（D）和下属和弦（SD）在调性体系中的核心作用。解析“导音”（Leading Tone）对属和弦的强化作用，以及它驱动解决到主和弦的内在动力。 2. 和声进行（Chord Progressions）： 剖析经典和声进行模式，如“卡农进行”（Pachelbel’s Canon progression）的结构基础，以及维也纳古典乐派（如海顿、莫扎特）如何娴熟地运用停顿（Cadences）来构建乐句和段落。重点分析终止式（完全终止、半终止、伪终止等）在结构上的标点符号功能。 3. 二次属和弦与借用和弦： 探讨和声的“色彩化”手段。解析如何使用二级属和弦（Secondary Dominants）来暂时性地转向关系调，增加进行的新鲜感。深入分析“借用和弦”（Modal Mixture）在浪漫主义音乐中如何模糊调性中心，创造更深沉的情感色彩。 4. 非功能性和声的边缘： 简要介绍在瓦格纳晚期和印象派（如德彪西）中，和声如何开始脱离传统功能束缚，转而追求音色与横向色彩的构建。 第三章：时间的游戏：节奏、节拍与曲式结构 音乐是时间的艺术，本章关注如何组织时间维度以及构建宏大的音乐形式。 1. 节奏的要素： 区分节奏（Rhythm）、节拍（Meter）和速度（Tempo）。分析复节奏（Polyrhythm）和复拍子（Polymeter）在不同历史时期的功能（例如，巴洛克时期的固定律动与20世纪音乐中对稳定节拍的打破）。 2. 旋律的构造原则： 旋律是音乐的“面孔”。分析旋律的轮廓、音程关系、动机（Motive）的建立、展开与再现。对比“有歌唱性”的旋律与“建筑性”的旋律的差异。 3. 曲式分析的维度： 重点解析西方古典音乐中最重要的几种曲式范式。 二部曲式（Binary Form）与三部曲式（Ternary Form）： 作为小型段落的构建基础，分析其对比与统一性。 奏鸣曲式（Sonata Form）： 深入解析呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）的结构功能、调性冲突与解决。强调奏鸣曲式作为“戏剧性结构”的核心地位。 回旋曲式（Rondo Form）： 分析A-B-A-C-A等结构的重复性与对比性功能。 赋格曲（Fugue）： 作为对位法的巅峰代表，详细拆解呈头（Subject）、应答（Answer）、间插（Episode）和声部进入的复杂逻辑。 --- 第二部分：流派与演进——风格的转型与审美取向 本部分将带领读者沿着时间轴，考察西方音乐在不同历史时期所确立的风格特征、核心作曲家及其审美目标。 第四章：巴洛克：宏伟的秩序与对位艺术（约1600-1750） 1. 巴洛克精神： 探讨“情感的激动”（Affektenlehre）理论在音乐中的体现，以及对复杂装饰和持续低音（Basso Continuo）的依赖。 2. 歌剧的诞生与发展： 考察从蒙特威尔第到亨德尔时期，宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的结构确立，以及“大咏叹调”（Da Capo Aria）的形式。 3. 器乐的成熟： 重点分析协奏曲（Concerto）的发展，特别是维瓦尔第和巴赫如何确立快-慢-快的三乐章结构。深入剖析巴赫赋格曲（如《平均律钢琴曲集》）在对位技巧上的集大成。 第五章：古典主义：清晰、平衡与形式的典范（约1750-1820） 1. 启蒙运动的影响： 分析古典主义对“自然”、“理性”和“清晰”的追求如何体现在音乐结构中，强调动机的提炼和旋律的歌唱性。 2. 奏鸣曲式的确立与完善： 以海顿（“交响曲之父”）和莫扎特为例，展示奏鸣曲式在交响曲、室内乐和奏鸣曲中如何达到结构上的完美平衡。 3. 