音阶和弦与琶音大全 钢琴书音阶与琶音钢琴音阶和弦与琶音 钢琴和弦 音阶琶音 乐理知识基础教材音乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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隆茜 编

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店铺： 磐恒志行图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806927717

商品编码：29609251997

丛书名： 音阶.和弦与琶音大全

开本：8开

出版时间：2012-06-01

商品参数

音阶、和弦与琶音大全
	定价	35.00
	出版社	上海音乐学院出版社
	版次	1
	出版时间	2012年06月
	开本	16
	作者	隆茜
	装帧	平装
	页数
	字数
	ISBN编码	9787806927717
	重量	582

目录

基本音阶

C大调

一、C大调音阶

二、C大调三度音阶

三、C大调六度音阶

四、C大调主和弦及短琶音

五、C大调主和弦长琶音

六、C大调属七和弦琶音

a小调

一、a小调音阶

二、a小调三度音阶

三、a小调六度音阶

四、a小调主和弦及短琶音

五、a小调主和弦长琶音

六、a小调减七和弦琶音

G大调

一、G大调音阶

二、G大调三度音阶

三、G大调六度音阶

四、G大调主和弦及短琶音

五、G大调主和弦长琶音

六、G大调属七和弦琶音

e小调

一、e小调音阶

二、e小调三度音阶

三、e小调六度音阶

四、e小调主和弦及短琶音

五、e小调主和弦长琶音

六、e小调减七和弦琶音

F大调

一、F大调音阶

二、F大调三度音阶

三、F大调六度音阶

四、F大调主和弦及短琶音

五、F大调主和弦长琶音

六、F大调属七和弦琶音

内容介绍

《音阶、和弦与琶音大全》zui大的特点是“全”，可称为一本工具书。据了解，目前国内出版的大部分音阶与琶音的教材中都只含两个八度的练习，而该书却包含了一个八度到四个八度的练习，并几乎涵盖了24个大小调的所有音阶、和弦与琶音的类型，且每一条练习都可以在目录中一一对应地查找。 该书的另一个特点是“指法”非常详细，几乎每一个音上都标注了指法，十分适合初学者使用。本着保护视力的原则，我们此次出版采用了“大开本”和“大符头”。

