我爱乐理音乐理论简单学3 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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琳娜昂著，陈娴译

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你会得到大惊喜!!

出版社：广西师范大学出版社

ISBN：9787559801630

版次：1

商品编码：12372886

包装：平装

开本：8开

出版时间：2018-03-01

用纸：胶版纸

页数：50

字数：50000

具体描述

编辑推荐

适读人群：音乐教师、琴童、音乐初学者

1.与英皇乐理考级同步的配套教材。

2.已被翻译成20多种语言文字，在欧美、东南亚等地被广泛使用，中国香港地区每年可销售近万套。

3.作者为资深音乐教育家，谙熟儿童心理，专为3-6岁儿童设计音乐学习入门教材。

4.本书兼具知识性与趣味性，充分激发孩子的艺术想象力。

《音乐理论简单学》是一套适用于入门阶段的音乐理论启蒙教材，作者为马拉西亚著名音乐教育家琳娜·昂，她长期从事儿童音乐教学并编写过多部音乐启蒙教材，谙熟儿童心理与审美，通过活泼有趣的创意教学法，引导儿童轻松开启音乐大门。本书可以与“英皇乐理考级”同步使用，目前已被翻译成20多种语言文字，在欧美及东南亚等地被广泛使用，连年畅销，在中国香港地区的年销售量近万套。

内容简介

《音乐理论简单学》是一套专为3-6岁儿童设计的乐理启蒙教材，通过书中丰富多彩的练习和游戏，引导儿童迈入音乐的大门，并从中激发学习音乐的兴趣。本套教材可与“英皇乐理考级”同步使用，是一套兼具专业性与趣味性的优秀教材！

作者简介

琳娜·昂 (Lina Ng)是一位热爱音乐教学且十分了解孩子心理的老师，她运用创意十足且妙趣横生的方法让儿童可以轻松地掌握音乐知识、学习音乐课程，使到学习者可以享受到充满乐趣的创意教学法。轻轻松松学乐理，是作者写作本套教材的最终理念。

