勋伯格--风格与创意 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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茅于润... 编

图书标签:

• 勋伯格
• 音乐
• 作曲
• 风格
• 创意
• 十二音技法
• 音乐理论
• 现代音乐
• 音乐史
• 分析

店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787807519034

商品编码：29642579094

开本：16

出版时间：2011-12-01

基本信息

• 商品名称：勋伯格--风格与创意
• 作者：(奥)阿诺德·勋伯格|译者:茅于润
• 定价：45
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787807519034

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2011-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：244

编辑推荐语

阿诺德·勋伯格著的《勋伯格--风格与创意》，书里的内容依照顺序而言有勋伯格对于自己职业的评价；他对现代音乐的反应，其主要的衍生物之一就是民族主义；他对于批评家和批评的生动回应；他对音乐理论与实践的*重要贡献即十二音作曲技法的发展；对于理论与作曲、表演与记谱方面的问题的探讨；对教学工作的积极深人；他对于过去和现在的作曲家的态度；以及*后，他对于当时的社会和政治气候的反应。

内容提要

阿诺德·勋伯格著的《勋伯格--风格与创意》是 一本关于现代音乐的重要文献。阿诺德·勋伯格以其 非凡的智慧和其具有预见性的洞察力，使这本书成为 吸引人们对复杂的二十世纪音乐历史产生浓厚兴趣的 必不可少的原始资料。通过这本巨著你可以进人二十 世纪*重要的作曲家的头脑，去理解、探究勋伯格本 人和他的音乐，以及勋伯格对其他作曲家的研究、对 艺术和整个世界的思考。
    

目录

**部分 个人的评价与回顾
人怎么会感到孤独的
音乐创作中的情与理
自我剖析
我的演变
新音乐：我的音乐
拼凑的音乐
我的技巧和风格
第二部分 现代音乐
新音乐、过时的音乐、风格与创意
评论音乐作品的标准
新音乐
时代的转折
与文字的关系
第三部分 民间音乐与民族主义
民间音乐式的交响乐
民间音乐与艺术音乐
民族音乐（1）
民族音乐（2）
为何美国没有出现伟大的音乐作品
第四部分 十二音作曲法
十二音作曲法
豪埃尔（Hauer，J.M.）的理论
“勋伯格的音列”
用十二音作曲
用十二音创作（2）
这公平吗？
第五部分 理论与作曲
调性与曲式
为作曲论文写的一篇文章
有关和声的问题
音乐创意的连接
新、旧对位法
线性对位
线性对位；线性复调
赋格
第六部分 教学
艺术教学中的问题
现代作曲的教学问题
教学与音乐中的现代思潮
第七部分 作曲家
巴赫
革新派勃拉姆斯
古斯塔夫·马勒
阿尔班·贝尔格
乔治·格什温
译后记

