艺术的故事 9787807463726 广西美术出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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英贡布里希，范景中 著

图书标签:

• 艺术史
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• 艺术流派

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出版社： 广西美术出版社

ISBN：9787807463726

商品编码：28462487174

包装：平装

出版时间：2008-04-01

基本信息

书名：艺术的故事

定价：280.00元

作者：(英)贡布里希,范景中

出版社：广西美术出版社

出版日期：2008-04-01

ISBN：9787807463726

字数：

页码：688

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：1.603kg

编辑推荐

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《艺术的故事》被誉为“西方艺术史的”。自2008年出版中文版后，已第四次重印。与之前的版本完全相同。


在那项帮助人们熟悉艺术的事业中，《艺术的故事》是一部**之作。我无法表达自己对于这一新版本的赞美之情。设计优雅，图文辉映，插图悦目赏心，文字清晰闪光；所有这一切，使新版熠熠生辉。此书值得一读再读，就像美酒佳酿那样，愈加品赏，愈觉其味隽永。
——美国国立艺术馆馆长卡特·布朗，1995年
我们这一代的每一位艺术史家，其思考绘画的方式都几乎是由贡布里希塑造成形的。我在15岁时阅读了《艺术的故事》，从此以后就像干百万人一样，仿佛被授予了一幅国度的地图，凭此可以信心百倍地深入探索，无须担心走入歧途。
——英国国立美术馆馆长尼格格雷戈，1995年
贡布里希爵士的《艺术的故事》就像《蒙娜·丽莎》一样，饮誉世界，把知识和享受传给人们。
——法国卢佛宫馆长皮埃尔·罗森伯格，1998年

内容提要

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《艺术的故事》概括地叙述了从早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来。
继1997年三联版《艺术的故事》后，英国费顿出版社授权广西美术出版社出版，也是国内合法授权的版本。

目录

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作者介绍

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恩斯特·贡布里希爵士（Sir. Ernst Gombrich）（1909——2001）生于维也纳，并在维也纳大学攻读美术史。1936年移居英国，进入伦敦大学瓦尔堡大学。曾任牛津大学斯莱德美术讲座教授，哈佛、康奈尔等多所大学的客座教授，并于1972年被英王授封勋爵。主要学术著作有《艺术的故事》《秩序感》《象征的图像》等。贡布里希善于以简明晓畅的语言来表达严肃的题目，以便初入门者能轻松学习。
范景中，1951年11月生于天津。1977年考入北京师范大学哲学系。1979年入浙江美术学院攻读艺术理论研究生，获硕士学位。先后任《美术译丛》和《新美术》主编、中国美术学院教授、博士生导师、图书馆馆长、出版社总编等职。
杨成凯，笔名林夕。1941年生，山东招远市人。1981年毕业于中国社会科学院语言系，获硕士学位。1981年起在中国社会科学院语言研究所从事研究工作，任至研究员。学术活动范围广泛，在语言学理论、汉语语法、文学艺术、目录版本、古籍整理等领域都有著述发表。尤为倾心中国古文献收藏和研究，现为国家文物鉴定委员会委员。主要著作有《汉语语法理论研究》，其他论著见有关专业刊物。