深度解析：西方音乐史的宏伟画卷与风格演变图书名称：《宏伟乐章：从格里高利圣咏到二十世纪的音乐思潮》内容提要：本书致力于为所有对西方音乐发展历程抱有浓厚兴趣的读者，勾勒出一幅跨越千年、波澜壮阔的音乐历史长卷。它并非简单的年代罗列，而是一次深入骨髓的风格探索、技术革新与文化背景交织的深度剖析。我们将系统地梳理并解析自早期中世纪至今，欧洲音乐在思想、结构、音响和演奏实践上所经历的每一次重大飞跃与变革。第一部分：奠基与神圣的回响（中世纪：约500年 – 1400年）本部分将追溯西方音乐的源头，重点探讨宗教对早期音乐形态的决定性影响。格里高利圣咏的结构与功能：详细解析单音音乐（Monophony）的特点，探讨其在礼拜仪式中的仪式性作用，并分析不同调式（Modes）如何构建出特定的情感氛围。我们会考察早期记谱法（如纽姆记谱法）的出现，及其对音乐传承的革命性意义。奥尔加农与复调的曙光：深入研究早期复调音乐（Polyphony）的诞生，特别是巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的两位巨匠——列奥南（Léonin）与佩罗坦（Pérotin）的贡献。我们将分析“等时性”节奏（Rhythmic Modes）的引入，以及如何从简单的二部、三部复调发展到复杂的四部合唱。世俗音乐的兴起：探讨游吟诗人（Troubadours）和游吟乐师（Trouvères）的作品，分析他们如何将爱情、英雄事迹和讽刺引入音乐，并与当时的贵族文化紧密结合。同时，也会简要介绍中世纪晚期出现的“新艺术”（Ars Nova）思潮，及其在节奏复杂性上的突破。第二部分：文艺复兴的和谐与人文主义光辉（约1400年 – 1600年）文艺复兴时期是音乐从“事神”向“事人”过渡的关键阶段。本部分关注技术成熟与人文精神的融合。佛兰德斯乐派的统治地位：重点解析如杜飞（Dufay）、雅盖尔（Josquin des Prez）等作曲家的“模仿手法”（Imitation）在经文歌（Motet）和弥撒曲（Mass）中的运用。探讨五部、六部声部如何实现更加平滑、均衡的音响效果。 “人声至上”的理念：分析复调音乐的精髓——“纯净的和谐”是如何通过对文本的清晰表达而实现的。我们将细致研究帕莱斯特里纳（Palestrina）的音乐，如何成为特伦特会议后天主教音乐典范的代表。世俗音乐的繁荣：剖析意大利的牧歌（Madrigal）如何通过“文字描绘”（Word Painting）技巧，将音乐与诗歌的情感内涵紧密结合，预示着巴洛克时期的戏剧化倾向。同时，也会介绍早期器乐的独立发展，如维吉纳琴（Virginal）音乐。第三部分：巴洛克的激情、对位与炫技（约1600年 – 1750年）巴洛克时期是音乐史上一个极其重要的转折点，它确立了许多至今仍在使用中的核心概念。歌剧的诞生与早期发展：详细考察佛罗伦萨的“新艺术合奏团”如何试图复兴古希腊戏剧，从而催生了具有宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）结构的早期歌剧。分析蒙特威尔第（Monteverdi）的创新，他如何将戏剧张力置于复调的平衡之上。 “固定低音”与巴洛克风格：深入探讨“通奏低音”（Basso Continuo）在构建音乐框架中的核心作用，以及“和声功能”概念的初步形成。解析大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的结构差异，以及维瓦尔第在协奏曲体裁上的贡献。赋格的巅峰：重点剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的对位艺术。通过对《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》的分析，揭示赋格（Fugue）作为一种复杂结构形式的逻辑严密性、主题的变形技巧（如逆行、倒影）以及其在精神层面的深刻内涵。第四部分：古典主义的清晰、平衡与普适性（约1750年 – 1820年）受启蒙运动影响，音乐追求清晰的结构、优雅的旋律和普世的情感表达。奏鸣曲式的确立：本部分的核心在于解析“奏鸣曲式”（Sonata Form）——呈示部、展开部和再现部的结构逻辑，这是古典主义器乐音乐的骨架。我们将探讨海顿（Haydn）如何通过对四乐章交响曲的标准化和完善，奠定了古典器乐的典范。维也纳古典乐派三杰：详尽对比莫扎特（Mozart）在旋律的完美性与歌剧心理刻画上的成就，以及贝多芬（Beethoven）如何通过扩展奏鸣曲式、强化对立冲突和引入个人意志，最终将古典主义推向浪漫主义的门槛。早期室内乐的成熟：分析弦乐四重奏（String Quartet）如何成为作曲家进行最深刻、最“对话式”音乐表达的载体，及其在“家庭音乐会”中的社会地位。第五部分：浪漫主义的个人史诗与情感的极限探索（约1820年 – 1900年）随着工业革命和民族主义的兴起，音乐家的个人情感与想象力被推至前所未有的高度。新的体裁与扩大规模：考察“艺术歌曲”（Lied）如何通过舒伯特和舒曼的创作，实现诗歌与音乐的完美共生。分析李斯特（Liszt）的“交响诗”（Symphonic Poem），如何使标题音乐成为叙事和描绘的强大工具。和声语言的革命：探讨瓦格纳（Wagner）的“无限旋律”和对“导机进”（Leitmotif）系统的运用，以及他如何通过极度不稳定的和声（如《特里斯坦与伊索尔德》中的和弦）来表达永恒的渴望与张力，实质上瓦解了古典调性体系的基础。民族乐派的崛起：分析德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何从本国民间音乐、舞曲和史诗中汲取灵感，构建具有鲜明地域特色的音乐语言，反抗德奥音乐的统治地位。第六部分：二十世纪的破碎与重构（1900年至今）本世纪音乐经历了前所未有的剧烈动荡，从对传统美学的反叛，到对声音本质的重新定义。印象主义与表现主义的对立：深入分析德彪西（Debussy）如何使用全音阶、五声音阶和模糊的和声色彩，营造“印象”而非明确的结构；对比勋伯格（Schoenberg）如何通过“十二音体系”（Twelve-Tone Technique）彻底放弃调性中心，表达内在的焦虑与精神危机。新古典主义与原始主义：探讨斯特拉文斯基（Stravinsky）如何从对过去风格的借鉴中寻找新的秩序（新古典主义），以及《春之祭》所引发的节奏暴力和“原始主义”对音乐节奏的解放。战后实验音乐的浪潮：介绍电子音乐（Musique concrète）、偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇的作品）的理念，分析它们如何挑战“作曲家权威”和“作品完整性”的传统概念，将听众带入一个充满不确定性的听觉空间。结语：《宏伟乐章》力求以严谨的学术态度和生动的叙事方式，带领读者跨越浩瀚的音乐时间线，理解每一位大师的突破点，以及每一种风格变革背后的社会、哲学和技术动因。通过对这些宏伟乐章的系统学习，读者将能更深层次地欣赏和理解西方音乐的复杂性与永恒魅力。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这绝对是我近期读过最令人惊喜的书籍之一！我一直觉得乐理是一门神秘又遥不可及的学科，对很多初学者来说，那些枯燥的术语和复杂的符号简直是劝退的利器。但这本书的出现，彻底颠覆了我的看法。作者的写作风格非常平易近人，没有使用太多晦涩难懂的专业词汇，而是用一种非常生动有趣的方式来讲解。比如，当他讲到节奏时，不是直接给你几个音符和拍号，而是用生活中的例子来比喻，让你瞬间就能领会到不同节奏带来的律动感。我印象最深刻的是关于和弦的部分，我之前总是记不住各种七和弦、挂留和弦是什么，用了很久才勉强理解。这本书里，作者居然用了“色彩”来形容不同和弦给人的感觉，比如大七和弦像晴朗的天空，小七和弦则像蒙上了一层忧郁的色彩。这种形象的比喻让我在脑海中形成了一个清晰的图景，再也不会混淆了。而且，书中的插图也特别棒，很多示意图都画得很直观，一看就能明白。我之前尝试过好几本乐理书，要么太理论化，要么太粗糙，这本书真的是一股清流，既有深度又不失趣味性，感觉就像是在和一位经验丰富的朋友聊天，他耐心地教你音乐的奥秘。我已经迫不及待地想用学到的知识去分析我喜欢的歌曲了！