好的，以下是为您的图书《勋伯格——风格与创意》量身打造的、不涉及该书内容的详细图书简介： --- 远古回响与未来之音：探寻音乐史的宏大叙事 一卷穿越时空的史诗，一次对人类艺术创造力的深度挖掘。 本书并非聚焦于某一位特定作曲家或某一个流派体系的精深剖析，而是以一种宏观且富有哲思的视角，重新审视西方音乐自文艺复兴萌芽至二十世纪中叶的漫长演进历程。我们试图剥离那些被时间固化、被学院派过度解读的既有结论，回归到音乐作为一种人类精神活动的本质——如何思考、如何表达、如何应对时代变迁。 这不是一本枯燥的音乐史教科书，它更像是一次充满激情的田野调查，我们将探寻那些在历史洪流中被低估的声音，那些在特定历史情境下催生出的、具有划时代意义的艺术决策。 第一部：巴洛克的回响——秩序与激情的辩证法 巴洛克时期，是西方艺术从神权向理性过渡的关键节点。本卷将侧重于探究“形式的桎梏如何孕育出更深层次的自由”。我们不会简单罗列巴赫或亨德尔的作品，而是深入分析当时社会对“复杂性”和“可理解性”的并存需求。 我们将审视数字低音（Basso Continuo）这一看似简单的技术支撑，如何成为构建宏大音乐建筑的基石。通过分析早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）的文本处理，我们可以清晰地看到，艺术家们如何在遵循严格的对位法和和声规范的同时，通过戏剧性的张力、即兴的处理，注入了前所未有的个人情感表达。这种在严格框架内寻求突破的努力，构成了巴洛克精神的核心——一种充满结构美感的狂热。 第二部：古典主义的“清醒”——平衡的艺术与普世的情感 海顿、莫扎特所代表的古典主义，往往被简化为“清晰、典雅、平衡”。然而，这种“平衡”背后，是启蒙运动对理性秩序的极致追求，同时也是对巴洛克时期过度装饰的审慎反思。 本书将重点分析奏鸣曲式（Sonata Form）的发展，它不仅仅是一种曲式结构，更是一种戏剧性的叙事模型：呈示部（主题的提出与对立）、发展部（冲突与挣扎）、再现部（和解与统一）。我们关注的焦点在于，作曲家如何通过对不同主题材料的有机处理，在不牺牲逻辑性的前提下，呈现出人类复杂的情感光谱——从克制到爆发的微妙过渡。 此外，我们将探讨钢琴的崛起如何改变了音乐的传播与创作生态。从宫廷沙龙到市民阶层的普及，音乐的听众群体和审美趣味发生了质变，这反过来又要求作曲家必须找到一种既能满足贵族品味，又能被新兴中产阶级接受的“普世语言”。 第三部：浪漫主义的“洪流”——自我意志与媒介的融合 如果说古典主义是在构建一座精密的钟表，那么浪漫主义就是在释放一头被束缚的巨兽。本卷将深入探讨十八世纪末到十九世纪中叶，音乐如何成为表达个体“无限性”和“超越性”的主要载体。 我们着重分析“主导动机”（Leitmotif）在叙事音乐中的早期应用，探讨作曲家如何将文学、哲学、视觉艺术的元素，强行注入到纯音乐结构中。李斯特的交响诗概念，瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的构想，都是对传统音乐体裁的颠覆。这种颠覆并非毫无根据的叛逆，而是源于艺术家对自身主体地位的强烈确信——音乐不再是模仿自然或侍奉神灵的工具，而是艺术家精神世界的直接投射。 我们将探讨色彩的运用——管弦乐队编制的空前扩大，对乐器音色的精妙把握，这本质上是对听觉感知边界的一次集体拓展。 第四部：世纪之交的“迷惘”——边界的消解与新语言的诞生 进入十九世纪末，欧洲的文化自信开始动摇，对既有体系的怀疑催生了艺术的极度个体化与实验性。本卷将关注那些在既有和声语法边缘徘徊的先驱者。 我们探讨“变调”的频繁使用如何侵蚀了传统调性的中心感，以及“模糊性”如何成为一种新的美学追求。音乐开始不再满足于提供明确的情绪答案，而是试图捕捉那些转瞬即逝的、难以名状的内心体验——比如德彪西对水波、光影的描绘，以及马勒作品中对宏大叙事与微小细节的并置。 这一时期的作品，往往充满了对听觉习惯的挑战，它们要求听众放弃对“悦耳”的固有期待，转而进入一种更深层次的、需要主动参与建构意义的聆听状态。 结语：聆听历史的回声 本书的终极目标，是培养一种具备历史纵深感的聆听习惯。我们相信，理解音乐的演变，就是理解人类如何不断地重塑其表达的工具，如何面对结构与自由、传统与创新之间的永恒张力。通过对这些历史节点的审视，读者将能够以更开阔的视野，去品味和探究任何时期的音乐艺术。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格颇具个性，它不像那种学院派的教科书那样冷冰冰，反而带有一种近乎私密的对话感。作者似乎在与读者分享一个只有他们二人知道的秘密，那就是勋伯格创作背后的真正驱动力是什么。书中穿插了一些未曾发表过的书信片段和口述资料，这些“第一手”的证据为原本就已扑朔迷离的勋伯格形象增添了许多人性化的光彩。我尤其对其中关于“表现主义”与“内心必然性”的阐述印象深刻，作者成功地论证了勋伯格的激进变革并非为了哗众取宠，而是源于一种无可逃避的艺术使命感。阅读过程中，我不断地在“理解”和“接受”之间徘徊，这正体现了勋伯格音乐的魅力所在——它挑战你的习惯，却又用其强大的内在逻辑说服你。这本书是送给所有对“天才的孤独”和“艺术的极限”感兴趣的读者的最佳礼物。