文摘

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序言

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《西方艺术史：从古典到现代的宏伟叙事》 （书号：9787538678901，某知名艺术类出版社） 本书是一部宏大而精深的西方艺术史著作，它以清晰的脉络和丰富的实例，带领读者穿越数千年的艺术长廊，探寻西方文明在视觉艺术领域的发展轨迹与思想变迁。全书内容翔实，论述严谨，旨在为艺术爱好者、学生及专业人士提供一个全面且富有洞察力的导览。 第一部分：古典的奠基——古代艺术的辉煌 本书的开篇，聚焦于西方艺术的源头——美索不达米亚和古埃及。我们详细剖析了泥板上的楔形文字如何与巨型金字塔、狮身人面像共同构建起早期文明对永恒与神权的理解。书中对埃及法老艺术中严格的规范性、象征意义的表达方式，进行了深入的图解与分析。 随后，笔锋转向古希腊。古希腊艺术被誉为西方艺术的“黄金标准”。本卷着重阐述了从古风时期到古典盛期的风格演变，特别是对人体美的理想化追求。我们不仅考察了帕特农神庙的建筑学成就，更细致地分析了菲迪亚斯、波留克列特斯等雕塑大师如何通过“对立平衡”和“理想比例”塑造出对人类理性与和谐的赞颂。亚历山大大帝东征后，希腊化艺术的感性、动态和情感表达，也得到了充分的展现。 古罗马艺术的论述则侧重于其实用性、工程学成就及其对希腊传统的继承与革新。从宏伟的万神殿穹顶结构，到为宣扬帝国威望而修建的纪念性雕塑和浮雕，本书细致描绘了罗马帝国如何将艺术作为政治宣传和公民教育的有力工具。对壁画、马赛克等装饰艺术的考察，也展现了罗马社会生活的丰富面貌。 第二部分：信仰的疆域——中世纪的宗教图景 中世纪艺术是西方精神世界的直接投射。本部分首先探讨了早期基督教艺术在地下墓穴中萌芽的艰辛历程。随后，重点分析了拜占庭艺术的等级森严与神圣感，通过对圣索菲亚大教堂镶嵌画的研究，揭示了其对平面化、象征性描绘的偏爱，以及对东方艺术元素的融合。 进入西欧，本书系统梳理了加洛林文艺复兴、奥托王朝艺术的地域性特征。随后，对罗马式艺术（Romanesque）的厚重感、拱券结构和修道院艺术的教化功能进行了细致描摹。 全书的重头戏之一是对哥特式艺术（Gothic）的深入解析。从法国的圣丹尼教堂开始，我们跟踪了尖拱、飞扶壁和肋拱的革命性发展，这些技术突破如何成就了光芒万丈的彩色玻璃花窗。巴黎圣母院、沙特尔大教堂的立面雕塑群，被视为中世纪神学思想的“石头圣经”，本书对这些图像符号学的解读，力求让读者领略其复杂而深邃的宗教内涵。 第三部分：人性的觉醒——文艺复兴的巨匠时代 文艺复兴是人类艺术史上一次彻底的“回到人”的转向。本书将该时期划分为早期（佛罗伦萨的理性光芒）、盛期（三位巨匠的巅峰成就）和晚期（矫饰主义的过渡）。 早期文艺复兴中，对透视法的科学运用（布鲁内莱斯基、马萨乔）和对古典人体比例的重新发现（多纳泰罗），被视为艺术重获新生的标志。本书详细分析了波提切利作品中人文主义与新柏拉图主义哲学的交织。 盛期文艺复兴的论述，集中在达·芬奇的科学观察与神秘微笑、米开朗基罗对人体的极致塑造（西斯廷天顶画、大卫雕像）以及拉斐尔的和谐构图与理想化美感。我们不仅欣赏了他们的杰作，更探究了美第奇家族等赞助人对艺术创作环境的深刻影响。 第四部分：戏剧与反思——巴洛克与启蒙的碰撞 巴洛克艺术被视为对古典主义和谐的一种戏剧化回应。本书探讨了卡拉瓦乔的“明暗对照法”如何将宗教场景带入世俗的、强烈的现实感中，以及贝尔尼尼的雕塑如何捕捉瞬间的激情与动感。在北方，我们观察了荷兰黄金时代的独特景观：伦勃朗的内心探索和维米尔对光线与日常家居的精确描绘，这标志着艺术的赞助中心正从教会和王室转向新兴的市民阶层。 洛可可艺术的轻盈、享乐主义，与紧随其后的新古典主义（以雅克-路易·大卫为代表，重拾古罗马的道德与理性）形成了鲜明的对比。启蒙运动思潮如何影响了艺术的题材和风格，本书进行了详尽的论述。 第五部分：现代的黎明——19世纪的革命与流派纷呈 19世纪是艺术风格剧烈动荡的时代。浪漫主义的激情、想象力与对自然的崇拜，与工业革命带来的社会变革相互激荡。泰奥多尔·席里柯和欧仁·德拉克洛瓦的作品，是这一时期强烈情感的集中体现。 写实主义的兴起，标志着艺术家开始将目光投向工人和农民的日常生活，挑战了传统艺术的“高雅”主题。随后，印象派的革命性登场——他们不再关注描绘“什么”，而专注于表现“如何看”：光影的瞬间变化、户外写生（Plein Air）的实践，深刻地改变了绘画的本质。本书详尽分析了莫奈对光影的科学捕捉，以及德加对动态瞬间的捕捉。 后印象主义则是对印象派主观性的进一步发展，塞尚的结构探索、梵高的情感表达以及高更的象征性色彩运用，为20世纪艺术的彻底解放铺平了道路。 第六部分：激进的变革——20世纪至今的艺术图景 本书的最后部分，聚焦于20世纪艺术的爆发性发展。野兽派的色彩解放、立体主义对三维空间的解构、表现主义对内在焦虑的直抒胸臆，都标志着对既有美学规范的彻底颠覆。 达达主义的荒诞、超现实主义对潜意识的探索，以及抽象表现主义（如波洛克）的行动绘画，共同构建了一个拒绝单一解释的复杂艺术世界。本书最终梳理了波普艺术对大众文化的挪用、极简主义对艺术本质的追问，以及当代艺术中跨媒介、全球化和观念艺术的多元走向，旨在引导读者理解艺术如何持续地反映并挑战我们所生活的时代。 全书辅以数百幅高清、精选的艺术作品插图，图注详尽，并附有深入的艺术史词汇表与重要艺术家年谱，力求做到学术的深度与阅读的愉悦性完美结合。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对“理论”很头疼的读者，那些堆砌的术语和晦涩的概念常常让我望而却步。但这本书完全没有这种负担感。它更像是一位学识渊博、风趣幽默的导游，带着你走过一座又一座艺术的殿堂。在介绍抽象表现主义的时候，那种磅礴的气势和近乎癫狂的创作状态被表现得淋漓尽致，读起来让人热血沸腾。作者的文字充满了画面感，语言的节奏变化多端，时而如诗歌般婉转，时而如鼓点般激昂，完美地呼应了所介绍艺术风格的情感基调。它成功地将那些被神化的“大师”拉下神坛，展现了他们作为普通人的挣扎、困惑和突破，使得艺术不再遥不可及，而是与我们每个人的生命体验产生了深刻的共鸣。这种亲和力，是这本书最难能可贵的地方。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初被这本书吸引，是冲着它封面那种沉静而富有质感的设计去的。拿起书本后，那种纸张的触感和油墨的清香就让我感到一种久违的踏实感。这本书的叙事节奏把握得极其精妙，它不像某些传记那样在早期铺陈过多，而是直奔主题，用一系列精心挑选的艺术“瞬间”来构建起整部艺术史的脉络。我最欣赏它在介绍印象派时的那种细腻和敏感。作者没有停留在色彩和光影的技法分析上，而是深入挖掘了莫奈、雷诺阿他们如何反抗学院派的束缚，如何捕捉转瞬即逝的日常之美。那种挣脱桎梏、追求自由的精神力量，透过文字的力量，强烈地感染了我。读到那些描绘巴黎午后阳光洒在塞纳河上的段落时，我甚至觉得自己的呼吸都变得缓慢而悠长，仿佛时间都为这些艺术家的创造力而驻足。这本书的价值，绝不仅仅在于知识的传递，更在于它点燃了读者内心深处对生活和美的感知能力。