贝多芬的桥梁作用： 探讨贝多芬如何将古典的严谨形式注入前所未有的情感张力，尤其是在晚期作品中对传统曲式的扩展与个人意志的表达。 第六章：浪漫主义：主观性、想象力与民族色彩（约1820-1900） 1. 个人情感的爆发： 探讨工业革命和民族主义背景下，作曲家如何将“自我表达”置于形式结构之上。音乐的规模扩大，和声语言被极度丰富和延伸。 2. 器乐诗篇的兴起： 聚焦于“标题音乐”（Program Music）的流行，分析李斯特的“交响诗”（Symphonic Poem）作为一种叙事性音乐形式的革新。 3. 德奥艺术歌曲（Lied）： 深入分析舒伯特、舒曼如何通过钢琴伴奏来描绘诗歌的意境和人物内心活动，解析“连绵的低音”（Endless Melody）和钢琴“造型动机”的作用。 4. 晚期浪漫主义的张力： 考察瓦格纳对传统调性的极限推进，以及马勒对交响曲宏大叙事和内心冲突的极致探索。 第七章：20世纪的破碎与重生：多元化的探索 本章聚焦于音乐如何回应社会巨变，以及作曲家们对传统系统（调性、节奏、音色）的系统性瓦解与重建。 1. 印象主义与色块： 探讨德彪西和拉威尔如何运用全音阶、五声音阶和非传统和弦来营造“氛围”而非“叙事”，侧重于音色的瞬间捕捉。 2. 无调性与十二音体系： 详细解析勋伯格如何基于“十二音序列”（Twelve-Tone Technique）的原则，构建一种完全摒弃传统调性重力的结构系统，以及韦伯恩对这种体系的极端逻辑化处理。 3. 对节奏与音色的再认识： 考察斯特拉文斯基的原始主义（如《春之祭》）如何通过打击乐和不协和音响来重塑节奏的原始力量。分析具象音乐（Musique Concrète）和电子音乐的早期尝试对传统乐器音色的挑战。 4. 新古典主义的回溯与融合： 分析对巴赫、莫扎特等古典大师曲式的回归，但其内部和声语言的现代性，展示了对传统与现代之间的对话尝试。 --- 结语：音乐的永恒结构 本书不旨在提供一份详尽的作曲家或作品名录，而是力求揭示西方音乐在不同时代下，其内部结构逻辑、和声语法和形式组织是如何演变和相互关联的。理解了这些内在机制，听者便能跨越风格的界限，直接进入音乐家构建的世界。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买《器乐的秘密花园》这本书，更多的是冲着它对乐器构造和声学原理的细致描述去的。我本身是业余的提琴制作爱好者，对乐器如何“发声”有着近乎痴迷的好奇心。这本书完全没有让我失望，它没有停留在泛泛而谈的“小提琴音色优美”这种层面，而是详细拆解了提琴的面板厚度、音梁的支撑结构乃至不同木材的密度如何影响泛音列的构成。阅读相关章节时，我甚至能清晰地想象出工匠在打磨琴体时的精细操作。更难得的是，作者巧妙地将这种物理层面的知识与作曲家对特定乐器音色的偏爱联系起来。比如，它会分析为什么浪漫主义时期的作曲家更倾向于使用某些特定调性的圆号，这背后其实牵涉到那个时代铜管乐器活塞技术的成熟度。这种跨学科的视角，将乐器视为连接物理科学、手工艺和艺术表达的桥梁，让我对乐器本身产生了全新的敬畏感。它不仅仅是一本音乐理论书，更像是一本精密工程学与美学结合的指南，读起来既有知识的充实感，又有探索未知的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本《旋律的迷宫》简直是为我这种音乐小白量身定做的入门指南！我一直对古典音乐抱着一种“只可远观而不可亵玩焉”的态度，觉得那些复杂的术语和晦涩的历史背景让人望而却步。然而，作者像是领着我这位初学者，非常耐心地走进了音乐世界的各个角落。最让我惊喜的是它对不同时期作曲家风格的对比分析，比如巴赫的严谨与莫扎特的灵动，简直是通过生动的比喻和恰到好处的例子串联起来的，完全没有那种教科书式的枯燥感。