评分☆☆☆☆☆

这本关于勋伯格的书，读完之后我的内心久久不能平静，它不仅仅是一本枯燥的音乐理论分析，更像是一次对艺术家灵魂深处的探索。作者以极其细腻的笔触，勾勒出了勋伯格从传统调性音乐向无调性音乐转变过程中所经历的心路历程，那种挣扎、那种坚持，仿佛就发生在眼前。我尤其欣赏书中对勋伯格早期作品与后期十二音体系之间内在逻辑的梳理，那种从色彩到结构的深刻洞察，让我对这位“现代音乐之父”有了更立体、更人性的理解。阅读过程中，我时常需要停下来，去反复聆听那些被文字激活的音符，它们不再是抽象的符号，而是带着强烈情感的呐喊与低语。这本书的叙事节奏把握得恰到好处，既有学术的严谨性，又不失文学的感染力，让即使是对现代音乐不甚了解的读者，也能被这位大师的创造力所深深吸引。它成功地将复杂的音乐概念转化为了可感知的精神体验，是一部值得反复研读的杰作。

评分☆☆☆☆☆

老实说，一开始我对这样一本专注于某一位作曲家的书抱持着一丝谨慎，生怕陷入了无休止的曲目罗列和技术性分析。然而，这本书的叙事视角非常独特，它将勋伯格置于他所处的时代洪流之中，探讨了战争、政治变迁乃至他本人的犹太身份如何塑造了他的艺术选择。作者的笔法带着一种近乎敬畏的克制，但字里行间流露出的对这位巨匠的理解与同情，却极具穿透力。书中对《月光小丑》的分析简直是神来之笔，它不仅仅拆解了技巧，更还原了表演者内心的焦虑与疏离感，那种对传统审美规范的彻底颠覆，通过文字被展现得淋漓尽致。阅读这本书，就像是拿到了一把钥匙，打开了一扇通往内心深处、充满张力和矛盾的艺术世界的门。它不提供简单的答案，而是激发你提出更深刻的问题。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排堪称一流，它没有采用传统的编年史写法，而是围绕几个核心的“危机点”展开论述，比如“调性的黄昏”、“序列主义的诞生”等等，这种主题式的划分极大地增强了阅读的逻辑性和冲击力。我特别欣赏作者在处理勋伯格与其他重要人物——比如斯特拉文斯基、德彪西——之间的关系时所展现出的平衡感，没有陷入无谓的争吵，而是聚焦于思想的碰撞如何催生新的艺术领域。书中对勋伯格晚年教学思想的介绍也令人耳目一新，展现了他作为教育家不为人知的一面，那种对后辈的期许与严厉并存的复杂情感，被捕捉得非常到位。整本书读下来，感觉就像完成了一次高强度的智力马拉松，虽然有些地方需要查阅乐谱辅助理解，但最终的收获是巨大的——对音乐史发展动力的理解被提升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的深度和广度远远超出了我最初的预期。它巧妙地将勋伯格的个人传记元素与他的音乐美学思想融为一体，让你清楚地看到，他的每一次音乐上的“出格”，都源于他对现有艺术形式的深刻不满和对未来可能性的执着追求。书中对“二度创作”的探讨尤其发人深省，作者似乎能洞察到勋伯格在面对听众不理解时的那种孤傲与寂寞。我特别喜欢其中关于勋伯格如何将康德哲学和尼采思想融入其作曲实践的论述，这使得他的十二音体系不再仅仅是一种数学游戏，而成为了一种哲学立场。文字的密度很高，信息量巨大，但行文流畅，没有那种堆砌术语的空洞感。每一次翻阅，都能发现新的层次，仿佛在解读一幅层层叠叠的文艺复兴画作，细节无穷，韵味无穷。对于想要真正理解二十世纪音乐如何发生的读者来说，这本书简直是不可或缺的路线图。