目录

《和声的织锦：从巴洛克到二十世纪的色彩探索》 图书简介 本书是一部深度剖析西方音乐和声演变史与实践应用的专著，旨在带领读者跨越不同历史时期的音乐语言，深入理解和声作为音乐结构基石的丰富内涵与无限潜力。我们不着眼于基础音阶、和弦和琶音的机械性记忆与排列，而是将重点置于和声的功能性、色彩性以及历史语境。 本书结构严谨，分为四个主要部分，层层递进，系统梳理了和声从稳定到解构的壮丽历程。 --- 第一部分：古典与浪漫主义的和声逻辑（The Logic of Tonal Harmony） 本部分专注于建立读者对传统功能和声系统的深刻认识，即如何理解调性中心、主导功能（Tonic, Dominant, Subdominant）之间的相互作用，以及这些作用如何推动音乐的叙事进程。 1. 调性体系的稳固基石： 我们将详细探讨“功能”在古典和声中的核心地位。这不是简单地识别三和弦，而是理解为什么一个和弦出现在特定位置会产生特定的心理效应——是期待、满足还是张力。我们将引入连续性和终止式的精妙设计，分析海顿、莫扎特如何利用这些工具构建清晰、平衡的乐句。 2. 织体与声部的精细处理： 本章聚焦于和声的垂直维度。我们将深入研究四部和声的写作规范，不仅仅是声部进行中的平行五八度的禁忌，更关注如何通过旋律性内声部（Melodic Inner Voices）来赋予静态和弦以生命力。我们将分析巴赫《平均律键盘曲集》中，即便是最简单的对位结构，其内部声部的独立行进是如何与整体和声走向完美融合的。 3. 浪漫主义的和声扩张： 随着浪漫主义的兴起，和声的疆界开始被拓宽。本章重点分析副属和弦（Secondary Dominants）、离调（Modulation）的复杂技巧，以及增和弦和减和弦在制造情感张力中的应用。读者将学习如何解读舒伯特的忧郁、肖邦的精致，以及李斯特对色彩的偏爱是如何通过更稀疏或更密集的和声排列实现的。我们特别关注半音和声（Chromatic Harmony）如何模糊调性边界，为后来的调性瓦解埋下伏笔。 --- 第二部分：和声的色彩学——超越功能（Harmonic Coloration Beyond Function） 此部分将和声的视角从“结构”转向“感受”，探讨非传统和弦音的使用如何瞬间改变音乐的情绪基调。 4. 九和弦、十一和弦与十三和弦的运用： 我们将把焦点从三和弦扩展到延伸和弦（Extended Chords）。分析这些更“高阶”的和弦不仅仅是简单音高的堆叠，而是特定时期作曲家追求的“音响饱和度”。例如，如何利用九和弦来模拟德彪西音乐中水波荡漾的效果，或如何使用十三和弦来营造更为开阔、模糊的空间感。 5. 异名同音与等音现象（Enharmonic Equivalents）： 深入探讨异名同音和弦（如 C♯ 增六和弦与 D♭ 属七和弦）在快速转调和制造戏剧性冲突中的作用。理解作曲家如何利用音高的等价性，在不改变听觉印象的情况下，实现远关系调之间的平滑过渡，这是李斯特和瓦格纳戏剧性音乐语言的核心技术之一。 6. 调式与非功能和声的萌芽： 探讨调式（Modes）如何被引入到传统调性框架中，以增加色彩变化。例如，弗里吉亚、利迪亚调式音阶的使用如何为和弦带来“异域”或“古老”的听感。这部分是理解印象派音乐和声的桥梁。 --- 第三部分：印象主义与现代主义的和声解构（Deconstruction and Reimagining Harmony） 本部分标志着音乐语言从传统调性束缚中的解放。 7. 印象派的“声音”与“氛围”： 德彪西和拉威尔如何彻底挑战“功能”的统治地位？我们将细致分析平行和弦（Parallel Chords）的写作，这些和弦在传统理论中被视为“非功能性”的，但在印象派音乐中，它们被视为独立的音响色块。同时，全音阶（Whole-Tone Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）在和声构建中的应用，如何彻底消除了调性中心的吸引力，创造出静止、漂浮的音乐织体。 8. 斯克里亚宾与“神秘和弦”： 专门探讨亚历山大·斯克里亚宾的晚期和声实验。分析他如何基于自己的“光辉和弦”（Mystic Chord）构建出一个全新的、以自身为中心的和声体系，这种体系试图将音乐与哲学、色彩进行整合，是通向无调性音乐的最后一步关键探索。 9. 序列主义与无调性（Atonality and Serialism）： 论述勋伯格在功能和声耗尽后的革命性突破——十二音体系。本书将清晰解释音列的构建、转换（转位、逆行、逆行转位）的规则，以及作曲家如何在没有传统调性支撑的情况下，通过音列的排列来组织音乐的宏观结构和对位关系。这不是音阶的简单练习，而是结构性原则对和声的替代。 --- 第四部分：爵士乐与当代和声的融合（Jazz, Popular Music and Contemporary Synthesis） 本书的最后一部分将视野投向二十世纪中叶以来的和声实践，展示和声的生命力在于不断的吸收与创新。 10. 爵士乐的和声“语法”： 爵士乐对传统和声的“修正”和“扩展”是现代和声学的核心。我们将分析和弦替换（Chord Substitution）、和弦延伸的极限（如降九、升十一等张力音的使用）以及属七和弦的色彩化（如 Altered Dominants）。重点探讨如何通过根音运动的轨迹（如 II-V-I 进行）来理解其内在的逻辑，而非仅仅停留在指板上的和弦名称记忆。 11. 音响空间与极简主义的和声： 探讨拉赫玛尼诺夫的丰富和声如何与极简主义（如菲利普·格拉斯的持续和弦）形成对比。分析极简主义如何通过复节奏（Polyrhythm）和和声的慢速演变来产生时间感的错位，以及微小和声变化在长时间尺度上如何构建出催眠般的听觉体验。 总结： 《和声的织锦》旨在培养读者对和声进行批判性分析和创造性运用的能力。它提供的是一个历史地图、一套分析工具和一种思维方式，帮助演奏者和创作者理解每一个和弦背后的“为什么”，从而能更深入地诠释既有作品，并为未来的音乐语言探索奠定坚实的理论基础。本书假定读者已具备基础的乐理知识，并渴望进入和声的深层结构与美学领域。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的一点，在于它对于“系统性”的把控达到了一个极高的水准。很多所谓的“大全”，其实只是把知识点简单堆砌在一起，缺乏内在的逻辑联系，读者学完A不知道B怎么衔接。然而，这本书的编排思路明显是经过深思熟虑的，它不是孤立地讲解音阶，而是将音阶的结构、对应的和弦构建，乃至于如何在实际演奏中运用琶音连接，形成了一个完整且流畅的学习闭环。比如，讲解完大调音阶后，紧接着就引入了其主三和弦的指法和构成，这种“理论—实践—拓展”的递进方式，让人能够立刻感受到知识点之间的化学反应，而不是单纯地记忆符号。这对于希望建立扎实乐理框架的严肃学习者来说，无疑是极具价值的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的定价相对较高，起初让我有点犹豫，但当我仔细对比了市面上其他同类书籍后，我觉得这份投入是完全值得的。它真正的价值体现出来的地方，在于对“多样性”的覆盖广度和深度。它不仅仅停留在我们最常见的C大调或A小调上，而是系统性地涵盖了所有调式、大小调、半音阶，甚至连一些不太常用的和弦变化型都有所涉及。这意味着，这本书真正能伴随一个学习者走过很长一段路，从入门到进阶甚至到一定程度的演奏水平，它都能提供可以回溯和参考的材料。对于需要为考级或者准备音乐创作打基础的人来说，这种全面的覆盖面避免了频繁更换教材的麻烦，可以说是一本“一劳永逸”的参考书，非常厚道。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种深邃的蓝色调配上烫金的字体，透露出一种典雅又不失专业的质感，拿在手里沉甸甸的，感觉分量十足。我本来以为这种类型的教材会很枯燥，但翻开内页后才发现，排版真的是下了功夫的。所有的谱例都清晰可见，五线谱和指法标注都做得非常细致，对于我这种还在摸索阶段的初学者来说，这简直是福音。很多市面上其他的乐理书，排版要么太紧凑，要么墨迹太浅，看久了眼睛特别累，但这本却能让人保持专注。而且，书中的导读部分，作者似乎很能抓住初学者的心理，用很平易近人的语言解释了什么是“基础”，而不是上来就抛出一堆术语，这极大地降低了我的入门门槛，让我觉得学音乐并没有想象中那么遥不可及，很适合作为入门的工具书来长期保存和使用。