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的作者在“化繁为简”这方面真是下了苦功。对于我这种音乐爱好者，虽然喜欢听歌，但对背后的乐理知识一直感到力不从心。之前接触过一些乐理教程，总是感觉要跳过很多理论才能勉强抓住一点皮毛，而且学到的东西也显得零散，不成体系。这本书给我的感觉是，它从最基础的点滴开始，像剥洋葱一样，一层一层地揭开音乐的结构。它不会一开始就扔给你一大堆抽象的概念，而是从旋律的走向、音程的组合这些最直观的听觉感受入手，然后逐渐引申到和声、调式等等。最让我欣赏的是，这本书非常注重“听”和“练”的结合。它不仅仅是让你看，还鼓励你去尝试弹奏、去聆听。书中提供的练习曲目的设计也非常巧妙，都是一些耳熟能详的旋律，让你在练习的同时，也能体会到乐理知识在实际音乐中的应用。我发现，当我在练习某个和弦进行的时候，作者会告诉你这个进行在音乐中能产生什么样的情感效果，这种结合理论与感受的方式，让我学习乐理不再是枯燥的记忆，而是变成了一种充满探索的乐趣。感觉就像是解锁了音乐的“密码”，能让我更深层次地理解音乐的魅力，而不只是停留在表面的旋律和节奏。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我之前对学习乐理是抱着一种“试试看”的心态，觉得大概率还是会放弃。毕竟，我不是科班出身，也没有什么音乐基础，那些抽象的乐理知识对我来说就像天书。但是，这本书真的让我眼前一亮。它最成功的地方，我觉得是它给了我一种“掌控感”。我之前觉得乐理是很“玄”的东西，但这本书通过非常接地气的方式，让我明白，乐理其实就是音乐的语法，就像我们学习语言一样，掌握了语法，就能理解和创造。它并没有教你成为一个作曲家，而是让你理解音乐是如何构成的，为什么某些旋律听起来会让你感到愉悦，或者伤感。它就像一位耐心的向导，带领你一步步走进音乐的殿堂，而不是把你扔进一个迷宫。我尤其喜欢书中对一些常见音乐风格的乐理分析，比如爵士乐的和声特点，或者古典乐的曲式结构，它不是简单地罗列，而是让你理解为什么会有这样的特点，以及这些特点是如何影响听觉感受的。这种“知其所以然”的学习过程，让我觉得学到的东西是有生命力的，而不是死的知识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的设计，可以说是非常“懂”读者了。我通常是那种拿到一本新书，会先翻翻目录、看看排版的人。这本书的排版就很舒服，字号大小适中，留白也恰到好处，不会让人觉得压抑。更重要的是，它的章节划分非常清晰，每个章节的重点也非常突出。我之前读乐理书，最大的问题就是不知道从哪里开始，或者学到一半就迷失方向了。这本书就像一个清晰的地图，它会告诉你，我们现在正在讲什么，接下来要讲什么，以及我们学到的内容和之前的内容有什么联系。它没有那种“突然拔高”的感觉，都是循序渐进的，让你觉得每一步都能够跟得上。而且，书中对一些容易混淆的概念，比如大小调的区分、音阶的构成，都做了非常详尽的对比和解释，我之前总是分不清这些，看了这本书之后，豁然开朗。我觉得作者在细节的处理上非常用心，比如对于一些术语的解释，都会附带一个简单的例子或者类比，这样即使是第一次接触，也不会感到完全陌生。这本书的价值，不仅仅在于知识本身，更在于它提供的学习路径和方法，让乐理学习变得可行且充满信心。

评分☆☆☆☆☆

如果说要找一本能让我真正“坐下来”学习乐理的书，这本书绝对是首选。我之前尝试过很多“速成”或者“入门”的乐理教程，但都感觉流于表面，学完之后感觉自己还是什么都没学会。这本书则完全不同，它用一种非常扎实但又不失轻松的笔触，带领读者一步步深入。我最喜欢的是，它从来不回避一些“难点”，而是用各种巧妙的方式去化解。比如，讲到某个复杂的乐理概念时，它会先讲一个更简单的、你更容易理解的类似情况，然后顺着这个线索，慢慢引申到那个复杂概念。这种“循序渐进”的方式，让我觉得学习过程非常顺畅，不会有突然的挫败感。而且，书中的例子都非常贴切，不是那种脱离实际的假想例子，而是很多我们日常生活中就能听到的音乐片段，或者是作者自己创作的一些小片段。这让我能够立刻将理论和实际听觉感受联系起来，加深理解。我感觉这本书不仅仅是在教我“是什么”，更是在教我“为什么”和“如何感受”。它给了我一种全新的视角去看待音乐，让我能够更自信地去探索和欣赏我喜欢的音乐。