评分☆☆☆☆☆

我收藏了很多关于艺术史的书籍，但唯独这本书，我愿意放在床头随时翻阅。它的力量在于其深刻的洞察力和人文关怀。我尤其对书中关于非西方艺术如何与西方主流艺术发生碰撞和融合的论述印象深刻。它打破了长期以来以欧洲为中心的叙事偏见，以一种更具全球视野的角度审视了艺术的多元性。作者在分析每一个时代的作品时，不仅仅关注“是什么”，更着重探讨“为什么”——为什么是这个时代的民众需要这样的艺术？这种对时代精神的精准捕捉，让整本书的厚度超越了单纯的艺术史记录，上升到了对人类精神史的探讨层面。每次合上书本，我的内心都会被一种巨大的充实感所占据，仿佛自己不仅看完了艺术史，更是参与了一场漫长而壮丽的人类精神探险。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排着实令人拍案叫绝。它巧妙地避开了传统艺术史的线性叙事陷阱，转而采用了一种主题性的、网状的结构来展现艺术的演变。我发现它在探讨不同流派的交汇与冲突时，处理得非常老道。比如，它将巴洛克时期的戏剧性与古典主义的严谨性进行对比时，引用的案例和分析角度都非常独特，让人立刻就能抓住两者之间核心的哲学差异。我特别喜欢其中关于雕塑艺术的几个章节，作者似乎对三维空间的把握有着异乎寻常的敏感度，通过文字描述，那些冰冷的石头仿佛都获得了生命和温度，你能清晰地感受到雕塑家手中凿子带来的每一次力量的传递。对于初学者来说，这本书的导引性极强，它不会让你感到迷失在浩如烟海的艺术史中；而对于有一定基础的读者来说，它提供的那些新的解读角度，也足够让人耳目一新，值得反复咀嚼。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了一扇通往人类文明瑰宝的大门！我一直对艺术史抱有浓厚的兴趣，但总觉得那些厚重的教科书太过枯燥乏味，难以真正抓住艺术的灵魂。然而，当我翻开这本书的时候，那种感觉完全不同了。它没有将艺术史变成一堆冰冷的年代和人名，而是用一种近乎讲述故事的笔触，将那些伟大的作品和背后的艺术家娓娓道来。特别是关于文艺复兴那一部分，作者对达芬奇和米开朗基罗的描述，简直让我仿佛置身于佛罗伦萨的画室里，感受着他们创作时的那种挣扎与激情。文字的张力十足，能够让人在阅读的同时，脑海中自动浮现出那些经典画作的细节，那种身临其境的体验，是其他任何艺术鉴赏书籍都难以比拟的。我特别欣赏作者对于艺术与社会背景相互影响的剖析，它让我明白，艺术从来不是孤立存在的，而是特定时代精神的集中体现。每一次阅读，都像是一次与古老灵魂的对话，让人对“美”的理解不断深化。