评分☆☆☆☆☆

我个人在学习过程中有一个小小的体会，这本书在处理一些技巧难点时，加入了一些作曲家级别的“窍门”，这些东西往往是老师口头传授但难以书面化的内容。比如，它会提到在快速跑动琶音时，如何通过手腕的微小放松来减轻疲劳，或者在进行大跨度音程转换时，重心应该如何巧妙地转移。这些细节处理，让原本冰冷的音符练习充满了“人情味”和演奏的艺术性。这让我感觉我买的不仅仅是一本技术手册，更像是一位经验丰富的老教授，手把手地在教我如何“弹好”音乐，而不是仅仅“弹对”音符。这种教学上的智慧融入，是许多标准教材所欠缺的，也是我强烈推荐给那些追求演奏深度而非仅仅停留在表面技巧的人的原因。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书的初衷是想找一些能提升我演奏技巧的实战性材料，一开始我对“乐理基础教材”的定位有点保留。但深入学习后发现，它虽然强调基础，但绝对不是那种纸上谈兵的理论书。它非常注重手感的培养和肌肉记忆的建立。书中对于每个音阶和琶音的练习速度梯度划分得非常科学，从慢速的精准度练习，到中速的连贯性训练，再到快速的流畅冲刺，每一步都有明确的建议和示范（虽然没有配套音频，但谱例的指示已经足够）。我按照书里的指法反复练习了好几天，发现我的手指灵活性和对键盘的把控力确实有了肉眼可见的提升，尤其是那些复杂的增减和弦琶音，以前总感觉手指打架，现在明显协调多了，感觉像是给我的钢琴技术做了一次全面的“内功心法”升级。