它并没有试图用艰深的理论砸晕我，而是专注于引导我去“听”——去分辨一段旋律是如何呼吸、如何推进的。我尤其喜欢其中关于“主题发展”的那一章，作者用搭建乐高积木的比喻来解释复杂的对位法，让我这个非音乐专业人士也能大致把握住音乐结构的美感。读完后，我再去听贝多芬的交响乐，不再是“听个热闹”，而是能捕捉到那些细微的情感起伏和结构上的巧妙布局，感觉像是突然被授予了一把理解音乐的钥匙。它提供的不是标准答案，而是一套探索音乐的思维框架，非常实用，让我对未来深入学习音乐保持了极大的热情和好奇心。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感觉是：它是一部充满人文关怀的音乐史。我之前阅读的音乐史书籍往往过于聚焦于欧洲王室、宫廷的兴衰与音乐的对应，显得有些冰冷和精英化。《时代的和声：民间音乐的韧性》这本书却把视角放得很低，放到了欧洲各国普通民众的生活土壤中去考察音乐是如何生根发芽并传承的。作者花费了大量篇幅去研究田园牧歌、工作歌谣乃至宗教异端的民间圣歌，探讨在没有专业训练的情况下，旋律是如何通过口头传承而不断演变、适应新的社会环境的。书中对于斯拉夫地区复调的起源讨论尤其引人入胜，它揭示了集体劳作如何催生出那种独特的、层层叠叠的和声结构，这与巴洛克时期那种严谨的对位法形成了鲜明对比。这本书教会了我，音乐不仅仅是少数天才的创造，更是广大人民群众集体情感和日常经验的结晶。它帮助我打破了对“高雅艺术”的迷信，让我看到了音乐的生命力在于它能够扎根于最朴素的生活之中，并从中汲取无穷无尽的营养。阅读此书，如同进行了一次深入的文化人类学考察，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和排版布局，首先就给人一种非常高级、沉静的感觉，完全符合我对于一本严肃艺术书籍的期待。我购买它主要是因为我对二十世纪以来的音乐思潮特别感兴趣，特别是那些打破传统、挑战听觉习惯的先锋流派。《无调性回响：现代乐的脉动》这本书，在处理这些相对“硬核”的主题时，展现出了惊人的耐心和条理感。它没有回避序列主义、偶然音乐这些听起来令人头疼的理论，但作者的处理方式非常高明：先引入一个具体的、能被感知到的音乐片段或事件，然后再回溯到其产生的理论基础。这使得抽象的概念变得具象化了。比如，书中对约翰·凯奇的“沉默”的讨论，不再是简单的“他把静音写进了乐谱”，而是深入探讨了在后现代语境下，艺术家如何重新界定“声音”与“噪音”的边界，以及这种哲学思考对听众预期的颠覆性影响。对于希望从“听热闹”跨越到“懂门道”的进阶学习者来说，这本书提供了必要的理论工具和批判性视角，能帮助我们建立起一套分析当代音乐语言的逻辑体系，避免被那些晦涩的概念所困住。

评分☆☆☆☆☆

我是一个浸淫古典乐坛多年的老乐迷，市面上那些基础读物早就无法满足我对深度和批判性的需求了。《声场的织梦者》这本书，简直是一股清流。它最引人入胜的地方在于其对“演奏诠释”的深入剖析。作者似乎对每一位大师级的指挥家和演奏家都有着深入的田野调查和亲身体会，他不像很多评论家那样一味赞美，而是敢于直面不同版本之间的优劣与风格差异。例如，书中对福特万格勒和托斯卡尼尼在演绎同一部德彪西作品时所体现出的哲学观点的探讨，简直是精彩绝伦，让人拍案叫绝。这种将音乐文本与其背后的文化、哲学、乃至指挥家个人生命体验相结合的分析手法，极大地拓宽了我对“好音乐”的定义。它不满足于停留在“是什么”，而是深挖“为什么会是这样”。这种带着思辨性的阅读体验，让我重新审视了自己收藏的那些黑胶唱片，仿佛又经历了一次洗礼。这本书的文字功底也极其扎实，兼具文学的韵味和学术的严谨，阅读过程是一种享受，更是一种智力上的挑战与提升。